Né de la rencontre impromptue entre Kiefer, CARRTOONS et Nate Smith, le collectif FATHERS livre un premier album éponyme tout à fait à l’image de ses constituants, entre jazz, hip-hop et néo-soul.

D’une rencontre au FIJM 2023 à l’étiquette Blue Note avec Kenny Beats

Réunis pour la première fois lors de la résidence de Nate Smith au Festival International de Jazz de Montréal en 2023 (voir notre captation vidéo), les trois musiciens ont rapidement développé une complicité qui s’est prolongée sur scène avant de prendre forme en studio. Ce qui ne devait être qu’un simple essai technique dans le studio fraîchement aménagé du producteur Kenny Beats, s’est finalement transformé en deux journées d’improvisation, donnant naissance à un premier album sur l’étiquette Blue Note. Cette spontanéité transparaît par ailleurs sur l’ensemble de l’album, où la production méticuleuse de Kenny Beats préserve toute la fraîcheur et le naturel des échanges.

Eye Level, Patchwork, et Pearl – un des moments forts de FATHERS

L’album s’ouvre avec Eye Level et Patchwork, posant les bases de la recette musicale du trio : la basse mélodique de CARRTOONS en constant dialogue avec les claviers de Kiefer, alors que Nate Smith construit ses rythmes avec la précision redoutable et le sens du groove unique qu’on lui connaît. Les motifs mélodiques courts, répétés et transformés, rappellent parfois l’esthétique des mixtapes ou du sampling propres au hip-hop. Cette approche atteint son sommet avec Pearl, dont les accents latins et la fluidité des lignes mélodiques en font un des moments forts de l’album.

The Leak, Tomorrow Again et Stub

L’album adopte parfois un ton plus contemplatif, comme sur The Leak avec son tempo ralenti qui met en valeur les variations millimétrées du groove, laissant davantage d’espace aux longues lignes de basse et aux textures atmosphériques de synthés. Tomorrow, Again poursuit dans cette veine intimiste avec sa mélodie très épurée, soutenue par un combo basse-batterie qui ancre solidement l’ensemble. À l’inverse, Stub concentre toute son énergie autour d’un motif bref et percutant où les synthés et la batterie adoptent la rigueur programmatique d’une boîte à rythmes, alors qu’il s’agit toujours d’une performance live.

Front Yard et Figure 8

La conclusion de l’album confirme la personnalité unique du projet. Front Yard s’appuie sur une ligne de basse autour de laquelle les autres gravitent avec légèreté, évoquant pleinement la sensation d’une jam session. Enfin, Figure 8 densifie progressivement son matériau mélodique en superposant piano acoustique, synthés et effets électroniques jusqu’à un final lumineux.

Parfois un peu répétitif dans sa facture, FATHERS (2026) n’en demeure pas moins une proposition musicale originale

Parfois un peu répétitif dans sa facture, FATHERS (2026) n’en demeure pas moins une proposition musicale foncièrement originale qui voit trois superbes musiciens revisiter les codes du trio de piano en l’ouvrant au hip-hop et à l’électro, insufflant un vent de fraîcheur à l’un des formats les plus emblématiques de l’histoire du jazz.

Eye Level / Patchwork / Pearl / Stub / The Leak / Tomorrow Again / Front Yard / Figure 8

Kiefer – claviers
CARRTOONS – basse
Nate Smith – batterie
Kenny Beats – producteur

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Kiefer – When There’s Love Around (2022)

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Deuxième parution cette année du prolifique musicien et producteur de Melbourne Horatio Luna, Action Reaction (2026) poursuit avec brio sa fusion singulière entre jazz, house et broken beat, tout en s’éloignant quelque peu des atmosphères plus sombres de ses débuts.

Action Reaction (2026) d’Horatio Luna réunit une floppée de musiciens

Enregistré sporadiquement entre 2022 et 2025, l’album réunit une floppée de musiciens incluant notamment les claviéristes Jake Amy, Brad Bellard et Lewho, le saxophoniste Hugo Turudija, le guitariste Gabe Keam et le batteur Odyssey Zelno. La palette sonore chaleureuse marie synthétiseurs, cuivres et grooves funk, le tout occasionnellement ponctué d’extraits de messages vocaux qui donnent à la musique des allures de journal du quotidien. Ce goût pour l’expérimentation et l’inattendu s’entend particulièrement sur Malakies où une ligne de basse agile sert de point d’ancrage à un dialogue continu entre les synthés et le saxophone.

Horatio Luna privilégie l’originalité et la libre circulation des idées plutôt que la démonstration de virtuosité

En ce sens, Horatio Luna privilégie l’originalité et la libre circulation des idées plutôt que la démonstration de virtuosité, laissant les motifs se transformer progressivement au fil des échanges entre les musiciens. Cette façon de construire progressivement la musique donne aux morceaux une impression de mouvement permanent, voire d’instabilité par moment, tout en conservant la cohésion d’ensemble.

Horatio Luna

Une forte influence de la tradition electro de Détroit mais enrichie d’harmonies jazz

Mais si la house demeure le socle sur lequel Horatio Luna bâtit son édifice musical, il ne s’abandonne jamais complètement à ses codes. On sent à ce titre une forte influence de la tradition électro de Detroit, notamment le sens du groove, mais enrichie d’harmonies jazz, de textures complexes et de nuances rythmiques fines. La pièce Rectify illustre parfaitement cette capacité à faire dialoguer les influences, sans qu’aucune ne prenne véritablement l’ascendant sur les autres.

Les nouvelles versions de Hip Connections, Sweet Paprika et Habib! tissent l’autre fil conducteur d’Action Reaction (2026)

Les nouvelles versions de Hip Connections, Sweet Paprika et Habib! tissent l’autre fil conducteur de l’album. Plus que de simples réarrangements, elles traduisent une conception de la musique qui voit les compositions comme des objets en mouvement perpétuel. En les ralentissant, en les épurant, ou en ramenant les cuivres à l’avant-plan, Horatio Luna ne se contente pas de recycler son catalogue, il réaffirme sa propre conception de la création musicale, où chaque pièce peut être réinventée à la lumière de sa propre évolution en tant qu’artiste.

