Il est indéniable que Montréal regorge de musiciens talentueux. Cependant, il ne faudrait pas négliger nos amis de Québec, tels que le contrebassiste Thierry Du Sablon, avec sa nouvelle création portraits de mon chez-moi (2026).

portraits de mon chez-moi (2026) est plus qu’un simple album estival

portraits de mon chez-moi (2026) est plus qu’un simple album estival, les sept pistes introspectives, toutes aussi poétiques les unes que les autres, vous feront oublier le temps gris parfois, les cônes orange (il y en a toujours) et les petits inconvénients de la vie. Pourquoi parlons-nous de cela avec tant de brio ? C’est parce que le contrebassiste et ses comparses n’essaient pas de nous en mettre plein la vue.

Thierry Du Sablon avec Nathan Acupan, Alex Farrar et Robin Jake Wilson

Je pense que tout est simple dans son approche, poétique, répétons-le, et qu’on peut tout déguster lentement, en apprivoisant peu à peu le chemin parcouru. L’entente est parfaite entre les musiciens, qui sont un bon nombre. Outre le contrebassiste, nous retrouvons : Nathan Acupan (batterie), Alex Farrar (saxophone alto) et Robin Jake Wilson (piano).

Brandy des Jobin / Reel à Rosie / Ti-Sam / L’éternelle ritournelle / Chapitres / 956 Moncton / Un nouveau jour va se lever / Lalonde

956 Moncton si tu aimes l’univers de Pat Metheny

Maintenant, passons aux choses sérieuses après deux écoutes serrées. Avec 956 Moncton, ceux et celles qui aiment ou ont aimé l’univers de Pat Metheny ainsi que le jazz dit fusion y trouveront matière à échanges. Le clavier est omniprésent, puis basse et batterie ponctuent allégrement ce voyage, disons dynamique. Les chorus sont largement distribués et le claviériste Robin Jake Wilson emporte la palme.

Brandy de Jobin – sonorité voluptueuse, harmonies flottantes et parfois hypnotiques

Avec Brandy de Jobin (pièce d’ouverture), nous sommes encore en terrain connu avec un saxophoniste qui fait référence encore à un jazz fusion de bon goût, très proche de ce qu’aurait ou faire la formation Weather Report. Sa sonorité est voluptueuse, avec des harmonies flottantes parfois hypnotiques. Tout cela avec du « groove » intelligemment conçu.

Lalonde – balade charmante et captivante

Nous conclurons cette chronique avec Lalonde. C’est une balade semi-robuste, charmante et captivante, soutenue par un piano cristallin qui oscille entre le jazz et des touches de rock, si l’on se fie à la puissance percussive du batteur. Avec des chorus sous haute densité, encore un beau coup de chapeau au claviériste. Tout est permis. Bravo !

Thierry Du Sablon – portraits de mon chez-moi (2026)

Thierry Du Sablon – contrebasse, basse et composition
Nathan Acupan – batterie
Alex Farrar – saxophone alto
Robin Jake Wilson – piano

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Loïc Du Sablon – Belvédère (2025)

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Sans renoncer à leur langage expérimental, Mary Halvorson et  Ambrose Akinmusire privilégient une approche intimiste qui laisse libre cours aux conversations musicales

Après plusieurs tentatives d’enregistrement avortées, les deux étoiles de l’avant-garde new-yorkaise se retrouvent enfin en duo, formule qu’ils connaissent bien pour l’avoir explorée aux côtés de Bill Frisell et Marc Ribot pour l’une, et de Dave Holland pour l’autre. Il en résulte neuf nouveaux titres très atmosphériques qui misent sur un équilibre subtil entre virtuosité et intuition. Sans renoncer à leur langage expérimental, le duo privilégie une approche intimiste qui laisse libre cours aux conversations musicales et à l’exploration timbrale.

L’ouverture, Prelude in the Ash, constitue une entrée en matière plutôt accessible

L’ouverture, Prelude in the Ash, constitue une entrée en matière plutôt accessible, surtout considérant la suite. Introduite à la trompette, la pièce installe un air de mélancholie que la guitare, simple mais très expressive, vient progressivement enrichir de motifs délicats, de glissements harmoniques et de subtils glitchs mélodiques. Minimaliste mais particulièrement efficace, ce premier dialogue évite le sentimentalisme bonbon avec ses couleurs instables qui donnent presque l’impression que la pièce se déconstruit progressivement, avant de se recomposer à la toute fin. Cette fébrilité annonce l’esthétique générale de l’album, où chaque thème semble pouvoir basculer à tout moment.

