Plus que jamais les arts vivants dans l’image sont indissociables et incontournables dans les médias sociaux. Afin de mieux servir la communauté artistique et l’aider dans cette démarche j’ai rencontré le réalisateur et musicien Thüryn Mitchell des Productions Nord-Sud pour un discussion sur ce besoin essentiel d’appui à la démarche artistique : l’image!

Captation de concerts et d’événements

Thüryn comment transmets-tu l’essentiel et l’énergie d’un concert ou d’un événement dans une vidéo ?

Tournage de clips de musique

Thüryn qu’est-ce qui fait qu’un clip de musique fait passer le message de l’artiste ?

Clips de danse

Thüryn, comment rendre tangible la sensation du mouvement et de la danse vers l’image ?

Les Productions Nord-Sud : les arts vivants dans l’image

Les Productions Nord Sud est une société de production vidéo et multimédia basée au Québec. Nous collaborons avec des artistes, musiciens, danseurs et créateurs pour produire des clips musicaux, films de danse, vidéos de mode et contenus visuels innovants. Chaque projet est pensé comme une œuvre visuelle unique, mêlant mise en scène soignée, esthétique marquante et narration artistique.

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Le dernier des géants : Sonny Rollins (1930-2026)

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Charlotte Désilets a rencontré la tromboniste Margaret Donovan et le batteur Matys Colpron quelques jours avant leur début de résidence qui culmine avec un concert du Sextet Façade @ Maison de la culture Côte-des-Neiges ce vendredi 5 mai. Ils présenteront, entre autres, Musique pour pessimistes.

La collaboration des deux compositeurs-instrumentistes a donné naissance à un jazz instrumental original, Musique pour pessimistes, une musique qui évoque une réponse nihiliste mais à la fois humoristique par rapport à un monde sursaturé et dystopique. Voici l’entrevue réalisée par Charlotte Désilets.

Charlotte Désilets : Salut Margaret, salut Matys. Merci beaucoup d’être avec nous. J’ai l’honneur de vous parler aujourd’hui pour une entrevue en prévision pour le concert que vous allez donner à la Maison de la culture Côte-des-Neiges le 5 juin. Commençons par parler de votre ensemble, le Sextet Facade.

Matys Colpron : En gros, on a commencé à jouer avec un sextet qui n’avait pas de nom. C’était l’initiative de Margaret de rejoindre 3 horns, d’apporter des arrangements, de faire un beau concert. J’ai continué cette tradition-là, moi aussi, en appelant presque les mêmes musiciens, un sextet carrément identique, pour autre show l’été d’après. Après ça, on avait eu l’idée, «Si on essayait de rejoindre des compositions qu’on avait, et que ça devienne plus officiel ? » Puis, on s’est lancé l’écriture de notre première bourse. Il nous fallait un nom, un concept. C’est devenu un vrai band, un vrai projet.

Charlotte Désilets : Comment vous êtes-vous rencontrés, Matys et Margaret ?

Margaret Donovan : On s’est rencontrés pendant la pandémie sur zoom à McGill. Et c’est un peu drôle. Nous avions des cours d’impro en ligne et…je ne sais pas si je devrais dire ça, au cas où nos anciens professeurs lisent cette entrevue, mais, Matys m’envoyait des liens pour jouer aux échecs en ligne pendant les cours. Et c’est comme ça qu’on est devenus amis!

Charlotte Désilets : Comment avez-vous commencé à jouer de la musique ensemble ?

Matys Colpron : C’est drôle parce qu’après ça, il y avait une initiative de notre bonne amie Daniella, trompettiste, qui voulait faire un combo d’instrumentistes filles dans McGill. Mais à ce moment-là, il n’y avait pas de drummeurs filles dans les parages… donc j’ai rejoint le combo! Je suis pas mal sûr que c’est dans le premier contexte où on a joué de la musique ensemble en vrai, après avoir joué aux échecs pendant plusieurs cours pendant la pandémie.

Charlotte Désilets : Quels sont les projets en cours pour le Sextet Façade ?

Matys Colpron : En ce moment, on a cette résidence qui s’en vient, à la Maison de la culture Côte-des-Neiges. Aussi, on a été très chanceux d’avoir l’opportunité de faire un album aussi. Donc, direct après notre résidence, on va aller en studio et on va travailler sur le premier album complet du Sextet Façade. Il y a peut-être un an ou deux de tout ça. On avait créé de la musique pour EP. Après nos concerts, on s’était dit «OK, est-ce qu’on essaie d’enregistrer de quoi ?» En bon fashion, en bons musiciens de jazz, on avait fait un enregistrement à notre propre manière, et on avait réussi à sortir ça à travers le label Effendi Records, qui nous a maintenant pris sous leur aile en tant que distribution et production. Ensuite, on s’est dit: «Ça fait un petit bout que le EP est sorti… on a 3 tounes, pis on est vraiment fiers. Mais qu’est-ce qu’on veut pour la suite ? » On veut un album complet.

Charlotte Désilets : Parlez-moi du EP Prelude for Pessimists.

Margaret Donovan : On a choisi trois de nos chansons préférées que nous avions écrites jusqu’ici: Burden of Words par Matys, I’m Already Gone et Bad People par moi. Et oui, c’était vraiment nice d’obtenir une couple de premiers enregistrements et les utiliser pour donner au monde un avant-goût de notre musique et de notre style de jeu.

Matys Colpron : J’aimerais ajouter rajouter que c’était la première fois qu’il fallait qu’on pense aussi au monde thématique de notre musique. C’est Margaret qui a apporté cet aspect-là un petit peu plus. Avec l’aspect farceur dans ma présentation de la musique, mais aussi l’aspect mélancolique des pièces de Margaret, on s’est décidé sur l’idée de Musique pour pessimistes. Comment est-ce qu’on se sent aujourd’hui à faire de la musique dans un monde qui est surréel ?

Margaret Donovan : Pour moi, ma musique a toujours été une dépiction de comment on se sent. En écrivant de nouvelles musiques pour cette résidence et pour l’album, je réfléchissais à ce qu’est la musique pour les pessimistes. Est-ce qu’il devrait y avoir un peu d’espoir ? Ok, c’est de la musique pour les pessimistes, mais est-ce qu’on essaie d’apporter de la joie aux gens, malgré les horreurs et malgré tout ce qui se passe ? En général, j’ai tendance à écrire de la musique vraiment déprimante, et quoique Matys écrit des choses qui peuvent être lourdes, elles ont souvent de l’humour.

Matys Colpron : Cette réflexion sur le pessimisme et sur l’espoir est une conversation régulière qu’on a ensemble. C’est dur des fois de prendre le monde qui ont tellement de pouvoir au sérieux, quand ils sont si ridicules, quand c’est à un point où ça n’a pas de bon sens. Ç’en est ridicule, mais très sérieux et très lourd, puisqu’on s’attaque à notre culture, à notre manière même d’exister en tant qu’artistes. J’ai l’impression aussi qu’on est tous en train de se demander « Comment est-ce qu’on continue à exister dans une société où c’est de plus en plus difficile de subsister à nos besoins ? » C’est la conversation entre ces choses-là qui nous tirent d’un bord à l’autre. Est-ce que je devrais rire face à l’absurdité de notre situation ou est-ce que je devrais me mettre en petite boule ? Rire face à l’adversité, c’est une forme de pouvoir. C’est une façon de ne pas se laisser tomber et de dire « Écoute, tu ne vas pas m’avoir, tu ne vas pas m’empêcher de faire les choses que j’aime, tu ne vas pas m’empêcher de rire de toi. Que je sois capable de rire de la situation, ça t’enlève du pouvoir aussi.»

Charlotte Désilets : Qu’en est-il de l’aspect compositionnel de la musique pour le prochain album ?

Matys Colpron : L’album sur lequel on travaille en ce moment, c’est un projet beaucoup plus gros. Plus de pièces, plus de temps. L’écriture continue à se développer. Je peux dire que de mon bord, ça s’empire pour les gens (rires). Je suis vraiment en train de les faire travailler fort. Des concepts qui étaient là un petit peu à travers le dernier EP, sont maintenant vraiment présents dans l’aspect technique, un petit peu farfelu, dans « où est-ce que je peux pousser la complexité rythmique ? ». Je suis en train de tester mon band!

Charlotte Désilets : Margaret, quels seront tes focus musicaux pour l’album qui s’en vient ?

Margaret Donavan : Cet album représente notre nouvelle maturité musicale en tant que compositeurs, joueurs et musiciens. Quand nous avons débuté nos sextets, nous étions très jeunes, et au début de l’apprentissage de composer pour un sextet et être bandleader. Et maintenant, nous avons vraiment trouvé notre son. Aussi, quand nous avons commencé, Matys et moi étions des compositeurs très différents. Et maintenant, nos styles d’écriture se sont influencés entre eux. J’écris de manières que je n’aurais jamais écrit si notre collaboration n’avait pas eu lieu. C’est bien de voir l’évolution rythmique, mélodique et harmonique de notre rencontre.

Charlotte Désilets : Entre la musique que vous travaillez pour l’album, et celle que vous présenterez en spectacle, prévoyez vous de créer différemment ?

Matys Colpron : La mise en scène, ça va être une grosse question pendant la résidence dans laquelle on s’embarque. Puisqu’on a la chance de travailler notre projet à fond, comment est-ce qu’on fait pour que cette musique-là aille au prochain niveau ? Comment aller plus loin conceptuellement ? Comment bien travailler les transitions entre les pièces, et l’aspect narratif…C’est des questions qu’on se pose beaucoup en ce moment. Comment est-ce qu’on peut faire un spectacle qui raconte une histoire, au lieu d’être un spectacle qui fait juste présenter une variété de pièces ? On espère qu’on va transporter les gens dans une histoire plus cohérente.

Le Sextet Façade sera en résidence du 1er au 5 juin et ils présenteront les fruits de leur travail à la Maison de la culture Côte-des-Neiges le vendredi 5 juin dans un spectacle gratuit.

Margaret Donovan – trombone et compositions
August McKinney – piano
Sam Baglier – saxophone ténor
Charles-Olivier Talbot – trompette
Matys Colpron – batterie et compositions
Matthew O’Halloran – contrebasse
de g. à d.

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Sextet Façade – Musique pour pessimistes @ Maison de la culture Côte-des-Neiges

Maison de la culture Côte-des-Neiges
Vendredi 5 juin @ 19 h 30
5290 Côte-des-Neiges
billetterie (gratuit)

Charlotte Désilets : charlotte.desilets@gmail.com

La chanteuse de jazz et comédienne Charlotte Désilets nous raconte les passionnants concerts et ses rencontres avec les artistes de la grande famille du jazz.

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Du 8 octobre 2026 au 6 mai 2027 la Salle Bourgie nous présentera un florilège de concerts de la grande famille du jazz incluant : Jean-Michel Pilc, François Moutin et Ari Hoenig, Pierre Génisson et Bruno Fontaine, Mike Bruzzese et Angelica Sanchez, le Rafael Zaldivar 4tet, le Taurey Butler Trio, le Caelan Cardello Trio, Reginald Mobley et Baptiste Trotignon, l’ensemble Carn Davidson 9, Walter Smith III et Carlos Jiménez et le BR3/Bernard Riche Trio. Dans cette entrevue zoom, Olivier Godin, le directeur artistique de la Salle Bourgie, nous parle de cette saison a venir.

Olivier Godin, le directeur artistique de la salle Bourgie du MBAM, nous parle de la saison jazz 2026-2027

Claude Thibault : Cette saison démarre avec le trio Pilc Moutin Hoenig le 8 octobre 2026, pour se conclure avec l’hommage à Paul Motian de BR3 le 6 mai 2027. Olivier, tu peux nous présenter un survol de cette série de concerts ?

Olivier Godin : On a 9 concerts, puis si on rajoute aussi notre traditionnel Noël de Charlie Brown, qui est un grand classique depuis 12 ans, ça nous fait en tout 11 soirées de jazz à la Salle Bourgie. Un ajout important cette année, c’est qu’on est revenu à nos 5 à 7 jazz qui sont toujours très populaires. Le jeudi, la salle ouvre à 17h, on peut prendre un verre au bar, et puis le concert est à 18h. Mais on a aussi remis des grandes soirées jazz avec des artistes internationaux, des soirées un petit peu plus tardives. Donc le concert va être à 19h30 et l’ouverture du bar est à 18h30. Donc on a vraiment deux formules parce qu’il y a des gens qui préfèrent aussi les concerts en soirée.

Jean-Michel Pilc, François Moutin et Ari Hoening

Parmi ces concerts-là, oui, le 8 octobre, c’est le trio Pilc, Moutin et Hoening. C’est un grand privilège d’accueillir ce trio international de Jean-Michel Pilc, pianiste français qui est installé d’abord à New York dans les années 90 et maintenant à Montréal. François Moutin, contrebassiste virtuose, et puis Ari Hoenig, qui est un batteur américain qui est réputé pour son approche presque mélodique de la batterie, qui est vraiment unique. C’est un concert où l’improvisation est totale. Ils n’annoncent jamais le programme d’avance, on ne sait jamais ce qu’ils vont faire. C’est des relectures souvent très libres aussi de standards de jazz. Donc, c’est un concert, je pense, qui va être très attendu, que moi, en tout cas, j’ai très hâte d’entendre.