Call Me Back (interlude) / Spicy / What Up Dog (interlude) / Malakies / Double Slay / La Luna ! (interlude) / The Win / Moonshine / Sweet Paprika / Butter On Your Ass (interlude) / Mystic Bounce / On-Ly Swing (interlude) / Porto Banga / Rectify (hommage à Moodymann) / Ms. Luna (interlude) / Hip Connections (prise 2) / We Play Both Kinds (interlude) / Habibi (prise 2) / Sleepy Byes

Horatio Luna – basse, bulbul tarang, claviers/synthés
Jake Amy – claviers/synthés
Brad Bellard – claviers/synthés
Lewho – claviers/synthés
Gabe Keam – guitare
Hugo Turudija – saxophone ténor
Odyssey Zelno – batterie, échantillonnage
Salvador Diaz – percussions
On-Ly – piano sur On-Ly Swing Interlude

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Les bons plans des derniers trois jours du Festival International de Jazz de Montréal (2-4 juillet 2026)

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Poète, militante et musicienne basée à Los Angeles, Aja Monet lançait récemment The Color of Rain (2026), approfondissant l’univers poétique et surréaliste esquissé sur son premier album paru en 2023 et nommé aux Grammy Awards.

Entourée de la géniale bassiste et productrice Meshell Ndegeocello, du batteur Justin Brown et d’un collectif de musicien·nes réunissant notamment Burniss Travis, Josh Johnson, Georgia Anne Muldrow, Novena Carmel et Ambrose Akinmusire, la poète livre quinze nouveaux titres à la croisée du spoken word, du jazz spirituel et de la soul, en ne négligeant pas le côté expérimental qui fait sa marque. Plus « musical » que ses parutions précédentes, The Color of Rain (2026) ne se contente pas de mettre en musique ses textes, il les prolonge et leur confère plus de profondeur expressive.

say it with your chest invite et hollyweird

Dès l’ouverture, say it with your chest invite à la prise de parole engagée. Les cuivres feutrés, les claviers et les percussions soutiennent une voix qui tient autant de l’incantation que de la poésie. Plus loin, hollyweird brosse un portrait sublimé de Los Angeles, entre showbusiness et saturation médiatique. La poète y déploie un flot d’images qui traduisent l’absurdité de notre époque et la difficulté de trouver un sens dans un monde où le vacarme médiatique perpétuel étouffe l’essentiel. Sous sa plume, les enjeux sociaux deviennent une expérience sensorielle, sans jamais sacrifier la musicalité.

for the Congo, skinfolk, melting clocks et every media minute

On retrouve le cœur du propos de l’album dans for the Congo, où des percussions et des chœurs hypnotisants portent une réflexion sur les rapports de domination, la violence et notre complicité collective. Plutôt que de se livrer à un discours militant traditionnel, Aja Monet privilégie l’émotion et le poids des mots, à travers la répétition et l’interpellation directe. À l’inverse, skinfolk célèbre la beauté et la résilience dans une ambiance douce et lumineuse, soutenue par la harpe et des harmonies chaleureuses. Entre ces deux extrêmes, melting clocks explore notre rapport au temps au fil d’une réflexion sur la mémoire, alors qu’every media minute traduit l’épuisement mental engendré par le flux incessant d’informations et d’images qui envahit notre quotidien.

I Came to the Poem et indigo

L’album révèle également une facette plus intime de l’artiste, notamment sur working class musicians, une des pièces les plus accessibles où Aja Monet évoque avec tendresse les sentiments de précarité, de persévérance et de solidarité du milieu artistique. I Came to the Poem, presque totalement dépouillée de musique, rappelle la puissance de sa voix et son attachement profond à la poésie. En fin de parcours, indigo clôt l’album sur une note lumineuse, où amour et esprit apparaissent comme autant de refuges face aux angoisses du monde d’aujourd’hui.

say it with your chest / elsewhere (avec Meshell Ndegeocello et Georgia Anne Muldrow) / withness / hollyweird / skinfolk / for the Congo / i came to the poem / to sister (avec Ganavya et Brandee Younger) / i know that i don’t know / working class musicians / love is a choosing (avec Mereba) / song of myself / melting clocks (avec Mick Jenkins et Vic Mensa) / every media minute / indigo

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La force et la virulence du message de The Color of Rain (2026) trouvent leur équilibre dans des moments de grâce qui invitent autant à s’indigner qu’à renouer avec sa propre sensibilité. À ne pas manquer, et à voir en spectacle le 4 juillet prochain au Studio TD dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal.

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Guitariste parmi les plus célébrés de sa génération, Julian Lage poursuit son parcours chez Blue Note avec Scenes From Above (2026), son cinquième album sur le mythique label.

Le guitariste s’entoure pour l’occasion d’une nouvelle formation incluant le bassiste Jorge Roeder, le claviériste John Medeski et le batteur Kenny Wollesen, auxquels se joint ponctuellement Patrick Warren au clavier et aux percussions. Conçu au fil de courts sprints de composition intensive et entièrement dédié à son père, Scenes From Above (2026) met de côté les élans post-bop de Speak to Me (2024) pour explorer un univers où se croisent jazz fusion, soul, musique de chambre et folklore américain.

Dès l’ouverture de Scenes From Above (2026) Opal installe une atmosphère lumineuse

Dès l’ouverture, Opal installe une atmosphère lumineuse et estivale. La guitare douce et lyrique de Julian Lage dialogue avec le clavier aérien de John Medeski, qui colore en retour chaque phrase musicale de nuances délicates. Red Elm prolonge cette ambiance avec sa ligne de basse hypnotique qui sert de point d’ancrage à un jazz empreint de soul. Le groupe privilégie ici la fluidité plutôt que la démonstration ostentatoire, laissant les textures se construire naturellement tout en mettant en valeur l’immense sens mélodique du guitariste.

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie avec son côté funk qui rappelle par moments l’esthétique unique du trio Medeski Martin & Wood, avec les claviers à l’avant-plan. Havens propose une ambiance plus contemplative, enrichie par les interventions de Patrick Warren et une instrumentation étoffée. Entre groove discret, percussions et nappes de claviers, le morceau arbore une dimension quasi cérémoniale et spirituelle. Plus loin, Solid Air et Storyville ouvrent la porte à des climats plus atmosphériques et à davantage de spontanéité, flirtant par moments avec le psychédélisme et l’improvisation libre.

Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue

La dernière partie de l’album est sans doute la plus convaincante, à commencer par Ocala qui séduit par son élégance acoustique et ses subtils accents de calypso, alors que Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue. Enfin, Something More clôt l’album sous forme de communion musicale empreinte d’espoir aux accents country.

Scenes From Above (2026), un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière

Sans révolutionner le genre, Scenes From Above (2026) maintient son pouvoir de séduction au fil de neuf nouveaux titres qui parviennent à tirer le meilleur d’un groupe de musiciens aux profils bien différents. Julian Lage confirme une fois de plus son talent de bandleader et sa capacité à créer un espace d’écoute et de liberté collective, tout en opérant un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière.

Il sera d’ailleurs au Festival International de Jazz de Montréal le 4 juillet en duo avec Christian McBride.

Opal / Red Elm / Talking Drum / Havens / Night Shade / Solid Air / Ocala / Storyville / Something More

Julian Lage – guitare et compositions
John Medeski – orgue, claviers et piano
Jorge Roeder – basse
Kenny Wollensen – batterie

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Bitches Blues (2026) marque la deuxième parution du trio Hedvig Mollestad Weejuns, un projet réunissant la guitariste norvégienne Hedvig Mollestad, le claviériste Ståle Storløkken et le batteur Ole Mofjell.

Bitches Blues (2026) – une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation

Là où le premier album privilégiait les structures ouvertes et l’improvisation libre, ce nouvel opus adopte une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation. On navigue entre jazz-rock, rock progressif et psychédélique, voire apocalyptique par moment, mais l’ensemble conserve une fraîcheur et une spontanéité remarquables grâce à une dynamique collective particulièrement organique. Plutôt que de mettre constamment la guitariste au premier plan, elle se fond complètement dans le dialogue et les textures denses de l’ensemble.

On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis

La pièce-titre Bitches Blues ouvre l’album avec une énergie brute et menaçante. On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis auquel le titre de l’album fait écho : guitares saturées, orgue massif et batterie s’entrechoquent librement avant que le morceau ne se cristallise progressivement autour d’un groove plus solide. Les références au jazz fusion et au prog-rock des années 1970 sont évidentes, mais la pièce conserve une dimension plus libre et imprévisible, en hésitation constante entre contrôle et débordement. Même lorsque la musique semble sur le point de basculer dans le chaos, le trio retient toujours son élan pour mieux reconstruire la tension ensuite.

Kompet Blir et For A Moment I Thought I Could Hear You, plus contemplatifs

Le cœur de l’album repose toutefois sur ses morceaux plus contemplatifs. Kompet Blir ralentit considérablement le rythme avec une pulsation lourde et hypnotique sur laquelle flottent des lignes d’orgue fantomatiques. Une ambiance nocturne et inquiétante se développe, rappelant parfois certaines dérives psychédéliques du rock progressif. For A Moment I Thought I Could Hear You pousse encore plus loin l’introspection avec une guitare délicate et des accords d’orgue mélancoliques, presque liturgiques. Limite poursuit dans cette direction minimaliste avec ses textures sombres et ses développements très lents. C’est véritablement dans ces moments que le trio démontre sa cohésion et sa capacité remarquable à construire des climats immersifs.

Dynamax – l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale

Ce minimalisme rend d’ailleurs les moments plus agressifs de l’album encore plus efficaces. Dynamax débute dans une atmosphère lourde et ambiguë, avant d’exploser avec ses riffs insistants, ses montées d’orgue et ses rythmes extrêmement physiques. Le morceau illustre parfaitement l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale.

Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif

Enfin, Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif. La guitare flotte au-dessus d’une basse d’orgue grave et de cymbales ténues, créant une impression de tristesse plutôt qu’un véritable crescendo émotionnel. Bitches Blues (2026) réussit ainsi à transformer l’exubérance d’Hedvig Mollestad en une œuvre subtile, atmosphérique et collective. Sans conteste un de mes albums préférés de l’année jusqu’à maintenant.

Hedvig Mollestad – guitare
Ståle Storløkken – claviers, orgue et synthés
Ole Mofjell – batterie

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Bitches Blues / Kompet Blir / For A Moment I Thought I Could Hear You / Limite / Dynamax / Recollection Of Sorrow

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Quite Sane revenait en avril dernier avec le dernier volet de To Kill a Child of Troubled Times, ambitieux triptyque déployé sur trois EP (Prologue, Mythos, et Epilogue) parus entre septembre 2025 et avril 2026, récemment réunis dans une édition vinyle 180g destinée aux oreilles les plus exigeantes.

Bassiste, producteur et tête pensante du projet Quite Sane, Anthony Tidd s’est forgé une solide réputation, autant auprès de la scène jazz d’avant-garde que du hip-hop, notamment grâce à ses collaborations avec The Roots. Dans le sillage d’un premier album-concept, The Child of Troubled Times (2002), le bassiste réitère cet heureux mélange de spiritual jazz, spoken word, hip-hop et expérimentations héritées de l’esthétique M-BASE, chère à son mentor Steve Coleman.

Entouré d’un impressionnant collectif avec Melissa Aldana, Miguel Zenon et…

Entouré d’un impressionnant collectif incluant Melissa Aldana, Miguel Zenón, Miles Okazaki, Paul Cornish et les voix de Kokayi, Queen Jo et Laurin Talese, Anthony Tidd livre une œuvre dense, politique, torturée, mais empreinte de beauté.

Prologue – Melissa Aldana, Laurin Talese, Anthony Tidd…

Le premier volet, Prologue (2025), impose immédiatement son climat tendu. No Child is an Island s’ouvre sur une introduction de basse rappelant la transe spirituelle de Coltrane, avant de bifurquer vers un dialogue engagé entre MC Kokayi et la chanteuse Laurin Talese, culminant dans un swing souple porté par un magnifique solo de Melissa Aldana.

Survival plonge ensuite dans un groove hip-hop syncopé où la basse massive d’Anthony Tidd soutient les interventions détendues de Miles Okazaki, évoquant parfois le funk-jazz décalé d’Esperanza Spalding. La seconde moitié de l’EP s’assombrit nettement avec They Are Always Our Children et A Mother’s Story, toutes deux reposant sur des motifs chromatiques anxiogènes et des rythmiques volontairement instables qui renforcent la charge dramatique.