L’un des moments forts de l’album, Soundcheck, pousse encore plus loin cette approche

La suite se révèle tout aussi ambivalente, comme This Vivid qui rompt brusquement avec le calme initial en intégrant des effets, des boucles vocales, des cris et des textures électroniques qui transportent les musiciens en territoire plus expérimental. L’un des moments forts de l’album, Soundcheck, pousse encore plus loin cette approche en superposant des mélodies de trompette aux accords sinueux de Mary Halvorson, faisant émerger un dialogue qui se fraie un chemin malgré le chaos apparent. Plus largement, les deux musiciens poussent leurs instruments dans leurs derniers retranchements, chaque son semblant se démultiplier et se réinventer sans cesse.

Slo-Mo Neon Luminate Hoverings, conclut l’album dans une atmosphère cinématographique

L’album alterne ensuite entre ballades intimistes et paysages sonores abstraits. Tangled Pretty et Blood and Sand mêlent mélodies tortueuses et harmonies impressionnistes, alors que la finale, Slo-Mo Neon Luminate Hoverings, conclut l’album dans une atmosphère cinématographique où les textures se déploient avec une lenteur hypnotique. Refusant le caractère purement contemplatif parfois associé au jazz contemporain, Mary Halvorson et Ambrose Akinmusire préfèrent cultiver l’art de la surprise, chaque motif étant susceptible de se fissurer, de se transformer ou de prendre une direction inattendue.

Au final, Slo-Mo Neon Luminate Hoverings (2026) demeure étrangement accessible pour un album de jazz expérimental, notamment grâce à sa remarquable cohésion stylistique, la complicité du duo nourrissant une musique à la fois inventive et très vivante.

Prelude in the Ash / This Vivid / Nice to meet you again for the first time / Soundcheck / Watersmoke / Tangled Pretty / Ofo / Blood & Sand / Slo-Mo Neon Luminate Hoverings

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Ambrose Akimusire – trompette

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Mary Halvorson – guitare

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Mary Halvorson – About Ghosts (2025) – l’album #3 de 2025 d’Arnaud G. Veydarier

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Lorsque les étoiles sont alignées, une nouveauté émerge, une musique qui allie parfaitement jazz et swing, accessible à tous, et c’est ce que nous promet Changing Tide (2026) de l’Auburn Quartet. Au cœur de l’ensemble qui gravite autour de North Hatley/Cantons de l’Est et du Festival de Jazz de North-Hatley (5-9 août) on retrouve le guitariste Jon Gearey, le pianiste Eric Harding, le contrebassiste Carlos Maldonado Cisneros et le batteur Guillaume Pilote.

Eric Harding séduit par sa finesse et le dialogue presqu’improvisé qu’il entretient avec Jon Gearey

Eric Harding séduit par sa finesse et son intelligence, et par le dialogue presque improvisé qu’il entretient avec Jon Gearey. Ce duo évoque un style similaire, mais avec des ruptures modernes, à ce qui caractérise Nat King Cole, le pianiste accompagné par son guitariste John Collins (The Complete After Midnight Sessions) 1956.

Last Chance – une harmonie de discours

Nous assistons à une harmonie de discours, mise en évidence par l’élégance et la maturité de ces artistes, qui démontrent une connaissance encyclopédique très approfondie du jazz. Deux fois, et pour que mon oreille saisisse tout, j’ai écouté Last Chance.

Sept plages originales et une belle reprise de If I Should Loose You

En tout, il y a sept plages originales avec une très belle reprise du standard : If I Should Loose You. La musique a un tempo relativement dynamique et elle est parfaitement dans le ton, avec juste ce qu’il faut de muscle. Le guitariste rend hommage à sa manière au maître que fut Joe Pass. Tout est bâti en petites touches, avec des solos éblouissants qui entament une conversation avec ses collègues musiciens. Le pianiste Eric Harding, en « rajoute une coche » tout à fait dans un swing de bon goût avec une patte que tout jeune instrumentiste voudrait écouter.