Pierre Génisson et Bruno Fontaine

Le 29 octobre, on a Pierre Génisson, un clarinettiste français, qui a la particularité d’être aussi habile en jazz qu’en musique classique. On l’a eu à la Salle Bourgie déjà, dans un concert très classique avec les musiciens de l’Orchestre Métropolitain. Mais là, il revient vraiment en jazz avec le pianiste Bruno Fontaine qui est un grand nom dans la musique française. Il a été l’arrangeur et le directeur musical de Johnny Hallyday, de Mylène Farmer, mais il a aussi travaillé avec des gens comme Ute Lemper. Et ils vont rendre hommage à Benny Goodman, qui est le second clarinettiste de jazz du 20e siècle. Ils vont jouer des standards de jazz, mais aussi des œuvres qui ont été composées pour Benny Goodman, parce que, comme Pierre Génisson, Benny Goodman jouait de la musique classique, donc on entendra aussi la sonate pour clarinette et piano de Poulenc, par exemple, qui avait été dédiée à Benny Goodman.

Mike Bruzzese et Angelica Sanchez

Ensuite de ça, le 12 novembre, on a le guitariste montréalais Mike Bruzzese, qui se partagera la scène avec la pianiste américaine Angelica Sanchez. Mike Bruzzese est un guitariste montréalais qui a fait toutes ses études à l’université McGill. Et Angelica Sanchez, c’est une pianiste, compositrice, professeure aussi, qui a été installée à New York depuis les années 90 qui a collaboré avec toutes sortes de grands artistes de jazz aux États-Unis. Ils vont présenter donc la première audition des poèmes pour cordes de Mike Bruzzese On parle ici des cordes de guitare et des cordes du piano, et non pas des cordes comme les instruments classiques. Et deux pièces de Angelica.

Rafael Zaldivar Quartet

Et le 26 novembre, Rafael Zaldivar, qui est un pianiste cubain, qui vient de Québec, et qui est professeur à l’Université Laval. Rafael avait déjà joué d’ailleurs à deux pianos avec Jean-Michel Pilc il y a quelques années, mais là, il vient avec son ensemble, avec Sarah Rossy à la voix, Levi Dover à la contrebasse et Louis-Vincent Hamel à la batterie, pour un hommage au Bueno Vista Social Club.

Le Noël de Charlie Brown avec le Taurey Butler Trio x 2

Ensuite, les 16-17 décembre c’est la 12e année du Noël de Charlie Brown. On avait toujours fait appel à des chanteurs locaux pour chanter les fameuses chansons de Noël du concert mais cette année, on a fait appel à la chanteuse américaine, Halie Loren, qui est une grande chanteuse, pianiste et compositrice américaine. Bien connue, elle mélange un peu le jazz, le pop, le blues, elle revisite certains standards. Là, elle va être la soliste, la chanteuse invitée pour les chants de Noël, du Noël de Charlie Brown, avec la musique de Vince Guaraldi, évidemment.

Caelan Cardello Trio

Ensuite, en début d’année 2027, on va continuer avec le trio de Caelan Cardello. Caelan Cardello, c’est un jeune et extrêmement intéressant, t et talentueux pianiste américain qui vient pour la première fois à Montréal. Avec Jonathon Muir Cotton à la contrebasse et Domo Branch à la batterie. C’est une soirée qui va être placée sous le signe du mouvement des Young Lions, les jeunes lions qui avaient revitalisé un peu le jazz dans les années 80-90, avec toutes sortes de standards de jazz et des compositions originales de Caelan Cardello également.

Reginald Mobley et Baptiste Trotignon

Ensuite le 23 février. C’est un concert qu’on annonce jazz, mais qu’on annonce aussi dans une série de récitals vocaux classiques, parce que c’est vraiment à cheval entre le classique et le jazz. Reginald Mobley, qui est un contre-ténor américain, qui chante beaucoup, beaucoup de musique baroque, beaucoup de musique classique avec des ensembles. Mais cette fois-ci, il vient avec le pianiste français Baptiste Trotignon, qu’on avait déjà entendu à la Salle Bourgie à plusieurs reprises, dont la dernière fois avec Rémi Bolduc l’an dernier. C’est un programme qui s’appelle Because. Because, c’est le nom de l’album de Reginald Mobley qui est consacré au gospel et au spiritual américain/afro-américain. C’est un genre qui est évidemment étroitement lié à l’histoire afro-américaine. Ce concert est présenté en collaboration avec le Centre culturel Afro-Canadien de Montréal et la Table Ronde du Mois de l’Histoire des Noirs dans le cadre du mois de l’Histoire des Noirs de février.

Carn Davidson 9

On continue le 18 mars avec l’ensemble canadien Carn Davidson 9. C’est un ensemble qui vient de Toronto qu’on avait déjà entendu certains de ces musiciens-là dans l’ensemble Turboprop du batteur Ernesto Cervini en 2023. Cette fois-ci, ils reviennent avec un ensemble de neuf musiciens. C’est un ensemble qui est vraiment reconnu pour avoir un très grand dynamisme. Ils vont proposer une soirée inspirée par les rythmes de danse, c’est-à-dire du choro brésilien, du tango argentin, du hip-hop, du swing. Ils vont inspirer vraiment toutes sortes de musiques en lien avec le mouvement. Donc c’est un nonnette qui est dirigé par deux artistes de jazz qui sont très connus au Canada, le tromboniste William Carn et la saxophoniste Tara Davidson.

Walter Smith III et Carlos Jiménez

Ensuite, le 8 avril, pour la première fois aussi à la Salle Bourgie, on accueille le grand saxophoniste Walter Smith III Et le guitariste Carlos Jiménez. Carlos est connu comme compositeur montréalais. C’est une première fois pour ce nouvel ensemble avec le saxophoniste virtuose Walter Smith III qui vient du Texas. Il s’est imposé vraiment comme une figure vraiment importante du jazz contemporain actuellement. Il a joué avec des musiciens majeurs de sa génération comme Terence Blanchard, Ambrose Akinmosire et Eric Harland.

Trio BR3 – Bernard Riche, Thiago Ferté et Jonathan-Guillaume Boudreau

Et on termine cette saison le 6 mai avec cet hommage à Paul Motion, avec le trio BR3, BR pour Bernard Riche, qui est le batteur du trio et le fondateur de ce trio-là, avec Thiago Ferté au saxophone et Jonathan-Guillaume Boudreau à la contrebasse. C’est un ensemble qui a été formé à l’instigation de Bernard Riche. Et donc, on rend hommage à ce grand batteur un peu atypique qui vient de New York, Paul Motion, qui est mort en 2011. Et qui a été un collaborateur d’immenses musiciens, comme le guitariste Bill Frisel et plusieurs autres. Puis on a d’ailleurs entendu un petit extrait au lancement de saison le 29 avril dernier.

Claude Thibault : Comment as-tu pensée cette programmation pour qu’elle soit variée, diversifiée, et que votre public s’y retrouve ?

Olivier Godin : Il y a des artistes que le public adore. Comme Jean-Michel Pilc, qui à chaque fois qu’il vient, les gens se précipitent. Mais j’essaie de jamais le présenter de la même manière. Il est déjà venu avec deux pianos. Là, il vient avec un trio. Donc, j’essaie de présenter des projets différents pour qu’on voit différents aspects de ces artistes-là. Aussi, j’essaie de varier les styles. Là, on a du cubain, on a de l’américain, on a du jazz européen, on a un petit peu de tout. On fait une espèce de parcours à travers les différentes cultures de jazz, si je peux m’exprimer ainsi. Et puis, je dirais aussi que le fait de varier aussi cette année l’alternance entre les 5 à 7 et puis les concerts de soirée @ 19h30 apporte aussi une expérience différente en salle.

Claude Thibault : Aussi ce qui est intéressant, c’est qu’évidemment, tu mets en vedette des artistes Québécois et Canadiens en relation avec des artistes internationaux…donc, il y a un beau mariage, par exemple, entre Pilc, Moutinet Hoenig, évidemment, ou bien Walter Schmitt III et Carlos Jiménez.

Olivier Godin : C’est des très beaux ensembles, puis ça s’inscrit vraiment dans la philosophie de la Salle Bourgie. On fait ça autant en jazz qu’en classique, dans tous les styles musicaux. On essaie de faire un point d’honneur, d’avoir au moins la moitié de notre programmation qui comporte des artistes d’ici. Ça, c’est très important parce qu’il y a tellement de talent ici, c’est exceptionnel. Il faut pouvoir présenter nos artistes autant que ceux d’étrangers.

Claude Thibault : Tentes-tu avec cette programmation d’une salle assez classique de transformer des amateurs de musique classique en amateurs de jazz ?

Olivier Godin : J’ai pas de plan machiavélique pour faire ça (rires). Je pense qu’il y a des membres de notre public qui viennent au classique et au jazz. Il y en a qui préfèrent rester dans leur zone connue. Mais je pense qu’il y a moyen de faire croiser aussi les rendez-vous. Par exemple, l’année dernière, on avait Claire Marchand, avec des musiciens classiques, qui présentaient de la musique de chambre de Chick Corea, quelque chose qu’on connaissait. Puis oui, Marie-Josée Simard aussi cette année qui est venue jouer des concertos jazz avec François Bourassa. Donc on essaie de croiser un petit peu des fois les rencontres entre le classique et le jazz, ce qui fait que c’est du public, ou l’année prochaine avec Reginald Mobley, le contre-ténor, on essaie de faire croiser un peu les expériences, puis de voir aussi qu’on peut s’intéresser, si on aime le jazz, on peut s’intéresser aussi au classique, il y a beaucoup de Il y a beaucoup de choses en commun entre les deux pratiques.

Claude Thibault : Oui, puis je peux te dire de mon expérience personnelle que j’ai développé un amour pour le classique en passant par le jazz. Parce qu’il y un parallèle avec les voicings et les harmonies, il y a comme un lien qui se fait naturellement.

Olivier Godin : Il y a des liens entre le jazz et la musique baroque. Souvent, les chanteurs, quand ils chantaient leurs airs d’opéra, quand ils reprenaient la deuxième fois, ils ne chantaient pas la même mélodie. C’est un petit peu la même structure, la musique baroque, par exemple. C’est une basse chiffrée, une basse qui accompagne une mélodie. Puis la mélodie, elle a été faite une fois, puis après ça, on improvise sur cette mélodie-là, donc c’est un petit peu les mêmes fondements au départ que la musique de jazz. Évidemment, ça a évolué différemment, mais beaucoup de similarités.

Claude Thibault : Puis le jazz est souvent associé à des petites salles plutôt intimes, sans prétention et enfumées (mais aujourd’hui il n’y a plus de fumée). Comment ça se vit dans cette salle qui a toute une acoustique, comment se vit l’expérience de jazz dans ce type de salle-là ?

Olivier Godin : Je dirais qu’on a une expérience qui est très différente justement des clubs de jazz ou des bars de jazz, parce que on prend notre verre de vin ou notre bière avant le concert, dans le foyer de la salle. D’ailleurs, quand les gens viennent, on est là, on discute avec eux. Et après, on monte à la salle pour le concert de jazz et le concert se fait vraiment dans une attitude d’écoute. On est assis comme dans un concert classique, donc vraiment, la qualité d’écoute de la musique est vraiment différente de ce qu’on peut avoir dans un club de jazz. Mais là, on est dans un cadre vraiment différent, avec une qualité d’écoute. Donc, on a cette intimité-là aussi avec ce qui se passe sur scène, parce que la salle a l’air grande, mais elle n’est pas tant que ça, elle a 460 places.

Claude Thibault : Aimerais-tu ajouter quelque chose ?

Olivier Godin : Bien, je dirais, que vous aimiez ou que vous n’aimiez pas le jazz, Tentez l’expérience, parce que c’est vraiment quelque chose qui est…Il y en a vraiment pour tous les goûts. Puis la salle Bourgie, c’est ouvert aux connaisseurs, aux gens qui viennent là pour un truc très précis, très particulier, mais c’est aussi ouvert à tous ceux qui sont curieux et qui veulent venir apprécier un concert, passer un bon moment aussi, parce que dans les soirées de jazz, dans les soirées classiques aussi, on passe habituellement de très bons moments ensemble. Puis n’hésitez pas à venir nous voir quand on est là, ma collègue Caroline-Louis aussi. On est toujours heureux de jaser avec les gens, de discuter avec le public.

Claude Thibault : Absolument, je te remercie infiniment et j’ai très hâte d’aller découvrir tous ces artistes-là. On va sûrement en parler sur Sortiesjazznights un peu plus dans les mois à venir. Je te remercie infiniment, je te souhaite une excellente journée et une belle saison.

Olivier Godin : Merci beaucoup, Claude.

Entrevue : Olivier Godin
Salle Bourgie du MBAM
Les 5 à 7 jazz + Les Grands Concerts Jazz
8 octobre 2026 au 6 mai 2027

Salle Bourgie du Musée des beaux-arts de Montréal
1339, rue Sherbrooke Ouest
514 285-2000, poste 1

Ariane Racicot Trio – Danser avec le feu @ Bourgie (25 sept 2025)

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Cat’s Corner présente le festival Footnotes, du 21 au 24 mai, 4 jours de festivités autour de la danse et du jazz. Cette grande fête annuelle nous présente une autre façon d’apprécier le jazz…la danse ! Charlotte Désilets nous propose donc une entrevue avec la co/dg de Cat’s Corner, Hélène Bernardot, pour en savoir plus…

Charlotte Désilets : Bonjour Hélène, parle-nous un peu de Cat’s Corner. C’est quoi ?

Hélène Bernardot : Cat’s Corner, en fait, la communauté Cat’s Corner, c’est non seulement une école de danse, mais c’est aussi un organisme à but non lucratif, dont la mission, c’est de bâtir des liens entre le jazz, le blues, les claquettes, la musique, la danse et les communautés qui évoluent dans ces cultures-là ou autour de ces cultures-là.