Mythos – Queen Jo, Laurin Talese, Kokayi…

La musique prend une tournure plus narrative et labyrinthique avec le deuxième volet, Mythos. La première pièce A Father’s Story avance sur une pulsation lourde dominée par les harmonies vocales volontairement dissonantes des chanteuses Queen Jo et Laurin Talese, alors que la suite Shorty’s Story / Shorty’s Dilemma I et II constitue le véritable cœur de l’œuvre.

Kokayi y déroule le destin de Shorty, malheureux protagoniste du récit, à travers une suite progressive et foisonnante où les interventions instrumentales surgissent comme des émotions à fleur de peau. Les arrangements vocaux, particulièrement élaborés, multiplient les mélodies angulaires et les jeux de tension. Dans la dernière section, le dialogue entre les deux chanteuses fait lentement basculer la musique vers une forme de chaos contrôlé, aussi inquiétant que cathartique.

Epilogue – Miles Okazaki, Paul Cornish…

Epilogue conclut le triptyque avec une intensité plus retenue, mais tout aussi poignante. Les deux parties de Shorty’s Demise prolongent l’atmosphère funèbre des épisodes précédents à travers des harmonies lugubres et des rythmes tranchants, contrebalancés par les lignes aériennes du guitariste Miles Okazaki.

La pièce-titre apporte ensuite une éclaircie bienvenue grâce à une approche plus funky et lumineuse où Queen Jo et Laurin Talese brillent dans des arrangements vocaux plus lyriques. Enfin, They Were Always clôt ce périple sur une ballade somptueuse centrée autour du piano de Paul Cornish, constamment perturbé par des dissonances discrètes qui entretiennent le climat instable et empêchent toute résolution.

C’est précisément ce qui fait de To Kill a Child of Troubled Times une œuvre aussi totale et fascinante : une œuvre oppressante, exigeante dans la durée, mais très gratifiante pour quiconque accepte de se laisser aspirer dans son univers.

Quite Sane – To Kill a Child of Troubled Times – Prologue/Epilogue/Mythos

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Cette année encore, je vous propose une petite incursion au cœur d’un de mes festivals coups de cœur à Lyon. Compte rendu de mes deux soirées au Périscope pour l’édition 2026 du Festival Récif qui s’est déroulée du 14 au 18 avril dernier, où j’ai pu une fois de plus faire de très belles découvertes.

Le Festival Récif 2026 @ Périscope

C’est parmi les bâtiments futuristes et clinquants du quartier Confluence, à l’extrémité sud de la chic presqu’île lyonnaise, que je retrouve la petite salle du Périscope où se tient chaque année depuis 2023 le Festival Récif. On y arrive avec cette impression d’avoir trouvé un lieu à part, une salle underground discrète qui se dérobe à l’architecture futuriste du quartier, un peu comme les Foufounes électriques à Montréal qui tiennent le fort au milieu des façades modernes qui ont poussé tout autour.

Photo : Paul Bourdrel

Le Périscope explore les eaux profondes du jazz et des musiques improvisées

Installé dans les anciens locaux de Radio Nova, jadis réputée pour sa programmation éclectique, le Périscope explore depuis 2007 les eaux profondes du jazz et des musiques improvisées, offrant une vitrine essentielle aux artistes qui trouvent difficilement leur public en salle. La ville ne manque pourtant pas de salles consacrées à la note bleue, le Hot Club de Lyon se targuant même d’être le plus vieux club jazz d’Europe. Mais le Périscope fait bande à part, empruntant plus au charme brut des scènes rock et underground qu’à l’ambiance feutrée des caveaux jazz.

Un décor qui colle parfaitement au festival Récif 2026 avec sa programmation qui ziguezague entre métal, électro, jazz cubain, musique contemporaine, free jazz, néo-trad, rap underground, et j’en passe. Une bouffée d’air frais parmi une pléiade de festivals dont les têtes d’affiche donnent souvent une impression de déjà-vu. Rien contre Diana Krall, Grégory Porter ou Marcus Miller, mais il y a quelque chose de rafraîchissant à voir un festival miser sur les marges, les voix moins attendues.

Au-delà des étiquettes au Récif 2026

Après mon premier passage à Récif l’an dernier, marqué notamment par la découverte des incroyables Daoud et Otis Sandjö, c’est avec impatience que j’attendais de renouer avec le festival, qui proposait encore une fois une programmation très intriguante : entre le folk-soul d’Indawa, le jazz cubain de Manon Mullener, le djent jazzy de Zu et le rap expérimental de Grems, les organisateurs semblent faire feu de tout bois. Et c’est là tout l’intérêt de l’événement qui réussit à faire dialoguer des univers en apparence très éloignés, transformant ce jeu de contraste en véritable ligne directrice.

Une programmation sur cinq soirées

La programmation étalée sur cinq soirées thématiques contribue aussi à donner une cohérence à l’ensemble, en regroupant les artistes par affinités de genre, mais toujours conservant un effet de surprise.

Pour Raphaël Dumont, programmateur du festival Récif 2026, « ça reste avant tout un événement voué aux musiques curieuses, au-delà d’être un festival de jazz ».

Débarrassé des étiquettes, le jazz n’est donc plus seulement un genre, mais plutôt un continuum qui embrasse le large spectre des musiques improvisées, en droite ligne de ce que le Périscope défend à l’année.

Il y a quelque chose de beau à les voir tenir ce cap, surtout quand on pense aux petites salles chez nous qui ferment les unes après les autres depuis quelques années… Et cerise sur le gâteau, le public est au rendez-vous. Selon Raphaël Dumont, l’édition 2026 est un succès, avec plusieurs soirées à guichet fermé. Qui dit que les musiques actuelles sont seulement l’affaire de quelques mélomanes endurcis?

Nina Garcia (14/04)

Arrivé au Périscope la fleur au fusil, sans trop connaître les artistes au programme de cette première soirée, j’aperçois une guitare électrique trônant seule sur les planches de la petite scène de l’espace central, entourée de pédales d’effets. Tout de suite l’impression que la soirée s’annonce riche en surprises, ce que confirme quelques instants plus tard l’entrée en scène de la guitariste Nina Garcia. Exit les accords et mélodies traditionnellement associés à la guitare solo. La musicienne fait plutôt surgir un monde sonore brut et abrasif, quelque part entre minimalisme, noise et drone.