House on the Point, une texture estivale avec des accents légers de merengue

Enfin, nous allons terminer avec la belle composition House on the Point, une texture estivale avec des accents légers de merengue. Vous n’avez pas besoin de plus pour adopter ces quatre musiciens qui ont vraiment le don de nous rendre heureux, que vous aimiez le jazz ou non !

Last Chance / Walk The Walk Tk2 / House On The Point / Look Up / Changing Tide / If You Should Lose Me / Cedarwould / Walk The Walk Tk 3

https://ericharding1.bandcamp.com/album/changing-tide

Auburn Quartet – Changing Tide (2026)

Jon Gearey – guitare
Eric Harding – piano
Carlos Maldonado Cisneros – basse
Guillaume Pilote – batterie

NDLR : Jon Gearey, Eric Harding et Carlos Maldonado Cisneros font partie de l’équipe des organisateurs du 2e Festival de Jazz de North Hatley qui aura lieu du 5 au 9 août 2026. On y était l’année passé et c’est vraiment exceptionnel comme première édition ! On recommande.

https://sortiesjazznights.com/le-festival-de-jazz-de-north-hatley-2026-2e-edition-5au9aout/

Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

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Né de la rencontre impromptue entre Kiefer, CARRTOONS et Nate Smith, le collectif FATHERS livre un premier album éponyme tout à fait à l’image de ses constituants, entre jazz, hip-hop et néo-soul.

D’une rencontre au FIJM 2023 à l’étiquette Blue Note avec Kenny Beats

Réunis pour la première fois lors de la résidence de Nate Smith au Festival International de Jazz de Montréal en 2023 (voir notre captation vidéo), les trois musiciens ont rapidement développé une complicité qui s’est prolongée sur scène avant de prendre forme en studio. Ce qui ne devait être qu’un simple essai technique dans le studio fraîchement aménagé du producteur Kenny Beats, s’est finalement transformé en deux journées d’improvisation, donnant naissance à un premier album sur l’étiquette Blue Note. Cette spontanéité transparaît par ailleurs sur l’ensemble de l’album, où la production méticuleuse de Kenny Beats préserve toute la fraîcheur et le naturel des échanges.

Eye Level, Patchwork, et Pearl – un des moments forts de FATHERS

L’album s’ouvre avec Eye Level et Patchwork, posant les bases de la recette musicale du trio : la basse mélodique de CARRTOONS en constant dialogue avec les claviers de Kiefer, alors que Nate Smith construit ses rythmes avec la précision redoutable et le sens du groove unique qu’on lui connaît. Les motifs mélodiques courts, répétés et transformés, rappellent parfois l’esthétique des mixtapes ou du sampling propres au hip-hop. Cette approche atteint son sommet avec Pearl, dont les accents latins et la fluidité des lignes mélodiques en font un des moments forts de l’album.

The Leak, Tomorrow Again et Stub

L’album adopte parfois un ton plus contemplatif, comme sur The Leak avec son tempo ralenti qui met en valeur les variations millimétrées du groove, laissant davantage d’espace aux longues lignes de basse et aux textures atmosphériques de synthés. Tomorrow, Again poursuit dans cette veine intimiste avec sa mélodie très épurée, soutenue par un combo basse-batterie qui ancre solidement l’ensemble. À l’inverse, Stub concentre toute son énergie autour d’un motif bref et percutant où les synthés et la batterie adoptent la rigueur programmatique d’une boîte à rythmes, alors qu’il s’agit toujours d’une performance live.

Front Yard et Figure 8

La conclusion de l’album confirme la personnalité unique du projet. Front Yard s’appuie sur une ligne de basse autour de laquelle les autres gravitent avec légèreté, évoquant pleinement la sensation d’une jam session. Enfin, Figure 8 densifie progressivement son matériau mélodique en superposant piano acoustique, synthés et effets électroniques jusqu’à un final lumineux.

Parfois un peu répétitif dans sa facture, FATHERS (2026) n’en demeure pas moins une proposition musicale originale

Parfois un peu répétitif dans sa facture, FATHERS (2026) n’en demeure pas moins une proposition musicale foncièrement originale qui voit trois superbes musiciens revisiter les codes du trio de piano en l’ouvrant au hip-hop et à l’électro, insufflant un vent de fraîcheur à l’un des formats les plus emblématiques de l’histoire du jazz.