Ça fait plus d’une vingtaine d’année qu’on donne de cours, qu’on organise des soirées de danse sociale, des soirées mensuelles de musique live avec des orchestres de jazz montréalais. On a une programmation aussi plus d’activités communautaires pour rassembler les personnes qui viennent prendre les cours ou participer à nos activités. Puis on organise des événements qui ont une portée nationale et internationale autour du jazz. Fait que Cat’s Corner c’est une belle histoire qui dure 27 ans.

Une communauté autour du jazz et du swing

Charlotte Désilets : Donc, cette communauté-là que vous avez construite est vraiment, à ce que je comprends, construite autour de la tradition du jazz puis du swing, c’est ça ? Qu’est-ce que vous mettez à l’avant dans les valeurs, dans les objectifs de création, de recherche artistique dans cette communauté ?

Hélène Bernardot : En fait, l’idée, et ça c’est vrai depuis le début, c’était de rassembler des personnes qui s’intéressent d’abord au Lindy Hop, puis ensuite par extension à d’autres formes de danse, swing, blues et claquettes, de mettre l’accent sur la musique et l’histoire de ces danses-là qui viennent des communautés afro-américaines de Harlem à New York, et qui vient avec une histoire et un héritage qui est celui de l’esclavage et du racisme.

Donc c’est aussi parler de ça, d’où ça vient, comment ça a évolué et faire le lien avec les street dance qui sont la continuation de la culture jazz. On parle beaucoup d’histoire, on parle beaucoup des personnes qui ont façonné cette culture-là, on parle beaucoup de musique aussi, parce que c’est au cœur de tout ce qu’on fait chez Cat’s Corner.

Un concert de jazz avec de la danse ? pourquoi pas !

Charlotte Désilets : Pour les lecteurs de sortiesjazznights.com qui sont souvent plutôt intéressés par l’aspect musical. Puis il y en a sûrement qui ne sont pas nécessairement habitués avec l’aspect danse et mouvement lié à la musique. Comment est-ce que tu penses que Cat’s Corner pourrait être intéressant pour des amateurs de jazz qui sont plus habitués d’aller dans les clubs voir des concerts plutôt que d’aller danser ?

Hélène Bernardot : Je pense sincèrement, et je crois que c’est le cas pour les gens qui fréquentent Cat’s Corner, qu’il n’y a pas de danse sans musique. Et encore une fois, la musique, c’est vraiment au cœur de tout ce qu’on fait.

Chaque mois chez Cat’s Corner, on a un orchestre de jazz où on essaye de mettre en valeur, de faire rayonner des talents locaux, des orchestres qui se sont formés par bouche à oreille. On a beaucoup de monde qui arrive de McGill aussi, fait que c’est vraiment une belle communauté tissée-serrée qui s’intéresse à la musique jazz qui est swing. Et pour nous, les danseurs, ça apporte une qualité supplémentaire à nos soirées.

Pour les gens qui sont moins familiers avec la danse, déjà pour remettre en contexte, le swing c’est un style de musique jazz qui a émergé au cours des années 20 et qui s’est tiré jusqu’à la fin des années 40, voire 50, et puis après qui a pris d’autres formes aussi, mais c’est ce qui a inspiré le rhythm and blues, entre autres.

Charlotte Désilets : Quel genre d’interaction il se passe ? Car, des fois, c’est un big band qui est là au complet, c’est un orchestre de musiciens qui voient les danseurs danser. Quelle interaction tu observes entre les danseurs et les musiciens ?

Hélène Bernardot : C’est une question qui est assez complexe puis je pense qu’il n’y a pas une réponse puis c’est en constante évolution mais on essaye toujours de faire du lien c’est sûr qu’il y a un peu de timidité puis c’est comme si on parlait la même langue mais avec deux manières différentes fait que l’idée c’est d’être capable de se comprendre mais Honnêtement, il faut le vivre pour le voir. Je pense que ça se ressent quand on voit une salle de balle qui est pleine de danseurs avec un orchestre sur le stage. Il y a beaucoup de jeu. Il y a une énergie qui est très forte, très intense.

Charlotte Désilets : En quoi est-ce que tu pourrais faire le parallèle entre l’improvisation instrumentale et l’improvisation dansée ?

Hélène Bernardot : C’est tout un art. C’est sûr qu’il y a plein de manières différentes de l’exprimer, mais l’idée, c’est de parler de ses sentiments et de ce qu’on ressent à ce moment-là. Qu’est-ce que la musique nous suggère? Qu’est-ce qu’on a envie de faire avec notre corps ou qu’on est capable de faire avec notre corps à ce moment-là? Qu’est-ce qui reflète nos émotions ou la chose qu’on a à dire? Parce qu’évidemment, la danse, comme toute forme d’art, c’est politique aussi. Qui danse, qui danse pas, qui prend sa place, à quel moment, puis l’idée c’est de créer une chorégraphie, sans mauvais jeu de mots, entre danse et musique. Je pense que c’est à peu près les mêmes principes qui s’appliquent là, si on rentre dans la technique de la musique versus la technique de la danse. Fait que l’idée c’est, encore une fois, de connaître une langue, puis de voir qu’est-ce qu’on est capable de dire avec ça.

Charlotte Désilets : Vous présentez le festival Footnotes qu’on invite les lecteurs de Sortiesjazznights.com à découvrir. C’est quoi et c’est quand ?

Le Festival Footnotes du 21 au 24 mai

Hélène Bernardot : Ça s’appelle Footnotes et c’est du 21 au 24 mai chez Cat’s Corner tout près du Métro Frontenac. C’est la première édition de Footnotes, un festival qui se veut faire le lien entre la culture des claquettes et du Lindy Hop, qui historiquement sont quand même très liés. Elles viennent des mêmes communautés, puis elles font partie de la culture du divertissement, et il se trouve que la journée internationale du Lindy Hop et la journée nationale des claquettes, ça tombe l’un après l’autre. Le 25 mai pour le Lindy Hop et le 26 mai pour les claquettes.

@ Footnotes on fêtera l’anniversaire de Frankie Manning, qui est un des danseurs originaux de swing, et de Bill Bojangles Robinson, qui est lui aussi une figure historique des claquettes. Et donc l’idée c’était d’organiser une fin de semaine complète autour de ces deux danseurs, en mettant à l’honneur évidemment la musique jazz. Fait que le festival s’articule autour de danse sociale, d’où la présence du Taylor Donaldson Orchestra, qui est un big band.

On va aussi avoir une journée complète d’ateliers pour pouvoir explorer nos pratiques des danses claquettes et Lindy hop, avec des professeurs majoritairement locaux, mais il y a du monde qui vient d’un peu partout dans l’Est du Canada et des États-Unis. On a une grande jam qui est organisée pour fêter la journée nationale des claquettes et rendre hommage à Ethel Bruno qui est une danseuse de cabaret originaire de Harlem mais qui a longtemps vécu à New York et dont la famille est ici à Montréal et proche de Cat’s Corner.

Charlotte Désilets : Vous organisez plusieurs événements comme ça pendant l’année ?

Hélène Bernardot : Oui, on a la chance d’avoir une belle portée internationale, en fait, notamment dans le Canada anglophone. Du fait que l’école Cat’s Corner existe depuis longtemps, les gens sont pas mal au fait de ce qui se passe chez nous. Mais là, comme Footnotes, c’est la toute première fois, on ne sait pas trop à quoi s’attendre en termes d’audience, mais c’est un pari. On sait aussi que certaines des activités sont gratuites, mais d’autres sont payantes, fait qu’on a évidemment pensé au poids financier que ça pouvait avoir pour certains danseurs. C’est pour ça qu’on a une tarification qui est solidaire, donc les gens payent ce qu’ils peuvent. Et puis on veut faire du lien avec le grand public aussi, c’est pour ça que c’est important de parler du live band, c’est pour ça que c’est important de parler du fait qu’on va avoir des cours d’initiation pour les gens qui n’ont aucune expérience. C’est aussi pour ça qu’on fait une fête de quartier plus communautaire pour attirer du monde qui sait pas trop comment rentrer dans ce monde-là, mais qui s’intéresse à la culture jazz. Fait qu’on espère être nombreux, oui.

Charlotte Désilets : Tu as mentionné le Taylor Donaldson Orchestra qui va être présent @ Footnotes. Quel jour ?

Hélène Bernardot : Ça c’est le vendredi soir le 22 mai, donc c’est le premier jour officiel (il y a quelques activités le 21) du festival Footnotes, ça commence à 21 h du soir sur 3 sets, c’est 12 musiciens sur le stage, en majorité des musiciens professionnels, puis ils ont une sélection qui est inspirée des big bands des années 30, donc c’est vraiment une énergie très particulière, la qualité de la musique est exceptionnelle pour les gens qui sont amateurs de music swing, c’est vraiment fantastique.

Charlotte Désilets : Est-ce que tu voudrais nous dire un peu comment tu penses que la communauté de la danse gagnerait à collaborer avec la communauté de la musique ?

Hélène Bernardot : Oui ben je pense que c’est un échange où tout le monde a gagné je pense que là évidemment la musique est au cœur de la danse la danse vient sublimer la musique en tant que danseuse je pense que que pratiquer sur la musique live, c’est essentiel, puis ça nous ramène justement à ce qui est important, c’est-à-dire être conscient de soi, jouer avec son partenaire, s’amuser avec la musique.

Charlotte Désilets : Je trouve que ça devient quand même rare. C’est un poids financier quand même d’engager tout ces musiciens pour faire de la musique live. C’est quand même un bien très précieux de pouvoir avoir un big band dans sa salle avec des danseurs. Je suis toujours impressionnée par les soirées que vous organisez. Penses-tu que ça aide à intégrer du grand public dans la communauté de la musique jazz aussi, instrumentale peut-être ?

Hélène Bernardot : Je pense que oui. Je pense qu’on vit dans une ville où on est très privilégié parce qu’on a une scène musicale jazz qui est incroyable. Je pense que Montréal, c’est une des capitales du jazz à l’échelle internationale. Au niveau du swing aussi, on a des professeurs, des artistes, des gens qui ont des parcours exceptionnels. C’est qu’on est chanceux d’apprendre de la crème, de la crème là, honnêtement, à Montréal.

C’est sûr que de la part du grand public, je pense que ça prend une forme de curiosité, une forme de vulnérabilité aussi, parce qu’apprendre à danser adulte, c’est pas facile. Mais il y a beaucoup de place pour apprendre, prendre du plaisir sans nécessairement s’impliquer. Si les gens viennent consommer la culture chez nous, on veut qu’ils se sentent acteurs, on veut qu’ils se sentent Bienvenue, et on veut leur transmettre ce qu’on sait de cette culture-là. Fait qu’un événement comme ça, c’est une porte d’entrée parfaite pour apprendre à découvrir la culture jazz, en fait.

Charlotte Désilets : Donc, le Festival Footnotes qui aura lieu le 21, 22, 23, 24 mai, c’est ça?

Hélène Bernardot : Exactement. Chez Cat’s Corner, dans le Centre Sud, en face du métro Frontenac.

Charlotte Désilets : Mais merci vraiment beaucoup pour ton temps, pour tes explications sur Footnotes. On va espérer qu’il y ait beaucoup de gens qui vont venir au festival. Puis à bientôt.

Hélène Bernardot : Ouais, merci à toi pour ton temps. Passe une belle journée.

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Valérie Lacombe, batteuse et compositrice bien établie sur la scène jazz de Montréal depuis plusieurs années, sera entourée d’une excellente formation pour cet événement qui aura lieu le 29 avril prochain à partir de 20 h au Cabaret Lion d’Or. Ce concert de lancement de State of Garden and Shadow (2026)  qui s’inscrit dans le cadre de la Journée internationale du Jazz 2026 à Montréal promet une soirée enlevante ou le public pourra découvrir la musique unique de Valérie Lacombe. Exceptionnellement notre bon plan jazz de la semaine est doublé d’une entrevue avec la musicienne.

State Of Garden And Shadow (2026) – une nouvelle étape dans son parcours musical

Valérie Lacombe est une batteuse et compositrice de jazz basée à Montréal. Elle a complété une maîtrise en jazz performance à l’Université McGill et c’est à ce moment qu’elle a composé les pièces de son tout nouvel album, State Of Garden And Shadow (2026). Cet album, enregistré en 2024, regroupe des compositions originales ainsi qu’une reprise d’une pièce du grand saxophoniste Benny Golson. Valérie Lacombe, qui peut être entendue plus récemment avec l’excellent collectif Ostara Project, affirme une nouvelle étape dans son parcours musical en tant que leader et compositrice avec ce premier album.

Un ensemble « chordless » avec Camille Thurman, Caoilainn Power et Mike De Masi

Le groupe pour le concert du 29 avril, qui ressemble beaucoup à celui de l’enregistrement, sera formé de Valérie Lacombe à la batterie et aux compositions, Camille Thurman au saxophone ténor, Caoilainn Power au saxophone alto et Mike De Masi à la contrebasse, qui remplace le contrebassiste Ira Coleman qui a enregistré l’album. La formation, qui inclut deux saxophonistes et aucun instrument harmonique comme le piano et la guitare, propose une instrumentation de type « chordless » qui est de plus en plus populaire dans le jazz contemporain.