C’est fou tout ce qu’on peut tirer d’une guitare et de quelques pédales. Les effets ne sont jamais un simple gadget, prolongeant plutôt la palette sonore de l’instrument. Nina Garcia joue avec l’attaque, le feedback, les micros, les frottements, comme si chaque détail devenait matière musicale. On pense par moments à certains radicaux de la guitare expérimentale comme Marc Ribot et Fred Frith, en passant par les paysages abrasifs de Keiji Haino ou Oren Ambarchi. Un choix particulièrement audacieux pour ouvrir un festival de jazz, devant un public qui ne s’attendait visiblement pas à ce choc quantique.

De Mond (14/04)

La soirée se poursuit dans la grande salle du Périscope avec De Mond, un duo bruxellois formé de Stijn Wybouw (voix, effets, percussions) et Arno de Bock (effets, batterie), qui prolonge, à sa façon, l’atmosphère post-apocalyptique installée par Nina Garcia. Ici encore, on est loin du jazz traditionnel. La musique avance par boucles, feedbacks de voix, échos et montées rythmiques, comme une transe où tout menace constamment de déborder.

Le batteur impressionne particulièrement par son jeu libre et très souple, capable de maintenir une tension rythmique tout en donnant l’impression de flotter hors du tempo. Puis, à mi-parcours, le duo bifurque sur un rythme trap porté par de bon vieux samples de style 808, comme si la charpente musicale du set se mettait soudainement à groover. La finale arrive un peu abruptement, laissant l’impression d’un set volontairement instable.

Zu (14/04)

Le trio italien Zu prend ensuite le relais, parachevant la descente vers les derniers retranchements du jazz dans une déferlante de riffs massifs et de polyrythmies à réveiller les morts. Dès les premières minutes, le sax baryton de Luca Tommaso Mai prend des airs de corne de brume sortie des enfers, porté par les rythmes millimétrés du batteur Tomas Järmyr et la basse de Massimo Pupillo. Les musiciens naviguent à la croisée du rock psychédélique et du métal industriel, comme si Colin Stetson se retrouvait soudainement épaulé par Tool ou Rammstein. On perçoit également une filiation évidente avec les assauts math-metal des colosses suédois de Meshuggah et les climats sombres de Goblin, figure culte de la riche tradition prog-rock italienne, une filiation qui s’impose avec évidence. Bref, une première soirée aussi brutale qu’audacieuse.

photo : Noise Injection

Manon Mullener Trio (16/04)

Ma deuxième soirée au festival Récif 2026 prend un virage nettement plus traditionnel que la précédente. Après une première partie assurée par le duo Claire Besson à la guitare et Hugo Diaz au saxophone, que je manque malheureusement, j’arrive à temps pour le Manon Mullener Trio qui fait aussitôt basculer le Périscope dans une ambiance latine. Au terme d’un simple « one, two, one, two, three… » entonné par la pianiste, les corps s’animent, les sourires apparaissent et l’énergie contagieuse du trio envahit la salle, quelque part entre jazz cubain, hard bop et mélodies suisses, pays d’origine de la pianiste.

Le groupe enchaîne avec de belles ballades aux mélodies accrocheuses, toujours traversées par cette fibre latine en toile de fond. Un morceau aux airs de tango offre à l’excellent bassiste Rodrigo Aravena l’occasion de se lancer dans une improvisation libre et bien sentie, avant que le frère de la pianiste, Lucien Mullener, autre grand moteur du trio, ne prenne la balle au bond avec un furieux solo de batterie. La performance est somme toute chaleureuse et très virtuose, même si les musiciens semblent parfois retenir leur élan, là où l’on aurait aimé les voir souffler davantage sur les braises.

Fœhn (16/04)

Changement complet de registre avec le trio français Fœhn, alors que le piano cède la place à une flopée de synthés et que les sonorités acoustiques et électroniques commencent à s’entremêler. Le groupe navigue entre jazz, pop, drum and bass et textures plus cinématographiques, quelque part dans l’esprit d’un Bill Laurance aux accents french touch. La section rythmique composée du bassiste Cyril Billot et du batteur Kevin Borquéal excelle, ancrant les morceaux dans un groove souple, pendant que la très large palette sonore du claviériste Christophe Waldner ouvre de larges espaces mélodiques.

Le set connaît de très beaux moments de pure folie, mais aussi des passages plus suspendus, comme sur Winter in Yokohama, où l’ambiance ralentie révèle toute la qualité des interactions entre les musiciens. L’arrivée de la chanteuse Fleur Worku apporte un vrai supplément d’âme avec sa voix planante qui s’intègre parfaitement aux textures du groupe et nous transporte. Sur Find Your Way, plus animée, cette union fonctionne toujours aussi bien, confirmant que Fœhn gagne vraiment en ampleur dès qu’une voix vient se poser sur ses grandioses constructions instrumentales. Le groupe sait faire monter les tensions, construire des crescendos efficaces et doser intelligemment ses influences. À découvrir.

Un festival appelé à grandir

Ce sont malheureusement les deux seules soirées auxquelles j’ai pu assister cette année, même si d’excellents échos me sont revenus des deux dernières, qui mettaient notamment en scène le génial rappeur Grems et la jeune formation parisienne en pleine ascension AMG.

De quoi conclure une troisième édition fort réussie de Récif, même si Raphaël Dumont me confiait en entrevue que l’événement avait subi une petite cure minceur par rapport aux années précédentes.

« Le format est un peu réduit cette année, mais le squelette demeure le même ».

Le résultat : moins de concerts hors les murs, un plan de communication réduit, pas de conférences, et moins de gratuités. Un mal nécessaire dans un contexte de plus en plus difficile pour les petits festivals. « Tout est plus compliqué au niveau budgétaire depuis deux ans, et ça a tendance à être de pire en pire », ajoute le programmateur qui se demande comment préserver un festival qu’il juge moteur pour le Périscope, mais en gardant à l’esprit que le cœur de son activité demeure avant tout celui d’une salle de concert.