Eye Level / Patchwork / Pearl / Stub / The Leak / Tomorrow Again / Front Yard / Figure 8

Kiefer – claviers
CARRTOONS – basse
Nate Smith – batterie
Kenny Beats – producteur

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Kiefer – When There’s Love Around (2022)

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Avec ce Parfum no. 3 (2026) révélé au Dièse Onze pendant le FIJM 2026, Jacques Kuba Séguin conclut La Trilogie des odeurs, et en quelque sorte, une vie de travail. En effet, il a imaginé le cycle d’un parfum (naissance, maturation, puis disparition), ce qui représente une métaphore du temps humain et une manière sensible d’évoquer les parcours, les émotions et les pertes.

Si le Parfum no.1 (2023) reposait sur son quartette de base, le Parfum no. 2 (2024) a permis l’intégration de l’Orchestre national de jazz de Montréal tandis que le Parfum no. 3 (2026) s’est allié l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières et son chef le tromboniste Alain Trudel.

Trilogie des odeurs (2026) – un triptyque ambitieux

Ce triptyque ambitieux rappelle les grandes heures de Gil Evans (La Nevada) et, plus encore, celles de Duke Ellington avec Togo Brava Suite, My People ou, dans une moindre mesure, Far East Suite. Sa réalisation a exigé une détermination sans faille et une foi inébranlable, portées par le chef et tromboniste Alain Trudel à la tête de l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières. Ce projet, après des années de labeur, atteint enfin son apogée. À ses côtés, le quartette habituel composé du pianiste Jean-Michel Pilc, du batteur Rich Irwin et du contrebassiste Morgan Moore.

Elizabeth Shepherd — tantôt émouvante, à certains moments féline

Ce Parfum no. 3 (2026) vous accompagnera pendant une longue période. Prenez le temps de vous asseoir et d’écouter pour en apprécier toute l’étendue. Quant à la voix d’Elizabeth Shepherd — tantôt émouvante, à certains moments féline —, on la retrouve dans How We Start Again. Magnifiée par la présence de l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières, et plus particulièrement par sa section de cordes.

Les surprises se succèdent sur Parfum no. 3

Les surprises se succèdent, car Jacques Kuba Séguin domine parfaitement les codes de la composition et ceux de la musique de film. Dans Il n’y a pas de hasard, l’introduction évoque un suspense policier captivant. Pendant ses chorus dans Le Maître des lieux les cordes fournissent un appui massif, presque hypnotique.

Concluons avec Le cortège des fragrances

Puisqu’il est question de parfum, concluons Parfum no. 3 (2026) avec Le cortège des fragrances. D’un coup, l’esprit se transporte dans un jazz West Coast aérien et sensible, empli de volupté. Un immense travail qui met en valeur Jean-Michel Pilc (quelle inventivité!) et convoque, par instants, des brumes de Sketches of Spain, où Jacques Kuba Séguin se fait plus Clifford Brown que Miles Davis.

C’est une œuvre unique et abondante, remplie de trésors inestimables, avec des thèmes admirables. « Une expérience sensorielle » selon les mots du compositeur. Nous sortons de cet enregistrement subjugué.

How we start again / Il n’y a pas de hasard / Fugue avec Anaïs (À Métis) / Entre l’exil et l’insomnie – partie 1 L’exil / In coelum / Entre l’exil et l’insomnie – partie 2 L’insomnie / Le cortège des fragrances (Les aléas de madame P.)

Jacques Kuba Séguin – trompette, composition et arrangements
Jean-Michel Pilc – piano
Rich Irwin – batterie
Morgan Moore – contrebasse
Elizabeth Shepherd – voix et paroles
Orchestre symphonique de Trois-Rivières
Alain Trudel – chef d’orchestre et trombone

sortie : mai 2026

Parfum no. 1 (2023)

Vous aimez la poésie et les odeurs enivrantes, cela tombe bien. Avec Parfum no.1, un premier album de sa Trilogie des odeurs, le trompettiste Jacques Kuba Séguin vous fera passer de belles heures sur les flots du jazz. Homme d’aventures aux multiples projets, ce trompettiste innove toujours et ne se repose jamais sur les ses lauriers comme en fait fi cette nouveauté, qui fleure bon le printemps que nous espérons tant.