En effet, Valérie Lacombe dit avoir été influencée par les albums d’Elvin Jones qui adoptent cette instrumentation lors de la composition de pièces. Cette musique combine une forte direction rythmique apportée par la batterie et la contrebasse ainsi qu’une grande liberté harmonique et mélodique dans les improvisations des deux instruments à vent.

Le Cabaret Lion d’Or va donc accueillir Valérie Lacombe et son quartet pour ce lancement d’album très prometteur. L’ambiance feutrée de cette salle va certainement se porter à merveille à cette représentation organisée par Divertissement Mercier et Martine Labbé.

Samuel Lechasseur : samuel.lechasseur@mail.mcgill.ca

Samuel Lechasseur est un guitariste actif sur la scène jazz montréalaise. En plus de sa carrière d’instrumentiste et de compositeur, il est également passionné par l’enseignement de la guitare et de la musique. Il a complété des études en guitare jazz à l’Université de Montréal et à l’Université McGill. Il délaisse sa guitare préférée depuis janvier 2025 quelques instants pour le clavier afin de nous proposer dorénavant chaque semaine notre suggestion de la semaine : le bon plan jazz.

Entrevue : Valérie parle de State of Garden and Shadow (2026) avec Charlotte Désilets

Charlotte Désilets : Ton album State of Garden and Shadow (2026) est sorti ce matin, je l’ai écouté, c’est magnifique.

Valérie Lacombe : Je me sens super bien. Ça fait deux ans que j’ai enregistré cet album-là. Je suis contente que finalement il soit en ligne et que tout le monde puisse l’écouter.

Charlotte Désilets : C’est quoi le contexte de State of Garden and Shadow (2026) ?

Valérie Lacombe : C’était mon projet de thèse de maîtrise à McGill.

Charlotte Désilets : Qu’est-ce qui a fait que ça prenne deux ans avant de le partager ?

Valérie Lacombe : Je pense que j’y suis allée une étape à la fois, puis je me suis laissé le temps que ça a pris. Ça a pris deux ans, pis c’est correct.

Charlotte Désilets : Parles-moi d’avantage de State of Garden and Shadow…

Valérie Lacombe : Le titre a été inspiré par une lecture que j’avais faite pendant ma maîtrise à McGill. C’est un livre de Clarice Lispector. C’est une petite nouvelle qu’elle a écrite après une séparation. C’est un texte tourmenté, comme une ligne de pensée continue. Elle parlait du fait de devoir prendre un moment pour elle pour se rebâtir, puis travailler à mettre de l’attention sur les choses qu’elle voulait travailler. Prendre un moment pour réfléchir puis bâtir quelque chose de nouveau. Quand j’ai lu ça, je me suis vraiment reconnue.

À McGill, quand j’ai dû composer une heure de musique originale, c’était la première fois que je découvrais un peu les sons qui venaient à moi, mon esthétique de composition et tout. J’ai senti qu’une étape nécessaire avait été de prendre du recul, de me créer un espace où je pouvais couper ce qui se passait autour de moi, me concentrer sur la composition. Puis ça m’avait vraiment frappé, cette phrase-là dans le livre : State of Garden and Shadow, illustration de travailler à cultiver un jardin. Ça prend du temps, c’est beaucoup de travail, mais il y a tellement de beauté qui en ressort. Tu plantes des graines, tu sais pas trop vraiment où ça va aller… il y a une espèce de magie qui ressort de tout ça. J’avais connecté avec cette image-là, puis je l’ai gardée. Je sais pas si ça te fait ça toi aussi, mais pour moi les titres se présentent souvent d’eux-mêmes, s’imposent d’eux-mêmes. Des fois, à un certain stade de la création, il y a comme un titre qui apparaît, puis c’est comme bon, ça va être ça.

Charlotte Désilets : Plus souvent, le titre vient-il d’une source d’inspiration externe ou de l’émotion que tu voulais mettre dans la chanson ?

Valérie Lacombe : Dans le fond, la musique, je ne l’ai pas composée à partir d’un sentiment ou d’un concept. J’ai travaillé avec Kevin Dean; c’était mon superviseur de thèse. Puis je lui ai dit « Ça fait des années que je suis des cours de théorie, puis d’harmonie et tout, mais je ne sens pas que j’ai les outils nécessaires pour composer un album complet. » Puis lui, il m’a donné une méthode qui était excellente, que je vais garder toute ma vie pour composer. Il m’a dit, « Enregistre des voice memos sur ton téléphone, de mélodies que tu entends. Puis ensuite, tu vas transcrire les mélodies qui sont sur ton téléphone, celles que t’aimes. Plus tard, celles qui sont de ton goût, tu vas les transcrire. De là, tu vas travailler à aller chercher une ligne de basse, puis l’harmonie et tout ça. » Mais il m’a fait réaliser que si je prenais le temps d’écouter, de me poser, puis d’écouter les sons que j’entendais, j’avais accès à beaucoup de mélodies, beaucoup, beaucoup de musique. Ça a été un processus super enrichissant pour moi, puis vraiment valorisant. J’écoutais ce que j’entendais, puis, de la mélodie se formait un monde. Par après, je pouvais y attacher des émotions, des sentiments. Pour la plupart de l’album, ce sont des thèmes qui me touchaient, avec lesquels j’étais vraiment comme familière à ce moment-là dans ma vie.

Charlotte Désilets : Comme quels thèmes ?

Valérie Lacombe : La construction artistique, l’identité artistique, le travail, la relation entre la lumière puis la noirceur, ça c’est comme un concept auquel j’ai pensé aussi pendant la pandémie. J’avais lu un livre de Rebecca Solnit, ça s’appelle Hope in the Dark, puis il y avait une belle image d’appréciation pour la noirceur dans le sens où ça représente l’inconnu et donc peut-être quelque chose de formidable. J’ai trouvé ça intéressant de constater que ce qui est ressorti de l’album, c’est de la noirceur, mais aussi beaucoup de couleurs, de lumières…

Charlotte Désilets : La littérature, ça l’enrichit beaucoup ta pratique, on dirait ?

Valérie Lacombe : Ouais, ça me nourrit comme personne, puis comme artiste. Les mots, ça m’a toujours fascinée. Même quand j’ai commencé à jouer de la batterie, je disais que c’était parce que ce langage musical-là me servait plus que les mots. Puis je pense que c’est parce que j’ai tellement lu des auteurs, des autrices extraordinaires que j’ai toujours été un peu frustrée avec ma façon de communiquer avec les mots. Mais à la batterie, en jazz, là je sentais que je pouvais m’exprimer avec plus de facilité.

Charlotte Désilets : Est-ce que tu as déjà fait ou pensé faire des collaborations avec des auteurs, ou bien pensé à toi-même insérer de la poésie dans tes pièces ?

Valérie Lacombe : Pas encore, mais je serais pas étonnée qu’un jour, ces deux mondes convergent. Même chose pour l’art visuel. J’aime quand l’art est représenté de façon générale.

Charlotte Désilets : Retournons à ton album qui est sorti aujourd’hui. Tu te prépares à le jouer en tournée ?

Valérie Lacombe : Oui, je vais faire une tournée à travers le pays. Ça, c’est une idée qui m’était venue, ça doit faire plus que deux ans, où je me suis vue dans une voiture _ j’ai même pas de voiture moi-même _ à conduire à travers le pays, puis engager des musiciens locaux…Cette idée-là m’est restée, c’est comme devenu…Un but pour moi. Puis là, ça s’est finalement concrétisé. Je me suis dit, peu importe si j’ai du financement ou pas, je me lance et je le fais. Je m’étais dit que j’allais dormir dans la voiture s’il le fallait pour éviter de payer un hôtel. Mais finalement, j’ai eu une bourse du Conseil des arts du Canada pour financer la tournée.

Donc c’est ça, je vais jouer à Gatineau, à Ottawa, à Toronto, à Kitchener-Waterloo, Winnipeg, Regina, Calgary, Edmonton, Vancouver. Je vais partir le 11 mai, puis je vais arriver à Vancouver en début juin, puis je vais revenir en avion le 5 juin. Je vais jouer avec des musiciens locaux. Je trouve ça vraiment plaisant de me dire que des musiciens que j’admire à travers le pays vont connaître mes compositions originales. J’ai vraiment hâte de les rencontrer, puis de voir comment mes pièces vont évoluer, changer avec tous ces différents groupes avec qui je vais jouer.

Charlotte Désilets : Tu avais de très bons musiciens quand t’as enregistré l’album. Est-ce que tu peux me parler des personnes que t’as choisies pour jouer avec toi ? Quel son voulais-tu qu’ils amènent sur cet album-là ?

Valérie Lacombe : Quand j’ai composé l’album, j’écoutais beaucoup, beaucoup d’Elvin Jones, Jazz Machine, les albums qu’Elvin Jones avait fait avec Dave Lehman, puis les albums où il n’y avait pas d’instruments à accords. Déjà là, c’était comme une esthétique que je recherchais. Je savais que je voulais composer pour deux saxophones, contrebasse et batterie.

Et puis Caoilainn Power, celle qui joue de l’alto sur mon album, ça fait des années, depuis le début que j’ai des projets en tant que leader, que je cherche à l’engager. Je travaille avec elle parce que j’adore son son, puis ça adonne qu’elle a écouté beaucoup de musique avec cette configuration-là: deux saxophones, contrebasse et batterie. C’est sûr que je voulais travailler avec elle. Puis, Camille Thurman et Ira Coleman, ce sont deux artistes qui m’ont motivée à retourner à McGill pour faire ma maîtrise. Darrell Green aussi, avec qui j’ai étudié à la batterie.

Ce sont des idoles qui comprennent l’esthétique que je recherche. Donc je me suis dit, « bon, je vais leur demander. Puis si j’ai l’occasion d’enregistrer avec eux, ça va être formidable. » Puis ils on dit «oui». Puis l’enregistrement s’est super bien passé. Tu le sens quand tu travailles avec des vrais professionnels. C’est tellement fluide. L’enregistrement a duré une journée et demie. Il n’y avait pas beaucoup de questions, tout le monde savait quoi faire, tout le monde savait quel son apporter. On avait Darrell Green qui a produit l’album, qui était avec nous en studio. Ça a été super plaisant, vraiment le fun.

Charlotte Désilets : Est-ce que t’as continué à composer depuis ? Est-ce que t’es en train de créer d’autres projets ou t’es plus en jachère ?

Valérie Lacombe : Ben là, je sens que le puit se remplit. J’ai des idées, je ne sais pas trop dans quelle direction je vais aller. J’ai enregistré quelques voice memos pour un prochain projet. À suivre, je pense que je vais me mettre là-dessus quand je vais revenir de ma tournée de lancement. Je vais faire une tournée avec Ostara aussi, la tournée des festivals. Quand tout ça, ça va être terminé, je vais m’installer au piano puis je vais travailler sur le prochain album, mais je suis vraiment rendue accro à composer de la musique originale. Fait que c’est certain que les prochains albums vont avoir en majorité. Comme, la plupart des pièces que je vais enregistrer sur mes prochains albums vont être des compositions originales aussi.

Charlotte Désilets : Ton concert de lancement, tu vas le faire à Montréal, au Lion d’Or, c’est ça?

Valérie Lacombe : Ouais, au Lion d’Or. Ça, c’est cool parce que c’est un événement qui est produit par Divertissement Mercier. C’est Alain Mercier qui est derrière ça. Puis, c’est Il est en collaboration avec Martine Labbé, donc c’est une coproduction. Puis l’événement, c’est pour célébrer la Journée internationale du jazz. C’est un événement qui est célébré comme à l’échelle mondiale depuis, je pense que c’est dans les années 2000, ça a débuté, je ne suis pas certaine de l’année exacte. À chaque année, Alain Mercier organise un événement dans le cadre de cette journée-là. Puis cette année, c’est lui qui m’a contactée. Il m’a dit «J’ai entendu dire que t’avais un projet». Ça a bien tombé, parce que l’album est sorti aujourd’hui mi-avril, puis le spectacle pour la Journée internationale du jazz, ça va être le 29 avril. Donc j’ai eu beaucoup de chance là-dedans, puis son équipe m’a beaucoup aidée avec le lancement. Aller chercher des entrevues et tout ça. Donc oui, j’ai bien hâte. Puis Camille Thurman va être présente, Caoilainn Power aussi, puis ça va être Mike De Masi à la contrebasse, puisque Ira Coleman ne pouvait pas être avec nous, mais on va jouer l’album dans son intégralité avec quelques autres pièces.

Charlotte Désilets : J’ai très hâte de voir ça, puis j’espère que le public de sortiesjazznights.com va être présent aussi pour cette belle soirée-là. Merci beaucoup pour le temps et pour avoir partagé tes idées, ton processus inspirant.

Valérie Lacombe : Merci à toi!

Charlotte Désilets : charlotte.desilets@gmail.com

La chanteuse de jazz et comédienne Charlotte Désilets nous raconte les passionnants concerts et ses rencontres avec les artistes de la grande famille du jazz.

State of Garden and Shadow (2026) @ Lion d’Or

Valérie Lacombe – batterie
Camille Thurman – saxophone tenor (invitée spéciale)
Caoilainn Power – saxophone alto
Mike de Masi – contrebasse

Mercredi 29 avril 2026
Cabaret Lion d’Or
1676 Rue Ontario E
Montréal
20h (ouverture des portes – 19h)

billetterie

l’événement facebook

Pour en savoir plus :

Alain Mercier
514-802-2400
info@divertissementmercier.com

photo : Flore de Ris
graphisme : Clarice Hana

Place aux Jazzwomen @ la Journée internationale du jazz (30 avril 2025)

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Rémi Bolduc et Le Bolduc Groove Quintet (2026), son plus récent projet et album à venir le jeudi 9 avril seront en concert de lancement @ Studio TD. Cet artiste incontournable de la scène jazz canadienne aime bien le groove qu’il joue depuis l’âge de 15 au fils des différents bands et projets. Voici l’entrevue que j’ai réalisée avec Rémi sur ce 12e album, Le Bolduc Groove Quintet (2026).