Mais tout n’est pas sombre à l’horizon de Récif qui reprend en quelque sorte, par son identité distincte et la force de sa programmation, le flambeau d’À Vault Jazz, le défunt festival qui a laissé un grand vide dans le paysage lyonnais suite à sa disparition en 2019. Raphaël Dumont rappelle aussi avec justesse que Récif demeure somme toute un festival relativement jeune, qui saura sans nul doute affiner encore davantage son identité au fil des prochaines années. Sur ce, avis aux mélomanes de passage à Lyon : n’hésitez pas une seule seconde à découvrir cette formidable vitrine des scènes jazz actuelles en France, comme ailleurs en Europe.

Festival Récif 2026

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Le Périscope de Lyon

photo d’entête d’article : Paul Bourdrel

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est un guitariste formé en musicologie à l’Université de Montréal. Son parcours reflète un intérêt profond pour le jazz, la musique contemporaine et les croisements entre musique et urbanité. Après plusieurs années passées à œuvrer dans le milieu culturel, il se consacre désormais à l’urbanisme, tout en continuant de prendre la scène au sein de divers ensembles. Vous pouvez le retrouver ici toutes les deux semaines dans ses critiques d’albums où il explore les nouvelles formes du jazz contemporain. Pour voir toutes ses chroniques, c’est ici

L’article Un des mes festivals coup de cœur : le Récif 2026 du Périscope – Arnaud a vu ! est apparu en premier sur sortiesJAZZnights.

C’est la 4e édition de notre fête annuelle et jam session qui aura lieu le vendredi 1e mai 2026 dès 19 h @ La Sala Rossa. sortiesjazznights.com fête 23 ans est le seul événement au Québec qui a comme objectif de rassembler toute la communauté de la grande famille jazz du Québec, alors si vous êtes un artiste de la grande famille du jazz du Québec et un amoureux du jazz du grand public, c’est votre soirée !

réservez vos billets sur venue pilot – places limitées (taxes et frais en sus)

Nous supportons la scène de la grande famille du jazz du QC depuis 23 ans – le 1e mai c’est a ton tour de nous supporter !

Projection du documentaire sur Charlie Biddle – Little Ones / Les petits

De plus cette année vous pourrez visionner en exclusivité le documentaire Little Ones / Les petits – la seule composition du contrebassiste Charlie Biddle – en collaboration avec le saxophoniste et compositeur Gerry Labelle – sur une interprétation du pianiste Oliver Jones avec Éric Lagacé à la contrebasse et Jim Doxas à la batterie, enregistré @ La Boutique du Son de George Doxas – une réalisation de Les Productions Nord Sud (Thüryn Mitchell) en collaboration avec sortiesJAZZnights.com (Claude Thibault).

L’édition 2025 de cette fête annuelle le 2 mai 2025 était a pleine capacité avec une belle participation de la communauté jazz et des amoureux du jazz du Québec et de ses musiciens et artistes, de nos amis et partenaires, et fans de bonne musique.

Frais d’entrée : pour 10$ vous recevrez un t-shirt sortiesjazznights.com et une pointe de pizza !

Jam session avec le meilleur house band au monde : Éric St-Jean (piano), Fraser Hollins (contrebasse) et Louis-Vincent Hamel (batterie)

réservez vos billets sur venue pilot – places limitées (taxes et frais en sus)

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Programme de la soirée

18 h : ouverture des portes
19 h 15 à 20 h 30 : jam session avec Éric St-Jean (piano), Fraser Hollins (contrebasse) et Louis-Vincent Hamel (batterie)
20 h 40 : photo sur scène avec tout les artistes présents
20 h 50 : visionnement (et discussion) du documentaire Little Ones / Les petits – la seule composition de Charlie Biddle / avec Gerry Labelle
21 h : discussion animée par Claude Thibault avec Charles Biddle Jr, Gerry Labelle, Éric Lagacé et Thuryn Mitchell
21 h 15 à 22 h 30 : jam session avec Éric St-Jean (piano), Fraser Hollins (contrebasse) et Louis-Vincent Hamel (batterie)
23 h 30 : fin de la soirée

Les invités de sortiesjazznights.com fête 23 ans

Christophe De Blois / Éric Saint-Jean / Jon Geary / Carlos Mastenada / Simon Bergeron / Jonanthan-Guillaume Boudreau / Ryan Bennett / Alex Bellegarde / Mario Fraser / Félix Stüssi / Michel Morissette / Tevet Sela / Gerry Labelle / Oliver Jones / Tommy Poirier / Stephen Johnston / Rémi Bolduc / Myreille Bédard / Sarah Leroux / Tariq Amery / Jean Félix Mailloux / Julian Gutierrez / Alexis Elina / Christophe Magnan-Bossé / Maude Fortier / Maxime Racicot / Yvan Belleau / Jeanne Rochette / Randa Ghossoub / Anne Duchesne / Robert Ménard / Christian Cardinal / Samuel Bonnet / Rodrigo Simoes / Lorraine Desmarais / Yves Léveillé / François Richard / Jean-Pierre Zanella / Samuel Blais / Yannick Turcotte / Alain Caron / Alain Bédard / William Régnier / Daniel Bellegarde / Chrystelle Maechler / Vincent Duhaime Perreault / Jean-Sébastien Leblanc / Damian Nisenson / Claude Chapleau / Madeleine Thériault / Claude Arnold Thibault / Frédéric Darveau / Lavanya Narasiah / Taurey Butler / Bernard Riche / Victoria Malenfant / Mireille Bédard / Sylvain Lebuis / Raoul Cyr / Sienna Dahlen / Sylvain Cossette / Philippe Côté / Jacques Kuba Séguin / Sonia Johnson / Melissa Pipe / et plus…

L’invitation est donc lancée @ tout les artistes et musiciens (entre 400 et 450) de la grande famille de jazz du Québec +  le grand public amoureux du jazz !