Parfum n°1 – six plages qui explorent les souvenirs des odeurs

Si la fragrance Chanel n°5 s’est inscrit dans le temps, nous souhaitons ardemment que ce Parfum no.1 ait le même succès. En six plages originales, nous explorons le monde des souvenirs reliés à des odeurs particulières comme convenu dans le titre. Entouré d’une très solide équipe : le pianiste Jean-Michel Pilc, le contrebassiste Rémi-Jean LeBlanc, le batteur Kevin Warren et la chanteuse Elizabeth Shepherd, le voyage peut commencer.

La danse du hasard / Promesse de souvenirs / Rencontre au berceau / Je suis là / Éphémère / Candeur

Jacques Kuba Séguin – trompette, composition et arrangements
Jean-Michel Pilc – piano
Rémi-Jean LeBlanc – contrebasse
Kevin Warren – batterie

Parfum no. 1 – notre texte complet de 2023

sortie : février 2023

Parfum no. 2 (2024) – cinq compositions toutes aussi personnelles les unes que les autres

Après l’enfance, notre corsaire de la note bleue explore l’âge adulte, excitant et exaltant, mais aussi marqué par quelques déceptions ainsi que des réussites, une chance.  Autour de cinq compositions toutes aussi personnelles les unes que les autres, il s’est également entouré d’une rythmique de base avec des sérieux complices. Au piano, nous rencontrons : le pianiste Jean-Michel Pilc, le contrebassiste Rémi-Jean Leblanc ainsi que le batteur Kevin Warren.

La danse du hasard et des dangers

Si esprit il y a, et sans toutefois copier, nous retrouvons ;  les essences du chef d’orchestre/compositeur Gil Evans et l’âme du trompettiste Clifford Brown, influence majeure de notre ami Jacques Kuba Séguin. Et ça swingue comme dans les beaux jours. Ouvrons avec : La danse du hasard et des dangers. Le travail d’écriture sublime se veut un écrin pour notre trompettiste qui « envoie » largement.  De l’union des instruments en présence à la dynamique de l’orchestre qui propulse les chorus du maître des lieux, ça commence de façon remarquable, avec en arrière-plan, la patte ébouriffante du pianiste Jean-Michel Pilc.

La danse du hasard et des dangers / 40 is the new 30 / 26 printemps / Paysage pour Muniak / Gratitude

Jacques Kuba Séguin – trompette, composition et arrangements
Jean-Michel Pilc – piano
Rémi-Jean LeBlanc – contrebasse
Kevin Warren – batterie

L’Orchestre national de jazz de Montréal
Philippe Côté – chef d’orchestre

sortie : mai 2024

Parfum no. 2 – notre texte de 2024

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Jacques Kuba Séguin

Jacques Kuba Séguin compose pour ses formations à géométrie variable, tels Odd lot et Litania Projekt, en plus d’écrire pour orchestre symphonique. Interprète passionné, il possède une voix distincte et un charisme scénique indéniable. Il est reconnu comme l’un des plus brillants trompettistes canadiens de sa génération. Ce canadien-polonais se produit régulièrement en Pologne avec ses ensembles ou aux côtés du pianiste Pawel Kaczmarczyk. Sa discographie comprend 9 albums, incluant sa Trilogie des odeurs et Mikrokosmos enregistré sur ODD SOUND, une maison de disques qu’il a fondée et dirige.

Ce projet a été réalisé grâce a l’aide du CALQ

Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Jacques Kuba Séguin et l’ONJM @ Festival ODD SOUND : Chapitre II de la Trilogie des odeurs (13 avril 2023)

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Deuxième parution cette année du prolifique musicien et producteur de Melbourne Horatio Luna, Action Reaction (2026) poursuit avec brio sa fusion singulière entre jazz, house et broken beat, tout en s’éloignant quelque peu des atmosphères plus sombres de ses débuts.