Le Bolduc Groove Quintet s’est aussi Chantel de Villiers au saxophone ténor et à la voix, Nick Semenykhin à la guitare, Ira Coleman à la contrebasse et Rich Irwin à la batterie.

Claude Thibault : Le Bolduc Groove Quintet, ça évoque un style pour lequel on t’associe moins. Si on regarde tes derniers albums, par exemple, Les Esprits de Paris avec Jerry Bergonzi, et avant ça Swinging with Oscar. Donc, parle-nous un peu de c’est quoi le groove pour toi ?

Rémi Bolduc : Quand j’ai commencé professionnellement à jouer à 15 ans, déjà on jouait des musiques de groove. Puis plus tard, j’ai joué dans des groupes où on jouait de la musique de James Brown, de R&B, et de Motown. Même si mes albums ne sont pas représentatifs de cette musique-là, j’ai quand même écouté Maceo Parker et David Sanborn. À une époque, je jouais dans un groupe qui s’appelait The Beards. C’est pour ça que c’est moins représentatif de mes derniers albums, mais j’ai fait quelque chose de plus avec la guitare électrique sur mon premier album avec Ben Monder à la guitare, Mark Johnson à la contrebasse. Il y avait une pièce là-dessus de Ben qui était très électrique. Donc quand j’étais à New York, je jouais beaucoup avec des guitaristes. C’était plus simple aussi parce que dans les appartements, on n’avait pas de piano nécessairement. Mais ça, ça a amené aussi l’idée de faire le projet avec la guitare. Mais au départ, ce projet-là, finalement, ça a vraiment parti du projet de Chantel de Villiers de faire Funky Princess. Suite à ça, on a joué ensemble, on a gagné le meilleur concert de l’année à la Maison de la culture Côte-des-Neiges pour le Prix Opus. C’est suite à ça que j’ai pensé à ce projet-là, puis quand j’ai commencé à composer la musique, Chantel se remettait à la voix, et puis ça m’a aussi inspiré pour composer certaines pièces où qu’il allait y avoir quand même un peu de voix.

Claude Thibault : Oui, j’ai entendu ça, c’est des très beaux arrangements et une collaboration marquante avec Chantel.

Rémi Bolduc : Oui, ça m’a inspiré pour faire ça, parce que des saxophonistes qui peuvent chanter, il n’y en a pas une tonne.

Claude Thibault : Parlons un peu le répertoire. The Lickin’, Paper Trail, Réflexion harmonique, Ballade pour Chantel, Jazz Buzz, Rhythm The Light, Lumi Tropical, Sunset Square.

Rémi Bolduc : Le premier morceau qui a vraiment commencé ce projet-là, c’est la première pièce qui s’appelle The Lickin’. The Lickin’, quand j’ai pensé à ce projet-là, j’avais une idée dans la tête, comme quand on va dans des gros partys un peu techno, de rave, puis ça commence avec la basse, puis le beat de drum. Fait qu’à partir de là, j’ai composé une pièce qui met ça en évidence. Et puis aussi, The Lickin’, ça vient de la lick. La lick, pour les musiciens de jazz, c’est une mélodie…C’est comme quand quelqu’un joue ça dans le jazz, on disait quelqu’un joue de la lick. On joue une toune de Duke, de Stevie Wonder, on fait l’affaire des Brecker Brothers. Il y a comme différentes licks, ça finit avec une lick de Charlie Parker. C’est un mélange de tout ça avec la voix. Ça fait que ça, c’est la partie, c’est le projet qui a donné un peu de ton à la musique. Mais c’est sûr, moi, quand je part dans quelque chose, ça va tout le temps finir avoir mon son parce que il n’y aura jamais juste un accord. C’est comme ça que j’entends la musique.

Il y a différentes choses là-dedans. Comme Rhythm Delight, c’est vraiment de la guitare de la distorsion. Ça commence avec un gros intro de guitare de distorsion. J’avais envie d’écrire ça. Je visualisais, j’entendais le groupe jouer ça. Donc c’est des idées comme ça. Puis à partir de là, t’articules un peu la musique avec tes connaissances. Puis moi, ce que j’entends des différents groupes autour de moi, par l’entremise de mes étudiants des fois, c’est qu’ils écoutent toutes sortes de musiques. Donc ça me fait entendre d’autres choses. Puis ça reste dans ma tête. Puis quand je compose, je vais m’inspirer de ça.

Claude Thibault : D’ailleurs, parlons de guitare, Nick Semenikin, qui est un guitariste quand même up and coming, on pourrait dire, parce qu’il est connu dans un certain milieu, mais ce n’est pas connu encore du grand public, et qui a quand même un parcours intéressant.

Rémi Bolduc : Nick, premièrement, il vient d’Ukraine. Ses parents sont en Ukraine en ce moment. Donc, il a vraiment connu la guerre et tout ça. Et puis, il s’est retrouvé à New York où il a étudié. Puis, suite à ça, il est venu à Montréal faire sa maîtrise à McGill. Et puis, il était dans mon cours où j’enseigne l’improvisation au niveau maîtrise. Et puis, c’est vraiment un excellent musicien. À New York, il avait enregistré sur la label de Dave Douglas, le trompettiste. Et puis, suite à ça, quand j’ai voulu faire ce projet-là, parce que dans ma tête, je voulais avoir un guitariste qui peut jouer du groove. qui peut jouer distorsion, qui peut jouer quelque chose de plus latin, qui peut jouer sur des pièces avec beaucoup d’accords. Et puis aussi des pièces, des odd meters qu’on appelle. J’ai une pièce en 13/4. Donc avoir tout ça, il n’y en a pas tant que ça à qui je peux penser. Quelqu’un qui n’est pas trop vieux, disponible pour pratiquer. Et c’est vraiment le guitariste parfait pour ça. Sur l’enregistrement, il joue de la guitare acoustique, guitare distorsion, des guitares plus modernes. Il avait amené plusieurs guitares. Donc, c’est un très bon musicien qui a un background qui peut jouer du bop, mais qui peut jouer moderne aussi, puis il est très sérieux aussi. Il regarde sa musique…et il pratique.

Claude Thibault : Puis bon, tant qu’à parler du guitariste, bon, évidemment, on a parlé de Chantel, mais il y a Ira Coleman qui a quand même côtoyé le milieu du jazz, mais aussi pas que le jazz, avec des artistes bien connus. C’est également un collègue de McGill. Puis Richard White aussi qui fait un peu dans tous les genres.

Rémi Bolduc : Dans tous les genres, parce que pour jouer ce style-là, ça prend un batteur qui peut jouer à un moment donné, c’est sûr qu’il a des affaires plus jazz, on va dire, mais souvent quand c’est plus du groove, je veux quelqu’un qui est capable de jouer du groove et du groove intéressant quand même. Oui, puis pas juste un backbeat, je veux dire, qui connaît ce genre-là, qu’on peut interagir, puis Rich fait tout ça lui, aucun problème. Pour ceux qui ne connaissent pas Ira Coleman, c’est quelqu’un qui a joué avec tout le monde, avec Sting pendant trois ans et Tony Williams. Tout à l’heure, on a répété, il dit «ah oui, cet été, je pars en tournée avec Joe Lovano et Jonathan Blake en Europe». Ça fait que je suis content qu’ils soient là. Et puis Chantel, elle a le saxophone et la voix. Puis avec Chantel au saxophone, je peux écrire tout ce que je veux. Elle a étudié à l’Université de Montréal à l’époque. Et puis en saxophone, elle a une très bonne lecture. Donc je ne me sens pas limité dans mon écriture. Puis on a un bon son ensemble, on blende bien ensemble. Notre justesse est bonne parce que des fois on fait des duos ensemble, on joue ensemble, on est habitués de jouer ensemble. Ça, c’est le fun.

Claude Thibault : Donc à ce moment-là, toi t’es sur l’alto ou quoi?

Rémi Bolduc : Ouais, moi je suis juste sur l’alto, puis elle est sur le sax tenor, puis juste la voix. Concernant le concert parce que là c’est du jazz, est-ce que je vais avoir du monde dans ma belle salle ?…parce que le Studio TD c’est une grande salle, je veux qu’il y ait du monde, je ne veux pas qu’on soit 20.

Claude Thibault : Moi, je suis témoin de ta musique et de tes concerts et ça fonctionne toujours très bien. Je suis convaincu et on est là pour t’appuyer dans cette démarche-là.

Rémi Bolduc : Oui, c’est gentil, merci. C’est important parce qu’il n’y a pas beaucoup de médias qui couvrent le jazz comme toi.

Claude Thibault : on va être là, c’est sûr, c’est sûr, parce qu’on a le goût de groover aussi. Alors, qu’est-ce que tu aimerais ajouter pour terminer? Est-ce qu’il y a quelque chose qu’on n’a pas dit, qu’on n’a pas couvert, que tu aimerais dire?

Rémi Bolduc : Moi j’aimerais dire en général, au niveau philosophique, un peu par rapport à la musique et où les arts s’en vont en ce moment, parce qu’il y a beaucoup de polémiques par rapport à tout ce qu’on trouve sur les grandes plateformes numériques comme Spotify, par exemple, en ce moment, où on va parler qu’on écoute des playlists que c’est tout de l’AI, on sait même plus si c’est des êtres vivants. Ça fait que nous autres, les musiciens live, en fait, c’est vraiment pour moi le remède à ça, à ce problème-là, parce qu’en venant écouter les musiciens live, bien là, il n’y a aucun doute, que vous allez entendre des vrais musiciens. Puis je pense que toute cette crise-là va ramener les gens au contact humain direct parce que sinon, tu ne sais plus avec qui tu as affaire. Ça fait que moi j’encourage le monde à embarquer déjà dans ce mouvement-là, le mouvement humain d’aller écouter des musiciens live, moi ou d’autres. L’interaction qu’on a entre nous, en improvisation, c’est vraiment au moment, en temps réel, tu sais. Fait que c’est quelque chose qui est unique à notre musique, pis je pense que c’est quelque chose qui se fait vraiment, qui se partage live, en fait.

C’est ça mon message.

Claude Thibault : Merci Rémi. Alors, pour conclure, ne manquez pas Le Rémi Bolduc Groove Quintet qui sera en concert jeudi le 9 avril au studio TD avec Chantel De Villiers au saxophone ténor, Rémi Bolduc au saxophone alto évidemment, Nick Semenykhin à la guitare, Ira Coleman à la contrebasse et Rich Irwin à la batterie.

11 albums a son actif

Au cours de sa carrière, il a signé 11 albums et partagé la scène avec plusieurs figures internationales du jazz, dont Kenny Werner, Marc Johnson, Ben Monder et Jerry Bergonzi, affirmant ainsi sa place parmi les musiciens marquants de la scène jazz contemporaine.

Le Bolduc Groove Quintet – créer une musique vivante ancrée dans le groove

« L’étincelle de ce projet, Le Bolduc Groove Quintet, viens d’une simple envie : créer une musique vivante, ancrée dans le groove, ou chaque musicien trouve sa place, sa voix et surtout le plaisir de jouer. »

The Lickin’ / Paper Trail / Réflexion Harmonique / Ballade pour Chantel / Jazz Buzz / Rhythm Delight / Nuit Tropicale / Sunset Square

La sortie de ce nouvel album et le concert de lancement du 9 avril 19h30 promettent une soirée d’exception, mettant en lumière toute la richesse artistique et l’expérience d’un musicien qui continue de façonner le jazz avec passion et intégrité.

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Le Bolduc Groove Quintet @ Studio TD

Rémi Bolduc – saxophone alto et compositions
Chantel De Villiers – saxophone ténor et voix
Nick Semenykhin – guitare
Ira Coleman – contrebasse
Rich Irwin – batterie

Studio TD – 305 Ste-Catherine O
Jeudi 9 avril @ 19 h 30
ouverture des portes @ 18 h 30

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Les billets sont offerts au prix régulier de 24 $, et à 15 $ pour les étudiants ainsi que les personnes de 65 ans et plus  : billetterie

Photo : Dariane Sanche

Rémi Bolduc invite Jerry Bergonzi – Les Esprits Oubliés (2023)

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Gabi Hartmann, artiste parisienne née en 1991, s’affirme avec un univers singulier où se rencontrent la pop, le folk, le jazz, la soul et les musiques du monde. Chanteuse polyglotte, elle traverse les styles avec finesse, portant ses émotions dans une voix à la fois délicate et empreinte de mélancolie. Son premier album éponyme, écouté plus de 20 millions de fois et unanimement salué par la critique, a marqué les esprits. Elle viendra défendre son plus récent projet, La femme aux yeux de sel (2025), au Palais Montcalm le 12 mars, puis au Théâtre Outremont le 14 mars. Voici Fall Down avec Erik Truffaz.

Notre collègue Charlotte Désilets a voulu en savoir plus sur le chanteuse et sa musique. Voici l’entrevue.

Charlotte Désilets : Parle-moi de toi en quelques phrases.

Gabi Hartmann : Je suis chanteuse, un petit peu guitariste, compositrice, parolière aussi, et un petit peu productrice de mes propres disques. Et j’ai grandi à Paris. J’ai vécu aussi en Angleterre, au Brésil et un petit peu aux États-Unis.