Quelques artistes de l’édition 2025

Voici quelques artistes pêle-mêle de l’édition 2025 : Sophianne Girard Ryan Bennett Julian Gutierrez Vinardell Maude Fortier Ethan Allego Charlotte Désilets Eli Lajoie Arianne Racicot François Richard  Claude « Chap » Chapleau Christine Tassan Claude Thibault Antoine Rochefort Oli Astral (Olivier Grenier-Bédard) Raymond Charles Doré Nadia Labrie Christian Cardinal François Bourassa Ron Ledoux Félix Stüssi Camil Bélisle Greg Amirault Jean-Michel Leblanc Marc Levasseur Claude Arnold Thibault (SCAT CAT) Pierre François Frédéric Alarie Samuel Bonnet Nadine Goulet Jean-Sébastien Clément Jean Pouchelon  Julie Morisod Gabriel Genest Samuel Lechasseur Roger Walls Raoul Cyr Yves Léveillé Sophie Rivard…et plusieurs autres…

Photos : Jean-Pierre Dubé

Une équipe passionnée au service du jazz d’ici…et d’ailleurs

Notre équipe de passionnés c’est, entre autres, Samuel Lechasseur qui nous présente les bons plans jazz de la semaine et Arnaud G. Veydarier qui nous concocte chaque deux semaines sa chronique d’albums qui s’intéresse aux nouvelles formes du jazz. Charlotte rencontre ! c’est la nouvelle chronique de la curieuse Charlotte Désilets qui nous racontera les rencontres et entrevues avec les artistes qu’elle a vus et appréciés. Christophe Rodriguez, notre plus fidèle chroniqueur, poursuivra comme il le fait depuis une quinzaine d’années sa chronique d’albums bimensuelle. Alain Mercier quand a lui commentera les concerts de jazz qu’il aura vu, caméra à l’appui dans la chronique Alain a vu !

C’est un grand plaisir de vous présenter cette équipe qui nous permets de poursuivre notre mission depuis maintenant 23 ans!

Claude Thibault

Les bons plan jazz de Samuel Lechasseur

Chaque semaine Samuel Lechasseur nous propose un concert au Québec dans la grande famille du jazz qui se démarque et qu’on recommande. Depuis 2011 nous avons présenté au delà de 700 bons plans jazz : https://sortiesjazznights.com/section/le-bon-plan-jazz/

Les chroniques d’album de Christophe Rodriguez et d’Arnaud G. Veydarier

Chaque semaine nos chroniqueurs Christophe Rodriguez et Arnaud G. Veydarier se penchent sur les albums de la riche récolte musicale qui nous est proposée. Depuis 2006 c’est 900 chroniques d’albums : https://sortiesjazznights.com/section/albums-jazz/

Entrevues : Charlotte rencontre ! de Charlotte Désilets

La chanteuse de jazz et comédienne Charlotte Désilets revient dans notre équipe de chroniqueurs et rencontre les passionnants artistes et musiciens de la grande famille du jazz dans la chronique Charlotte rencontre !. Des grandes salles de concerts aux studio d’enregistrements en passant par nos clubs favoris de jazz Charlotte rencontre les artistes et nous les raconte avec beaucoup de passion et d’enthousiasme. Pour nos chroniques d’entrevues : https://sortiesjazznights.com/section/entrevue/

Chroniques de concerts – Alain à vu ! d’Alain Mercier

Alain Mercier est un gestionnaire et agent de spectacles influent de la communauté montréalaise. Fondateur de Divertissement Mercier, il combine pragmatisme et sens artistique, notamment dans le jazz. Reconnu pour son dévouement, sa bienveillance et son engagement culturel, Alain Mercier contribue activement au rayonnement musical de la ville.

Trois calendriers – tout les concerts de la grande famille du jazz du Québec

Claude Thibault se fait un devoir quotidien (oui quotidien!) de veiller au grain du contenu des trois calendriers d’événements de la grande famille du jazz au Québec. Un pour la grande région de Montréal, un pour la région de Québec et un troisième – non négligeable – qui fait des régions – de l’Outaouais au Bas du Fleuve, en passant par l’Estrie, le Lac St-Jean et plus.

Montréal : https://sortiesjazznights.com/calendrier-jazz-du-grand-montreal/
Québec et en région : https://sortiesjazznights.com/calendrier-jazz-quebec/

Nos vidéos sur YouTube

Au fils des années nous avons filmé environ 1500 concerts. Voici notre page : https://www.youtube.com/@Sortiesjazznights/videos

Voici notre playlist vidéo des prestations de notre fête du 2 mai 2025 :

Depuis 23 ans sortiesjazznights.com c’est…

6,000 articles / primeurs
Des centaines d’entrevues avec les artistes d’ici et les plus grands de la planète jazz
900 chroniques d’albums
750 bons plans jazz de la semaine – nos suggestions hebdomadaires
11,060 infolettres hebdomadaires – tous les jeudis
3 calendriers d’événements jazz : 22,500 événements programmés sur 1000 lieux du Québec
1550 vidéos sur YouTube / 7 millions de visionnements / 8000 abonnés – notre production

La version actuelle (la 5e) de sortiesjazznights.com date du 7 novembre 2019.

Notre mission : faire connaître la grande famille du jazz d’ici et d’ailleurs

sortiesjazznights.com fête 23 ans le 1e mai 2026 @ La Sala Rossa

L’incontournable sortiesjazznights.com présente toute l’actualité jazz du Québec depuis maintenant 23 ans incluant les festivals, petits et grands, les séries de toutes sortes dans plusieurs lieux, les artistes d’ici et d’ailleurs, la scène de la grande famille du jazz et ses nombreux lieux de diffusion, les albums, nos suggestions hebdomadaires, critiques de concerts, et beaucoup plus…

Programme de la soirée

Vendredi 1e mai 2026 de 19 h 15 à 23 h 30

18 h : ouverture des portes
19 h 15 à 20 h 30 : jam session avec Éric St-Jean (piano), Fraser Hollins (contrebasse) et Louis-Vincent Hamel (batterie)
20 h 40 : photo sur scène avec tout les artistes présents
21 h : visionnement  en exclusivité du documentaire Little Ones / Les petits – la seule composition de Charlie Biddle / avec Gerry Labelle
21 h 15 à 22 h 30 : jam session avec Éric St-Jean (piano), Fraser Hollins (contrebasse) et Louis-Vincent Hamel (batterie)
23 h 30 : fin de la soirée

Frais d’entrée : pour 10$ vous recevrez un t-shirt sortiesjazznights.com et une pointe de pizza !

réservez vos billets sur venue pilot – places limitées (taxes et frais en sus)

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La Sala Rossa
4848 St-Laurent
Montréal, QC

3e party de sortiesjazznights.com et de la communauté jazz – un salle comble le 2 mai 2025

Les 21 ans de sortiesJAZZnights le 22 mars 2024, un succès !

sortiesjazznights.com fête son 20e anniversaire le 20 janvier 2023 @ Patro Vys !