Action Reaction (2026) d’Horatio Luna réunit une floppée de musiciens

Enregistré sporadiquement entre 2022 et 2025, l’album réunit une floppée de musiciens incluant notamment les claviéristes Jake Amy, Brad Bellard et Lewho, le saxophoniste Hugo Turudija, le guitariste Gabe Keam et le batteur Odyssey Zelno. La palette sonore chaleureuse marie synthétiseurs, cuivres et grooves funk, le tout occasionnellement ponctué d’extraits de messages vocaux qui donnent à la musique des allures de journal du quotidien. Ce goût pour l’expérimentation et l’inattendu s’entend particulièrement sur Malakies où une ligne de basse agile sert de point d’ancrage à un dialogue continu entre les synthés et le saxophone.

Horatio Luna privilégie l’originalité et la libre circulation des idées plutôt que la démonstration de virtuosité

En ce sens, Horatio Luna privilégie l’originalité et la libre circulation des idées plutôt que la démonstration de virtuosité, laissant les motifs se transformer progressivement au fil des échanges entre les musiciens. Cette façon de construire progressivement la musique donne aux morceaux une impression de mouvement permanent, voire d’instabilité par moment, tout en conservant la cohésion d’ensemble.

Horatio Luna

Une forte influence de la tradition electro de Détroit mais enrichie d’harmonies jazz

Mais si la house demeure le socle sur lequel Horatio Luna bâtit son édifice musical, il ne s’abandonne jamais complètement à ses codes. On sent à ce titre une forte influence de la tradition électro de Detroit, notamment le sens du groove, mais enrichie d’harmonies jazz, de textures complexes et de nuances rythmiques fines. La pièce Rectify illustre parfaitement cette capacité à faire dialoguer les influences, sans qu’aucune ne prenne véritablement l’ascendant sur les autres.

Les nouvelles versions de Hip Connections, Sweet Paprika et Habib! tissent l’autre fil conducteur d’Action Reaction (2026)

Les nouvelles versions de Hip Connections, Sweet Paprika et Habib! tissent l’autre fil conducteur de l’album. Plus que de simples réarrangements, elles traduisent une conception de la musique qui voit les compositions comme des objets en mouvement perpétuel. En les ralentissant, en les épurant, ou en ramenant les cuivres à l’avant-plan, Horatio Luna ne se contente pas de recycler son catalogue, il réaffirme sa propre conception de la création musicale, où chaque pièce peut être réinventée à la lumière de sa propre évolution en tant qu’artiste.

Call Me Back (interlude) / Spicy / What Up Dog (interlude) / Malakies / Double Slay / La Luna ! (interlude) / The Win / Moonshine / Sweet Paprika / Butter On Your Ass (interlude) / Mystic Bounce / On-Ly Swing (interlude) / Porto Banga / Rectify (hommage à Moodymann) / Ms. Luna (interlude) / Hip Connections (prise 2) / We Play Both Kinds (interlude) / Habibi (prise 2) / Sleepy Byes

Horatio Luna – basse, bulbul tarang, claviers/synthés
Jake Amy – claviers/synthés
Brad Bellard – claviers/synthés
Lewho – claviers/synthés
Gabe Keam – guitare
Hugo Turudija – saxophone ténor
Odyssey Zelno – batterie, échantillonnage
Salvador Diaz – percussions
On-Ly – piano sur On-Ly Swing Interlude

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Les bons plans des derniers trois jours du Festival International de Jazz de Montréal (2-4 juillet 2026)

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En ce début du Festival International de Jazz de Montréal, nous avons une autre belle nouveauté : Tanagra (2026). Tout en finesse, l’esprit oscille entre le parfum ECM et celui du Bill Evans des années 60. On peut dire qu’on est gâtés. Au cœur de ce jazz très poétique, on retrouve le saxophoniste et compositeur Richard Savoie, le pianiste Eric Harding, le contrebassiste Jonathan-Guillaume Boudreau, ainsi que le batteur Simon Bergeron.

Ched’s Waltz – un écrin pour le contrebassiste

Parlant d’esthétisme de grand cru, nous vous invitons fortement à écouter deux fois plutôt qu’une : Ched’s Waltz. Un écrin pour le contrebassiste qui livre une musique un peu douloureuse, avec le saxophoniste qui se tient véritablement à ses côtés, évoquant juste un peu le Stan Getz de People Time. Des notes justes et de circonstances.