Charlotte Désilets : Est-ce qu’il y a une de ces disciplines qui est arrivée en premier dans ta vie ?

Gabi Hartmann : Oui, c’était le chant. Depuis que je suis toute petite, c’était une passion, quelque chose qui me touchait beaucoup. Donc je dirais vraiment la voix.

Charlotte Désilets : Et comment en est-tu venue à apprendre à jouer de la guitare ?

Gabi Hartmann : J’ai appris au fil des années. Au début, je jouais pas très bien, j’était autodidacte. Et puis, petit à petit, j’ai commencé à prendre des cours. Et puis, j’ai pris des cours au Brésil quand j’étais là-bas. Et après, j’ai repris des cours à Paris. C’était petit à petit.

Charlotte Désilets : Tu mènes une carrière vraiment impressionnante depuis quelques années. Tu as sorti ton premier album éponyme en 2023 et un La femme aux yeux de sel en 2025. Aujourd’hui, tu fais de la tournée à travers le monde. C’est une ascension quand même fulgurante. Comment tu peux expliquer cette grande reconnaissance qui t’est venue si rapidement, et c’est quoi, le travail invisible qui l’a rendu possible ?

Gabi Hartmann : C’est une bonne réponse déjà, le travail invisible. J’aime beaucoup cette réponse parce que je trouve que ça correspond à beaucoup, beaucoup de travail, même si on ne le voit pas comme ça. Il y a vraiment beaucoup de travail pour avoir créé un univers, pour avoir décidé d’un répertoire, et avoir retrouvé les bons musiciens, travailler avec les bonnes personnes pour les arrangements des chansons. Ça a pris beaucoup de temps. Il y a eu beaucoup d’échecs. Il y a eu des choses qui ont marché, pas marché. Et au bout d’un moment, on se sent content de ce qu’on fait et je crois que c’est le plus important, mais que ça marche ou que ça marche pas, qu’on se sente fier de ce que l’on sort et de ce qu’on fait.

Après, je ne peux pas forcément expliquer pourquoi ça [a fonctionné]. Je dirais que j’ai eu beaucoup de chance et que c’est super et que pourvu que ça dure. Mais peut-être que ça plaît aussi aux gens, le fait que ça soit aussi mélangé et international, mon projet et qu’il n’y a pas forcément une identité précise. Je chante dans plusieurs langues, il y a plusieurs styles et je dirais que ça représente beaucoup aussi notre époque actuelle.

Erik Truffaz et Gabi Hartmann

Charlotte Désilets : Tout de suite après la sortie de ton album Gabi Hartmann (2023), tu as débuté la création de La fille aux yeux de sel (2025). Comment a germé ce projet ?

Gabi Hartmann : J’avais envie que ça soit un album avec une narration. À cette époque-là, j’avais une nièce avec qui je restais beaucoup. C’était la toute première enfant dans ma famille et je me suis dit que ça serait tellement mignon de m’inspirer des contes fantastiques pour enfants. Je me suis dit « je vais créer un personnage et ça serait un peu à l’image de ce que j’aime et de mes influences, de mon univers, mes grandes sources d’inspiration comme l’eau, la mer, la plage ». J’ai créé un personnage inventé qui est né avec des yeux de sel. Elle part en voyage, car elle a une maladie des yeux et à chaque larme versée, elle perd un peu de sa vue. Donc ça m’a permis de parler de la tristesse et des larmes qui sont très associées à la féminité. Et j’ai vraiment voulu mettre en avant la féminité dans cet album.

Charlotte Désilets : Pourrais-tu me dire plus de ce message ?

Gabi Hartmann : Oui, en fait, j’avais vraiment envie de parler de mon expérience en tant que femme artiste, comme chanteuse, comme femme tout court et qui au départ est plutôt fille et devient femme en apprenant, en vivant, en expérimentant. J’avais envie de parler de ce passage où on on sort de l’innocence, de l’adolescence. C’est un passage qui a été important pour moi et j’avais envie de parler de mon évolution en tant que femme et de la maturité que je cherche encore…C’est comme si cet album racontait un peu ma transformation.

Charlotte Désilets : Tu as parlé plusieurs fois dans des entrevues que j’ai regardées, que la musique, pour toi, c’est une forme de guérison pour les autres et pour toi-même, une musique qui apaise le stress. Qu’est-ce qui cause ce stress-là chez toi ?

Gabi Hartmann : Je pense que notre train de vie est très difficile. Quand tu est musicien, quand t’es une femme et que t’es chanteuse et que t’essaies de d’exister dans le monde de la musique, c’est très difficile. Il y a toujours du stress, il faut toujours prouver des choses. Il y a toujours l’anxiété sur « est-ce que ça va continuer ? ». Puis on nous demande toujours de faire vite. Alors que nous, dans la création, on est beaucoup plus lent que ce que nous demande l’industrie de la musique. Alors ça crée forcément des…de l’anxiété, du stress. Et puis parfois, quand on part en tournée, on est fatigués, on dort pas beaucoup. Après, moi, j’ai une nature aussi comme ça, qui paraît calme, mais en fait, qui est une nature très anxieuse. Et la musique, ça a été un moyen pour moi de me soigner. Depuis petite, ça me faisait être dans l’instant présent et ça me permettait aussi de me protéger, d’être dans une bulle qui me protégeait et je pouvais vraiment exprimer des émotions ou en tout cas, cultiver mon jardin intérieur et me connecter à mes émotions quand j’écoutais de la musique, quand j’en faisais et surtout à travers la voix qui pour moi est l’instrument le plus fort avec lequel je me connecte le mieux.

Charlotte Désilets : En fait, je trouve que ça a beaucoup de sens ce que tu m’exprimes, parce que dans ta musique, je sens vraiment beaucoup de douceur, puis d’espace. Tu as parlé que tu faisais de la méditation ?

Gabi Hartmann : J’en faisais, j’en fais un petit peu moins maintenant, mais j’en ai fait comme beaucoup d’années avant l’album, le premier album. Et peut-être que c’est des restes, mais c’est sûr que ça m’a beaucoup transformé la méditation. Heureusement que j’ai trouvé ça, parce que ça m’a beaucoup apaisé dans les moments où c’était stressant. Donc je fais de la méditation et le yoga.

Charlotte Désilets : Un autre aspect qui fascine, dans ta musique, c’est le mélange des cultures, des rythmes, des langues… Est-ce que ce serait une manifestation de certaines valeurs que tu veux partager par rapport au monde auquel tu aspires ?

Gabi Hartmann : Oui, j’ai toujours été dans un environnement très mélangé. Paris, c’est une zone très internationale, tout comme Montréal ou New York. Donc pour moi ce serait faux de présenter un projet dans une seule langue parce que ça représente pas ma vie, et mes amis, et les langues que je parle, et ma sensation de ne pas appartenir à un seul territoire, un pays. Il faut penser que l’humanité a toujours voyagé, s’est toujours interconnectée, mélangée, et je tenais à ce que ça se sente dans ma musique parce que c’est ce que je défends.

Charlotte Désilets : Le fait de mélanger des cultures, est-ce que tu y vois un parallèle avec le fait d’être une femme et d’avoir plusieurs côtés, plusieurs sphères.

Gabi Hartmann : Oui, il y a forcément des parallèles entre toutes mes revendications. Je pense qu’il y a des liens, parce que c’est en tout cas très difficile. Et on est une minorité avec des femmes artistes qui voyagent et qui sont indépendantes. Et aussi, on est une minorité et on est marginalisées. Et donc, forcément, c’est normal que j’en parle et c’est important pour moi que ça soit présent dans ma musique, ces sujets-là.

Charlotte Désilets : Tu parles aussi beaucoup de l’eau, des espaces marins. Et dans tes derniers contenus vidéo, il y avait beaucoup de nature. C’est vraiment très beau et très rare, je trouve, de voir des concerts en pleine nature. Ça fait partie aussi de ton univers ?

Gabi Hartmann : Oui, c’est très important pour moi. C’est une source d’inspiration. C’est là aussi où je me reconnecte. C’est vraiment une source d’inspiration.

Charlotte Désilets : Justement, tu vas venir au Québec bientôt. Est-ce que tu as eu la chance dans tes derniers passages au Québec de visiter la nature, la forêt laurentienne ou les rivages du fleuve Saint-Laurent ?

Gabi Hartmann : Oui, j’ai vu le Fleuve Saint-Laurent, car je suis déjà venue à Québec. C’était très beau.

Charlotte Désilets : Et tu vas revenir le 12 mars et le 14 mars, c’est ça ?

Gabi Hartmann : Oui

Charlotte Désilets : Et qu’est-ce que tu vas nous présenter comme spectacle à Québec, et avec quelle formation ?

Gabi Hartmann : Je vais venir avec mon pianiste, mon batteur et mon bassiste. On sera donc en quartet, et on va jouer les chansons du deuxième album, mais aussi du premier. Et on va, en fait, mélanger un petit peu les chansons.

Charlotte Désilets : C’est quoi la différence entre la musique enregistrée pour toi et la musique que tu vas en personne ?

Gabi Hartmann : C’est tellement une autre expérience. Mais c’est surtout que la musique live, il y a beaucoup d’improvisation et il y a beaucoup d’imprévus. Et en fait, chaque concert est différent. Et c’est surtout un rapport avec un public On n’a pas forcément un public qui nous écoute, c’est nous avec nous-mêmes. Et donc, c’est très, très différent, je trouve, au niveau de la représentation. Et aussi, je trouve que vocalement, on donne beaucoup plus en concert que quand on enregistre un album parce qu’on est plus dans le feu de l’action. C’est plus intérieur, alors que les concerts, pour moi, c’est plus extérieur. On va exprimer plus des choses vers le public, alors que c’est plus intime, l’album. Un concert, c’est plus une expérience où ça sort de nous et on donne ce qu’on veut donner au public. C’est un échange, c’est une communication.

Charlotte Désilets : Quel genre de personne pourrait aimer ta musique, qui pourrait être intéressé à te découvrir ?

Gabi Hartmann : Déjà, les personnes qui aiment bien écouter les voix, les voix jazz, les voix soul, les voix de la chanson. Il y a quand même beaucoup de choses en anglais et en français parce que c’est très important pour moi de chanter dans ma langue maternelle. Donc je dirais, ceux qui aiment bien ce qu’on appelle les musiques dites du monde, les musiques brésiliennes, les musiques latines. Je pense que ça leur plairait de venir. Ceux qui aiment bien le rythme aussi, parce que j’adore danser, j’adore jouer avec le rythme. Et notre musique, c’est dansant et percussif.

Charlotte Désilets : C’est génial. Je pense qu’il y a vraiment beaucoup de gens au Québec, bon moi, qui auraient vraiment hâte de venir te voir.
Est-ce que t’as d’autres projets qui s’en viennent, d’albums, ou est-ce que tu vas être plus dans un espace de tournée, de spectacle ?

Gabi Hartmann : Oui, pour l’instant, c’est que la tournée, mais je vais quand même rester quelques jours à New York et je vais essayer de composer des nouvelles chansons.

Charlotte Désilets : Est-ce que t’as des collaborateurs, des artistes canadiens ou américains avec qui tu vas peut-être collaborer ?

Gabi Hartmann : Pour l’instant, non, mais j’aimerais bien dans un futur.

Charlotte Désilets : En tout cas, j’espère que tu vas pouvoir nous tenir au courant. Aimerais-tu ajouter quelque chose avant qu’on se quitte ?

Gabi Hartmann : J’aimerais te remercier pour ton temps, et j’ai très hâte de venir au Canada.

Charlotte Désilets : Merci à toi ! Bonne suite dans tes voyages et à très bientôt !

La femme aux yeux de sel – Gabi Hartmann @ QC (12 mars) et Mtl (14 mars)

Gabi Hartmann / Caity Georgy  – plateau double
Palais Montcalm de Québec
12 mars @ 19 h 30
pour avoir plus et la billetterie

Gabi Hartmann
Théâtre Outremont
14 mars @ 20 h
pour en savoir plus et la billetterie

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Charlotte Désilets : charlotte.desilets@gmail.com

La chanteuse de jazz et comédienne Charlotte Désilets nous raconte les passionnants concerts et ses rencontres avec les artistes de la grande famille du jazz.

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Le pianiste Omar Sosa et la violoniste-chanteuse Yilian Cañizares présenteront la musique d’Aguas (2018) avec le percussionniste Gustovo Ovalles le 28 février prochain @ la Place de Arts. Nous avons eu l’occasion de discuter avec le célèbre pianiste sur ce projet profondément personnel d’une grande beauté et qui reflète les regards de deux générations d’artistes cubains.

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Dans cette entrevue zoom réalisée par Charlotte Désilets et Claude Thibault il nous parle de son retour à Montréal, sa vision de la paix, de l’amour, et de l’unité, l’importance fondamentale de l’eau sur la planète, sa rencontre avec Yilian, sa longue relation avec Gustavo et le Suba Trio, la connexion entre sa musique et la spiritualité, la Santeria, l’influence de ses voyages, la musique et l’énergie, l’intelligence artificielle et plus.

NDLR : voici la transcription de l’entrevue

Bonjour, je suis Charlotte Désilets de sortiesjazznights.com et aujourd’hui je rencontre le pianiste de renommée mondiale Omar Sosa, qui présentera la musique de son nouveau projet Aguas à la Place des Arts le 28 février à Montréal. Il sera accompagné de la chanteuse et violoniste Yilian Cañizares et du percussionniste Gustavo Ovalles.