Merci à Divertissement Mercier – notre partenaire de communication

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Avec Franky Freedom II (2026), le batteur et producteur François Laliberté signe un deuxième album particulièrement ambitieux, proposant une fusion à la croisée du jazz contemporain et d’un large spectre de musiques électroniques. En concert de lancement le 29 mai @ la Sotterenea.

Entouré d’une pléiade de musicien·nes de très haut calibre : Robin Mullarkey, Evan Marien et Mark Lettieri

Entouré d’une pléiade de musicien·nes de très haut calibre, incluant Robin Mullarkey (Jacob Collier, Steven Wilson), Evan Marien (Tigran Hamasyan, Wayne Krantz) et Mark Lettieri (Snarky Puppy), le batteur évite habilement l’effet vitrine, la proposition musicale tenant avant tout par la cohérence de sa vision. Laliberté semble avoir trouvé la recette d’une fusion réussie, capable de traverser les genres sans tomber dans l’excès ni la démonstration gratuite.

FFII, D&B DTGF  – mélodies planantes, batterie furieusement funky

Après une courte intro vaguement holdsworthienne, FFII donne le coup d’envoi avec un condensé de tout ce que l’album a à offrir : mélodies planantes, batterie furieusement groovy, basse chirurgicale, synthés enveloppants. L’ensemble avance avec momentum et finesse, donnant immédiatement envie de monter le son. D&B DTGF prolonge cette lancée en accentuant le côté électro, avec des couleurs EDM, lo-fi, voire même dubstep par moments. Guillaume Carpentier s’en donne à cœur joie, livrant un solo de saxophone fougueux sur une trame rythmique survoltée et très détaillée, mettant en valeur la production particulièrement léchée.

Like a Dream, Kyosai, For Ralph 

La voix de Mel Pacifico charme d’emblée sur Like a Dream, portée par la guitare funky et millimétrée de Mark Lettieri. L’ensemble flirte avec une future funk rêveuse, enrichie d’harmonies vocales soignées et d’un groove qui ne lâche jamais le morceau. Kyosai vient créer un contraste intéressant avec la guitare angulaire et nerveuse de Lorenzo Ceci, sur un rythme fortement syncopé, alors que la voix de Mel Pacifico s’y fond avec naturel. Puis For Ralph met le bassiste Gary Willis à l’avant-plan avec un son solo de basse sans frettes passant d’un lyrisme fluide et contemplatif à une finale explosive.

Closer, OUI, Popcorn, Moment

La dernière partie de l’album s’ouvre avec Closer, qui offre enfin à François Laliberté l’espace nécessaire pour ouvrir les vannes le temps d’un break de batterie ravageur, aussitôt relayé par un autre superbe solo de Gary Willis. Plus loin, OUI met de l’avant le saxophoniste Julien Fillion sur une pièce courte mais chargée à bloc, tout en creusant davantage le côté électro de l’album avec des textures plus lourdes et saturées. Popcorn emprunte ensuite une voie plus pop, portée avec aplomb par la voix puissante de Léonie Gray, avant que Moment ne vienne clore l’album sans grande pompe, presque en suspension.

Franky Freedom II – un régal du début à la fin

Un régal du début à la fin, Franky Freedom II (2026) impressionne autant par l’assurance que par la maturité de la vision de François Laliberté, sans compter les performances de très haut vol d’une impressionnante brochette d’artistes invités. Un album qui possède tout ce qu’il faut pour trouver son public bien au-delà du seul cercle des amateur·rices de jazz, ce qui est déjà en soi une réussite.

Dans la foulée des récents projets d’artistes comme Carl Mayotte, Julien Fillion et Rémi Cormier, voire Angine de Poitrine si on élargit quelque peu le scope, la scène musicale québécoise apparaît aujourd’hui en excellente posture sur le terrain créatif.

1. FFII (mettant en vedette Gary Willis) / Gary Willis (basse), Loik Martin (guitare), Guillaume Carpentier (saxophone)
2. D&B DTGF (mettant en vedette Guillaume Carpentier) / Robin Mullarkey (basse), Guillaume Carpentier (saxophone), Loik Martin (guitare).
3. Like a Dream (mettant en vedette Mark Lettieri et Mel Pacifico) / Mark Lettieri (guitare), Mel Pacifico (voix & co-écriture), Robin Mullarkey (basse).
4. Kyosai (mettant en vedette Mel Pacifico et Lorenzo Ceci) / Mel Pacifico (voix), Lorenzo Ceci (guitare), Robin Mullarkey (basse).
5. For Ralph (mettant en vedette Gary Willis) / Gary Willis (basse), Guillaume Carpentier (saxophone), Loik Martin (guitare).
6. Closer (mettant en vedette Evan Marien et Mel Pacifico) / Evan Marien (basse), Mel Pacifico (voix & co-écriture), Johan Modrin (guitare).
7. OUI (mettant en vedette Julien Fillion) / Julien Fillion (saxophone), Robin Mullarkey (basse).
8. Popcorn (mettant en vedette Léonie Gray) / Léonie Gray (voix & écriture), Johan Modrin (guitare), Robin Mullarkey (basse).
9. Cowabunga / Johan Modrin (guitare), Robin Mullarkey (basse).
10. Moment (mettant en vedette Mel Pacifico) / Mel Pacifico (voix & co-écriture), Robin Mullarkey (basse).

Franky Freedom II (2026)

François Laliberté – batterie, compositions / réalisation
Mel Pacifico – voix
Guillaume Carpentier – saxophone
Gabrielle Gélinas – basse
Loik Martin – guitare
Mark Lettieri – guitare (invité spécial)

linktree – toutes les plateformes
site web
instagram
bandcamp
facebook
spotify
youtube

Franky Freedom II – concert de lancement : vendredi 29 mai 19 h 30 @ Sotterenea – 4848 St-Laurent

Un concert de lancement est prévu le 29 mai @ Sotterenea avec Mel Pacifico (voix), Guillaume Carpentier (sax), Gabrielle Gélinas (basse), Loik Martin (guitare) et son invité spécial Mark Lettieri (guitare). Ce concert sera d’ailleurs un plateau double avec Franky Freedom en 1e et le Mark Lettieri Group (Snarky Puppy) en 2e.

billetterie

l’événement facebook

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Crédit photo : Oli Campeau

Louis Cole – Quality over Opinion (2022)

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