Dissonance sociale ne s’apparente pas au fracas

Malgré son titre, Dissonance sociale ne s’apparente pas au fracas, mais à la réflexion. Tout un chacun dessine des lignes mélodiques élégantes avec la juste dose de modernité. Une émancipation mélodique ! Quant au jeu du pianiste, il pourrait être comparé à celui de Bill Evans de ses belles années.

Massawipi Mud inscrit sa forme de blues dans notre été

Dans un autre genre, qui pourrait parfaitement convenir aux romans louisianais du célèbre James Lee Burke, Massawipi Mud inscrit sa forme de blues dans notre été. Entre le pianiste qui déploie ses ailes et le saxophoniste à la sonorité un peu tranchante. La musique distille une forme de mélancolie qui évoque la séduction. Un chant naturel où tout un chacun peut s’exprimer. Des jeux aériens, de la force, ainsi que de l’audace.

Autant vous dire que Tanagra (2026) est un bijou qui fait le pont entre le présent et un passé qui sert encore de référence. C’est ainsi que cette approche du jazz nous rend on ne peut plus heureux.

Voici un présent estival qui illuminera vos journées, apportant des éclats de soleil supplémentaires.

Ched’s Waltz / Sabbia e Clessidra / Dissonance sociale / Massawippi Mud / Only One / Pas de mots / Tanagra

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Simon Bergeron – batterie
Jonathan-Guillaume Boudreau – contrebasse
Éric Harding – piano
Richard Savoie – saxophone

Christophe Rodriguez

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Maxime Racicot et Jonathan-Guillaume Boudreau – Enfin ! (2025)

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Poète, militante et musicienne basée à Los Angeles, Aja Monet lançait récemment The Color of Rain (2026), approfondissant l’univers poétique et surréaliste esquissé sur son premier album paru en 2023 et nommé aux Grammy Awards.

Entourée de la géniale bassiste et productrice Meshell Ndegeocello, du batteur Justin Brown et d’un collectif de musicien·nes réunissant notamment Burniss Travis, Josh Johnson, Georgia Anne Muldrow, Novena Carmel et Ambrose Akinmusire, la poète livre quinze nouveaux titres à la croisée du spoken word, du jazz spirituel et de la soul, en ne négligeant pas le côté expérimental qui fait sa marque. Plus « musical » que ses parutions précédentes, The Color of Rain (2026) ne se contente pas de mettre en musique ses textes, il les prolonge et leur confère plus de profondeur expressive.

say it with your chest invite et hollyweird

Dès l’ouverture, say it with your chest invite à la prise de parole engagée. Les cuivres feutrés, les claviers et les percussions soutiennent une voix qui tient autant de l’incantation que de la poésie. Plus loin, hollyweird brosse un portrait sublimé de Los Angeles, entre showbusiness et saturation médiatique. La poète y déploie un flot d’images qui traduisent l’absurdité de notre époque et la difficulté de trouver un sens dans un monde où le vacarme médiatique perpétuel étouffe l’essentiel. Sous sa plume, les enjeux sociaux deviennent une expérience sensorielle, sans jamais sacrifier la musicalité.

for the Congo, skinfolk, melting clocks et every media minute

On retrouve le cœur du propos de l’album dans for the Congo, où des percussions et des chœurs hypnotisants portent une réflexion sur les rapports de domination, la violence et notre complicité collective. Plutôt que de se livrer à un discours militant traditionnel, Aja Monet privilégie l’émotion et le poids des mots, à travers la répétition et l’interpellation directe. À l’inverse, skinfolk célèbre la beauté et la résilience dans une ambiance douce et lumineuse, soutenue par la harpe et des harmonies chaleureuses. Entre ces deux extrêmes, melting clocks explore notre rapport au temps au fil d’une réflexion sur la mémoire, alors qu’every media minute traduit l’épuisement mental engendré par le flux incessant d’informations et d’images qui envahit notre quotidien.