Charlotte Désilets : Bonjour Omar, comment allez-vous ?

Omar Sosa : Très bien, très bien. Je suis en Europe en ce moment parce que je suis en tournée, mais je suis vraiment heureux de revenir bientôt à Montréal. J’adore Montréal, j’y vis toujours de très belles expériences. Nous avons la grande chance de présenter Aguas (2018), un projet que nous avons enregistré il y a quelques années. Ce projet est essentiellement basé sur la PAIX, l’amour, l’unité, et sur le rôle fondamental de l’eau sur la planète.

Parce que parfois, tu sais, on boit un verre d’eau sans même réaliser l’importance de pouvoir boire une eau propre et transparente. Aguas veut dire « eau » en espagnol. Pour nous, il est très important de transmettre ce message d’unité. Je le répète : PAIX, en lettres majuscules, amour et unité. C’est ainsi que nous pensons pouvoir contribuer à un monde meilleur.

Charlotte Désilets : Et comment est né ce projet avec Yilian ?

Omar Sosa : Eh bien, il y a très longtemps – je n’ai plus 25 ans, même si j’ai l’impression d’en avoir 27 –, Yilian assurait la première partie d’un de mes concerts en France. J’ai assisté à tout son concert et, quand elle a terminé, je lui ai dit : « Ce ne serait pas une mauvaise idée si on faisait quelque chose ensemble. » Elle m’a répondu : « Wow, ça pourrait être magnifique. » Quelques mois plus tard, nous avons commencé à tourner en duo en Italie.

Puis, après un certain temps, je lui ai dit : « Il nous manque la troisième patte de la table. Il nous faut un percussionniste. » Parce qu’avec seulement piano et violon, à un moment donné, ça devient surtout du piano. La voix n’est pas toujours présente, le violon non plus. Il fallait donc une troisième voix. Et ça faisait déjà plus de 30 ans que je jouais avec Gustavo.

Charlotte Désilets : Oui, il a joué avec toi et Seckou Keita dans le Suba Trio. J’imagine que c’est agréable de renouer avec lui et de refaire de la musique ensemble ?

Omar Sosa : Oui. Il y a une vraie connexion avec Gustavo, ce n’est pas juste un collègue : c’est un ami, un frère. On est une famille. On vieillit ensemble. J’ai rencontré Gustavo quand il avait à peine la fin de la vingtaine…et maintenant, il a presque 60 ans. Moi aussi, j’ai 60 ans, je vais en avoir 61 bientôt. J’ai expliqué à Yilian qu’il nous fallait un percussionniste parce que ce projet, dans sa philosophie et dans la façon dont on présente la musique, exige quelqu’un qui comprenne profondément ce qu’on veut transmettre au public. Et ce message, encore une fois, c’est la paix, l’amour et l’unité.

Charlotte Désilets : C’est précieux d’avoir une connexion comme ça et de partager une même philosophie. Et Yilian ? Vous venez tous les deux de Cuba. Est-ce qu’elle partage aussi ta vision ?

Omar Sosa : Tu poses la question et tu donnes déjà la réponse (rires). Nous venons du même pays, mais pas de la même génération, et j’adore ça. J’ai toujours beaucoup de respect pour les aînés, et dans ce projet, on essaie justement de montrer que l’on peut créer ensemble, peu importe l’âge. Nous sommes avant tout des êtres humains. Si on s’écoute vraiment, on peut atteindre de merveilleux espaces de création. Nous partageons la même tradition et la même culture. Tous les trois, nous pratiquons la Santería, la tradition lukumí à Cuba, où tout est lié à l’esprit, à la vie, aux ancêtres et aux origines.

C’est aussi pour ça que le projet s’appelle Aguas. Dans notre tradition, chaque cérémonie commence par l’eau : on dit Omituto, Anatuto, on verse l’eau sur le sol, puis vers le ciel, pour prévenir les esprits que la cérémonie commence. Yilian est fille d’Oshun, je suis fils d’Obatalá, et Gustavo est aussi fils d’Obatalá – et en plus, il est prêtre. Le projet est donc, d’une certaine manière, une cérémonie. La musique nous permet d’appeler les esprits, les ancêtres, et de dire : nous sommes ici pour représenter notre tradition.

Charlotte Désilets : C’est fascinant. Tu joues partout dans le monde, et ta spiritualité est très présente dans ta musique. Ici, au Québec et au Canada, les gens viennent de traditions religieuses très diverses, et au Québec en particulier, beaucoup se sont éloignés de la religion institutionnelle depuis une cinquantaine d’années. Il y a parfois comme un vide spirituel.

Comment vois-tu le lien entre ta musique, ta spiritualité et des gens qui se questionnent sur le sens de la vie ?

Omar Sosa : C’est une très belle question. En réalité, tout est une question d’énergie. Quand tu donnes de l’amour, il n’y a aucune raison que tu n’en reçoives pas. Quand tu proposes la paix, tu envoies la paix. Si l’autre ne la reçoit pas, c’est qu’il y a un problème ailleurs. C’est exactement ce qui se passe dans le monde aujourd’hui. Nous faisons tous partie d’une seule grande famille : l’humanité. Peu importe la couleur de peau. La plus belle chose, c’est de partager nos cultures et nos traditions avec respect, amour et unité. Et encore une fois : paix, paix, paix. Il s’agit de trouver un équilibre clair, une unité, et de se respecter. On peut tous manger à la même table. Je n’ai pas besoin de te manger pour prendre ta place.

Charlotte Désilets : Comment tes voyages ont-ils influencé ta vision de la vie et de la musique ?

Omar Sosa : Je dis toujours que le meilleur livre que tu puisses lire, c’est celui que tu écris toi-même. En rencontrant des gens, des cultures, des traditions, on découvre la beauté d’être en vie. Être humain, c’est aussi transmettre sa culture et sa tradition aux autres. Et c’est comme ça qu’on grandit. On comprend pourquoi certaines personnes mangent différemment, s’habillent différemment. Ça, c’est le respect. Quand j’ai quitté Cuba il y a 40 ou 50 ans, je ne savais même pas ce que voulait dire namaste. Aujourd’hui, je le sais, parce que des gens m’ont transmis leur tradition, et moi, je transmets la mienne. Quand je dis Ashé, dans notre tradition, ça veut dire « bénédiction ». Au Brésil, à La Nouvelle-Orléans, en Afrique de l’Ouest, c’est la même chose.

Charlotte Désilets : Comment cette rencontre des cultures se reflète-t-elle dans la musique  d’Aguas ?

Omar Sosa : Quand les esprits et les ancêtres viennent à toi, tu traduis leur message. Moi, je le traduis par la musique. D’autres le font avec des mots, d’autres avec la danse. Certains ressentent quelque chose sans savoir comment l’exprimer. Et puis, il y en a qui essaient de traduire ce message pour faire de l’argent. Mais l’argent, en soi, n’est rien. C’est un outil qu’on a créé pour s’organiser. Mais ça, c’est une autre conversation.

Charlotte Désilets : J’ai lu plusieurs articles où tu dis que la musique est, pour toi, une forme de guérison.

Omar Sosa : Oui, on parle de fréquences. Les fréquences peuvent tout guérir… ou tout détruire. Autant les utiliser pour guérir. Parfois, il faut détruire de mauvaises énergies pour laisser entrer les bonnes. Quand je dis détruire, je ne parle pas de bombes : je suis totalement contre la guerre. Tu vois combien de fois je dis « paix » ?

Omar Sosa : Quand je vais mal, je m’assois au piano et je joue. Après quelques minutes, mon énergie commence à flotter dans une rivière claire et belle, comme de l’eau transparente. Transparent Water est d’ailleurs un album que j’ai fait avec Seckou Keita. Aguas, c’est aussi de l’eau transparente. La musique peut guérir. C’est pour ça que je joue. Pas pour la célébrité. C’est parce que l’esprit m’a dit : « C’est ta mission. »

Charlotte Désilets : Une dernière question avant de conclure. Tu as récemment publié une vidéo, Heartwarming Nights of Crickets, qui utilise l’intelligence artificielle. Quelles sont tes réflexions à ce sujet ?

Omar Sosa : Un ami a utilisé des morceaux de mon album solo Sendas dans son dernier documentaire sur Cuba et m’a proposé de faire une vidéo. Il y a des scènes où des robots psychanalysent des humains, puis l’inverse. Aujourd’hui, on utilise beaucoup la technologie. Mais nous devons contrôler la technologie, pas l’inverse. Quand on demande à la technologie ce qu’elle pense, elle tente de changer ta façon de penser. C’est une forme de manipulation psychologique.

Charlotte Désilets : Merci beaucoup, Omar Sosa, d’avoir été avec moi. J’ai très hâte de te retrouver le 28 février à la Place des Arts à Montréal et de découvrir Aguas. Merci pour ton temps et ton énergie. Je l’ai ressentie, et j’espère que les gens qui regarderont cette vidéo la ressentiront aussi. J’espère qu’on partagera encore beaucoup de moments musicaux ensemble.

Omar Sosa : Merci Charlotte. On va passer un moment formidable à Montréal.

Aguas Trio – Omar Sosa et Yilian Cañizares avec Gustavo Ovalles

Omar Sosa – piano et arrangements
Yilian Cañizares – voix et violon
Gustavo Ovalles – percussions

omarsosa.com
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Samedi le 28 février @ 20 h
Place des Arts – Cinquième Salle

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Une production Traquen’art

Charlotte Désilets : charlotte.desilets@gmail.com

La chanteuse de jazz et comédienne Charlotte Désilets nous raconte les passionnants concerts et ses rencontres avec les artistes de la grande famille du jazz.

En collaboration avec Claude Thibault

Aguas – le pianiste Omar Sosa et la violoniste/chanteuse Yilian Cañizares : l’eau rencontre le feu @ PdA (28 fév)

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Au fil des ans et pour ne pas dire des décennies, nous avons maintes fois souligné le travail exceptionnel de la maison de disques française Frémeaux & Associés. Fondée en 1991 par Patrick Frémeaux et Claude Colombini, elle se consacre à la restauration, à la protection et à la diffusion d’une partie importante du patrimoine musical, non seulement français, mais aussi parlé et écrit. De Boris Vian à Michel Legrand en passant par Lalo Schiffrin, John Barr, Henri Savador, Louis Armstrong, Charlie Parker, Claude Bolling ou Miles Davis, nous retrouvons la patte d’Olivier Julien, un maître d’œuvre qui rend hommage à Michael Cuscuna, fondateur de Mosaîc, la Cadillac des enregistrements jazz à tirage limité.

Olivier Julien a réalisé l’intégrale Gainsbourg

Loin d’être un homme secret ou un ermite, Olivier Julien est un véritable touche-à-tout. Il a notamment réalisé l’intégrale Gainsbourg, chez Universal, un travail important en collaboration avec plusieurs artistes. De plus, Olivier Julien a développé sa passion pour les coffrets, afin d’élargir vos connaissances dans divers domaines. En cette ère de numérisation, c’est une interview captivante avec un orfèvre des « temps passés ».

Christophe Rodriguez : Bonjour Olivier Julien. Enfin, j’ai l’occasion de vous rencontrer et de discuter davantage du travail essentiel que vous avez accompli chez Frémeaux & Associés. Touche-à-tout, votre CV en dit très long. Cela peut sembler simpliste, mais comment êtes-vous tombé dans la marmite de la musique, qu’elle soit jazz, de la chanson française ou autre ?

Olivier Julien : La musique est une passion de toujours, déjà, enfant, je retranscrivais les textes des quarante-cinq tours que j’écoutais sur mon mange-disques. Cela a commencé par la chanson française puis, adolescent, j’ai appris l’anglais à l’école, c’est la seule matière qui me motivait, car je pouvais enfin comprendre les paroles des chansons anglo-saxonnes que je commençais à découvrir.

À l’âge de vingt et un ans, j’ai pris mon sac à dos et j’ai déménagé à Londres, où la musique est partie prenante de la vie de la société, cela a pris un essor encore plus important au milieu des années quatre-vingt-dix avec l’arrivée de la britpop qui déclenchait passion et hystérie probablement comme au temps des Beatles. C’est là-bas que j’ai retrouvé par hasard le chanteur français Étienne Daho que je connaissais un peu de Paris ; il m’a emmené dans le tourbillon que fut l’enregistrement de son album Éden et nous sommes devenus inséparables dès 1995. Grâce à lui, j’ai découvert tous les angles des métiers de la musique et j’ai pu rencontrer et côtoyé des légendes vivantes, telle que Marianne Faithfull, Debbie Harry (chanteuse du groupe Blondie), Jane Birkin, Françoise Hardy, Brigitte Fontaine, Dani ou encore Arnold Turboust qui copréside aujourd’hui la SACEM (Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique).

Pendant l’enregistrement d’Éden, j’ai également rencontré le chef d’orchestre David Whitaker avec qui une forte amitié est née, il ne comprenait pas que je l’admire. Il avait pourtant arrangé des chansons telle que Comme d’habitude pour Claude François, Comic strip pour Serge Gainsbourg ou encore le premier quarante-cinq tours de la chanteuse Nico avant qu’elle n’intègre le Velvet underground. C’est grâce à lui que j’ai compris le rôle d’arrangeur et filmer l’orchestre en déambulant au milieu des musiciens en train de jouer reste ma plus grande émotion musicale.