I Came to the Poem et indigo

L’album révèle également une facette plus intime de l’artiste, notamment sur working class musicians, une des pièces les plus accessibles où Aja Monet évoque avec tendresse les sentiments de précarité, de persévérance et de solidarité du milieu artistique. I Came to the Poem, presque totalement dépouillée de musique, rappelle la puissance de sa voix et son attachement profond à la poésie. En fin de parcours, indigo clôt l’album sur une note lumineuse, où amour et esprit apparaissent comme autant de refuges face aux angoisses du monde d’aujourd’hui.

say it with your chest / elsewhere (avec Meshell Ndegeocello et Georgia Anne Muldrow) / withness / hollyweird / skinfolk / for the Congo / i came to the poem / to sister (avec Ganavya et Brandee Younger) / i know that i don’t know / working class musicians / love is a choosing (avec Mereba) / song of myself / melting clocks (avec Mick Jenkins et Vic Mensa) / every media minute / indigo

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La force et la virulence du message de The Color of Rain (2026) trouvent leur équilibre dans des moments de grâce qui invitent autant à s’indigner qu’à renouer avec sa propre sensibilité. À ne pas manquer, et à voir en spectacle le 4 juillet prochain au Studio TD dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal.

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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En ce mois de juin, une autre surprise nous attend : le disque du batteur guadeloupéen Kulusé Souriant, intitulé Douvan (2026). Il m’était jusqu’alors inconnu et lançait son nouveau projet le 21 mai dernier au Cabaret Jazz L’Entracte.

Kulusé Souriant avec du beau monde

Pour cette première, il y a du « beau monde » avec les saxophonistes Geneviève Gauthier/Antonin Bougault, Salomé Perli (claviers, effets, voix), le brillant pianiste Santiago Ferrer, le contrebassiste Sean Burke et, comme invitée, la chanteuse Malika Tirolien ainsi que le percussionniste Leo “Tibao” Leborgne. Maintenant que la scène est plantée, voyons ce que nous réserve ce Dovan (2026).

Malika Tirolien et Kulusé Souriant

Horizon avec Malika Tirolien – remplie de références et d’hommages

La première pièce, intitulée Horizon est remplie de références et d’hommages. On y entend des éléments qui rappellent les univers de Yussef Lateef et Pharoah Sanders, avec une écriture qui mélange la voix de Malika Tirolien, les saxophones et le clavier Fender Rhodes. Cette semi-ballade donne le ton. Quant au pianiste Santiago Ferrer, il sublime le tout. Une patte imposante, souvent musclée et tellement poétique.

Refuge – entre free-jazz et classicisme

Alors que Refuge oscille entre un free-jazz de qualité supérieure et une touche de classicisme qui sert de cadre doré au pianiste, nous louons une fois de plus le labeur de ce jeune artiste.

Rhizome se construit sur des mélodies élégantes

En 8 minutes, Rhizome se construit sur des mélodies élégantes, dominées par les saxophonistes avec juste ce qu’il faut de mordant. Le jeu est structuré, logique, mais parfois un peu trop subtil. Finalement, nous tentons de saisir son intention.

Compassion – un duo de saxophones

Avec Compassion, le jeu est dominé par le duo de saxophones qui se répondent. Il ne s’agit pas d’une course ou d’un « cuttin’ contest » comme il en existait dans les années 30 à Chicago. La complexité est de mise, nous songeons parfois à l’équilibre délicat, à la manière du compositeur George Russell.

Antonin Bourgault Geneviève Gauthier

Pour une première, nous découvrions une nouveauté consistante marquée par une attention très soutenue sur la composition, le choix des œuvres ainsi que le complément entre les différents interprètes. Parfois on aurait apprécié un peu plus de tonus, mais donnons la chance au coureur.

Horizon ( avec Malika Tirolien) / Resilience / Anecdote (avec Leo Tibao Leborgne) / Solitude / Heritage (avec Jaklin Etienne) / Gratitude / Refuge / Rhizome / Compassion

Kulusé Souriant – batterie, compositions et textes
Geneviève Gauthier – saxophone alto
Antonin Bourgault – saxophone ténor, effets
Santiago Ferrer – piano
Sean Burke – contrebasse
Salomé Perli – claviers, effets, voix

invités :

Jaklin Etienne – voix
Malika Tirolien – voix
Leo “Tibao” Leborgne – ka, percussions, boulagyèl

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

photos : Simon Bobcat Grenier

Certified Organic 4tet, LeCypherX, USBB plus invités @ Cabaret Jazz L’Entracte (16 mai 2026)

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