J’ai également rencontré, toujours par l’entremise d’Etienne Daho des jeunes gens que j’ai vus évoluer et qui sont aujourd’hui des pointures de la scène musicale française, tels que l’auteur Doriand ou la musicienne compositrice et productrice Édith Fambuena qui ont, entre de nombreux autres, travaillés avec Alain Bashung, qui fait également partie de mes artistes français favoris. C’est également à Londres que j’ai découvert le jazz dans un petit club du quartier de Stoke Newington.

Christophe Rodriguez :  Olivier Julien, au panthéon de votre carrière, je ne veux en aucun cas vous vieillir, il y a le monumental Gainsbourg chez Universal et le Michel Legrand pour Frémeaux. Dans les deux cas, comment avez-vous procédé et, pour le néophyte, comment se passe le travail de recherche, de droits et de mise en place des années de travail et des pièces ?

Olivier Julien : J’ai cinquante-quatre ans et, concernant Serge Gainsbourg, c’est une histoire d’amour qui dure depuis mon plus jeune âge, il reste pour moi le plus grand artiste français qui ait jamais existé. Je vais faire court, mais j’ai mis quinze ans, sur la foi d’un entrefilet dans un vieux journal de 1974 sur lequel j’étais tombé adolescent, à retrouver les bandes d’un morceau qu’il avait écrit pour la chanteuse et comédienne Dani. Ce morceau inédit, dont on ne savait même pas s’il en existait un enregistrement s’est avéré être le titre Comme un boomerang qu’Étienne Daho et Dani ont choisi d’enregistrer en duo en 2001. Ce fût un succès immédiat, le titre qui s’est classé en haut des hit parades et s’est vendu à 220 000 exemplaires en singles sans compter les multiples compilations.

Collectionneur, j’ai travaillé sur différents ouvrages et expositions sur Serge Gainsbourg dont la biographie incontournable de Gilles Verlant, puis en 2011, la maison de disques Universal m’a appelé pour travailler sur l’intégrale des enregistrements de Serge Gainsbourg en me concentrant sur les archives inédites dans un coffret de 20 CD, j’ai ainsi pu exhumer des pépites telles que ses interprétations de Parce que de Charles Aznavour, des Play-boys de Jacques Dutronc ou encore sa version de J’entends siffler le train de Richard Anthony, qui dans la bouche de Gainsbourg semble plus parler de la déportation des juifs pendant la Seconde Guerre mondiale que d’une histoire d’amour qui était son sens initial. Ces archives issues d’une émission d’Europe 1 de 1974 n’avaient jamais été rediffusées.

Lorsque j’ai retrouvé la bande de Comme un boomerang, j’y ai trouvé l’incroyable : en fin de piste, Serge Gainsbourg lui-même avait enregistré le morceau pour en faire un guide voix pour Dani durant l’enregistrement de 1974, qui n’avait pas été finalisé. Cette version qui n’avait jamais été pensée pour être commercialisée est devenue le morceau phare de l’intégrale et est ainsi sortie en quarante-cinq tours et CD single promo, elle s’est même placée dans les hit parades. Bien qu’il n’y ait eu qu’une seule prise, son interprétation est magistrale, même si elle n’est pas parfaite. L’enregistrement est sorti en 2011 grâce à l’autorisation des ayants droit de Gainsbourg, qui sont ses quatre enfants, dont Charlotte et Lulu Gainsbourg. J’ai ensuite logiquement fait chez Frémeaux & Associés deux coffrets (2×3 CD) qui lui sont consacrés ainsi qu’à ses premiers interprètes prestigieux ou inconnus.

Concernant Michel Legrand, l’idée de faire un coffret m’a semblé évidente car une grande partie de sa discographie n’existait pas en CD et ce qui devait être un triple CD est devenu devant l’importance de mes trouvailles et sous l’impulsion de Patrick Frémeaux un coffret de 10 CD que j’ai mis des mois a réaliser. Il comporte de nombreux enregistrements de jazz, dont le fameux Legrand Jazz de 1958, avec notamment Miles Davis. La quête des enregistrements originaux s’est avérée complexe et j’ai découvert pendant le processus de création des interprétations que je ne connaissais pas. Je suis particulièrement admirateur de ses musiques de film, elles figurent ainsi dans ce coffret qui couvre la période 1953-1962. On y retrouve La chanson d’Angela par Anna Karina créée pour le film Une femme est une femme de Jean-Luc Godard ou encore le superbe Sans toi interprété par Corinne Marchand dans Cléo de 5 à 7 d’Agnès Varda. Ce sont mes seules entorses à l’intitulé d’instrumental du coffret. Pour ce qui est de la gestion des droits, Frémeaux & Associés possède un département juridique très compétent à qui je peux faire appel en cas de besoin.

Christophe Rodriguez : Alors que les coffrets dédiés à des artistes de la chanson, du classique ou des instruments se font de plus en plus rares, j’ai tenu à mettre en évidence le travail remarquable que vous accomplissez avec la maison de disques Frémeaux.

Vous avez accès à une source inépuisable de musique, si je puis dire. L’institut national d’audiovisuel (INA), tout ce qu’Europe 1 a enregistré en direct (Frank Ténot & Daniel Fillipachi), sans oublier les compagnies de disques.

Est-il facile de se procurer les enregistrements et/ou comment se fait la négociation ? C’est un travail titanesque et certainement de longue haleine.

Olivier Julien : Des artistes français qui m’avaient bercé et qui me paraissaient incontournables n’étaient pas ou peu représenté chez Frémeaux & Associés, j’ai donc naturellement proposé des coffrets à Patrick Frémeaux en commençant par Barbara, Georges Moustaki et Léo Ferré (2 coffrets) avant d’oser m’attaquer aux deux monstres sacrés que sont Georges Brassens et Jacques Brel qui ont chacun eu droit à un coffret de 6 CD contenant leurs titres les plus connus ainsi que des raretés et les interprètes de leurs chansons.

L’unique album de Boris Vian est une pierre angulaire de la chanson française à mes yeux, tout comme il l’était pour Gainsbourg, j’ai recherché ses chansons écrites pour les autres et j’ai trouvé de nombreux disques qui sont des pépites de drôlerie et d’humour grinçant du Fais moi mal Johnny ! chanté par Magali Noël à La fiancée du Capitaine interprétée par un certain Louis Massis, le coffret comporte en tout 64 titres dont les trois quarts n’existaient pas en CD.

La réputation de Frémeaux & Associés n’est plus à faire et mon ami de 25 ans, l’éditeur Laurent Balandras m’a rapproché de la femme de Gilbert Bécaud : Kitty. Nous avons ainsi réédité ensemble son unique opéra, L’opéra d’Aran, sous la forme d’un double CD.

C’est dans cette même confiance qu’Hugues Aufray lui-même a signé le livret du coffret que j’ai consacré à ses débuts avec là encore de vraies raretés, telles que ses premiers enregistrements lorsqu’il chantait au sein d’un groupe folklorique. Pour finir avec les monstres sacrés de la chanson française, j’ai concocté un coffret de 6 CD sur Charles Aznavour en débutant sur ses enregistrements de la fin des années quarante alors qu’il se produisait avec Pierre Roche dans les cabarets de Montréal.

J’ai également consacré des coffrets à des poètes et écrivains qui ont été mis en chansons : Françoise Sagan, Raymond Queneau, Jacques Prévert et Louis Aragon avec toujours des titres rares et des interprétations inattendues, voire inédites, obtenues auprès des recherches qui ressemblent souvent à des enquêtes.

C’est par le biais de coffrets pour des chanteuses telles que Blossom Dearie ou Helen Merrill que je suis revenu au jazz. Je me suis ensuite intéressé aux premiers enregistrements d’Alain Goraguer sous son nom et qui n’avaient été que très partiellement réédités, alors qu’aussi bien ses musiques de film que ses albums et quarante-cinq tours sont de véritables chefs d’œuvres. Il a comme vous le dites, non seulement été le pianiste de Boris Vian, mais également l’arrangeur des six premiers albums jazz de Serge Gainsbourg. Je suis tristement heureux qu’il ait pu découvrir ce coffret de 3 CD qui le consacrait avant de disparaître en 2023.

Pour Toots Thielemans, je ne connaissais comme beaucoup que son titre Bluesette de 1963, avant de découvrir qu’il avait déjà un riche passé, Patrick Frémeaux m’a validé un projet d’intégrale de ses jeunes années et je l’ai vraiment découvert au fil de mes recherches.

C’est à peu près la même chose pour Lalo Schifrin que je connaissais surtout pour ses partitions pour Mission Impossible ou Bullit. J’ai pu emprunter un très rare album de 1955 enregistré alors qu’il résidait en France pour y terminer ses études : Rendez-vous dansant à Copa Cabana avec Lalo Schifrin, son piano et ses rythmes. J’ai ainsi pu le rematricer et le rééditer dans le cadre d’une intégrale qui couvre la période de 1955 à 1962. Dans la même veine des grands noms qui ont composé pour le grand écran, j’ai également commis des coffrets consacrés à Georges Delerue, Michel Jarre, Michel Magne et Nino Rota ainsi qu’une compilation très jazzy des musiques de film de la nouvelle vague.

Pour trouver des pépites, après avoir écumé les vide-greniers tous les week-ends depuis mon enfance et avoir accumulé des milliers de disques, j’ai désormais également accès aux archives de la BNF (Bibliothèque nationale de France) ainsi qu’à la discothèque de Radio France. En outre je connais un réseau de collectionneurs chacun spécialisé dans son domaine qui possèdent souvent des enregistrements rares, voire uniques. Les négociations avec les maisons de disques sont plus complexes et, bien souvent, elles n’ont même pas notion de la valeur historique et patrimoniale de leur propre » back » catalogue. Elles sont plus dans une logique d’immédiateté et de course au tube qui va rapporter des millions. J’engage généralement les négociations, puis le service juridique prend le relais.

Christophe Rodriguez : Qu’est-ce qui vous rend le plus fier en fin de compte ?

Olivier Julien : D’avoir largement contribué à faire exister le dernier tube de Serge Gainsbourg de façon posthume. Comme un boomerang s’est instantanément imposé comme un classique de la chanson française dont on ne compte plus aujourd’hui les reprises.

La valorisation, la sauvegarde et la transmission du patrimoine sont nos valeurs communes avec Patrick Frémeaux. Si certains de mes coffrets ont permis a des personnes de découvrir ou redécouvrir des artistes, la mission est remplie.

Christophe Rodriguez : En terminant, à quoi pouvons-nous nous attendre dans les prochains mois, en particulier pour Noël où vous allez certainement sortir « un chapeau » de votre sac ?

Olivier Julien : Je peux vous parler des coffrets consacrés à John Barry, Eartha Kitt ou encore Shirley Bassey ainsi qu’une compilation d’artistes étrangers chantant en français. Du côté Gainsbourg, de nouvelles sorties sont prévues, notamment avec de la musique inédite toujours en accord avec la famille. Je ne peux pas encore en dire plus à ce stade.

Je viens de mon côté de créer un label de musique qui se nomme BIZY RECORDS du nom d’un des quartiers de la ville où je réside et/ou je suis né en Normandie : Vernon, qui est accolée à Giverny, le village où a vécu le peintre Claude Monet et où il a notamment peint ses fameux nymphéas. Dans cette structure, je développe de nouveaux artistes et vais bientôt commencer à produire des compilations au format vinyle qui est actuellement très en vogue.

J’organise également la venue d’artistes français à Berlin et quand c’est possible dans toute l’Allemagne en partenariat avec l’ambassade de France, et j’aimerais développer des événements culturels avec la Mairie de Vernon. Je commence également à préparer des événements autour du centenaire de Gilbert Bécaud en 2027, dont une exposition dans sa ville natale de Toulon dans le sud de la France en partenariat avec la mairie et la famille Bécaud, j’espère ainsi pouvoir remonter l’opéra d’Aran avec l’orchestre symphonique de la ville.

Pourquoi pas également un jour écrire un ouvrage pour Frémeaux & Associés sur un artiste ou un mouvement musical, ils sont désormais également éditeurs de livres avec une ligne éditoriale que je trouve passionnants dans la continuité des coffrets musicaux.

Enfin je voulais vous préciser qu’au début des années 2000, à mon retour de Grande-Bretagne, c’est par l’intermédiaire de la production de vidéoclips que j’ai abordé la musique, j’ai eu la chance de me confronter à la french touch en travaillant comme producteur avec des gens comme David Guetta, St Germain (signé chez Blue note) ou Laurent Garnier, entre autres, j’ai également produit des clips de variété française tels qu’Henri Salvador avant d’aborder l’étranger dont une collaboration passionnante avec Peter Gabriel puis de me frotter au rap avec des artistes, comme IAM, Method man et Redman. Je suis ensuite parti en 2006 à Berlin, ou je me suis investi dans des expositions d’arts plastiques avant d’ouvrir une galerie d’art à Cologne (encore un point commun avec Frémeaux et Associés qui possèdent une galerie d’art à Vincennes) tout en faisant quelque dates comme DJ dans des salles en vue pour faire découvrir la musique française à un public allemand qui est là-bas très francophiles.

C’est cette activité ainsi que l’activité de galeriste qui m’a amené a travaillé avec l’Ambassade de France (Institut Français) pour qui j’ai réalisé des événements culturels, artistiques et musicaux. Vous comprendrez peut-être ainsi mieux mon éclectisme et je garde toujours comme leitmotiv une phrase d’une chanson d’Étienne Daho : « L’art est ma raison ».

Frémeaux et Associés est l’éditeur de référence du patrimoine musical et de la Librairie Sonore

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique jazz a Ted Audio et La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Dans le piano de Claude Bolling – un film de Vincent Perrot (il nous quitte le 29 déc 2020)

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