Deuxième volet de la saga Quantum Leap du rappeur, guitariste et producteur Wyclef Jean, Q Theory – Q Theory – Quantum Leap, Vol. 2 (2026) opère un virage stylistique particulièrement réussi pour un artiste jusqu’ici peu associé au jazz avec une foule d’artistes de Robert Glasper jusqu’a Theo Croker en passant par Jean Caze, Elena Pinderhughes, Mushy Widmaier, et plusieurs autres.

Q Theory (2026) en hommage à son mentor Quincy Jones

Le cofondateur des Fugees lançait en juin dernier Clef Notes (2026), premier jalon d’une ambitieuse série de sept albums échelonnés sur l’année. Alors que ce premier volet puisait dans le hip-hop qui a façonné sa carrière, Q Theory (2026) rend hommage à son mentor Quincy Jones en mariant l’improvisation aux rythmes d’Haïti, des Antilles et d’Amérique latine. Rien d’étonnant à première vue pour un artiste resté fidèle à ses racines haïtiennes, dans sa musique comme dans ses aventures politiques malheureuses.

Une impressionnante brochette de musiciens de premier plan, incluant Robert Glasper, Yussef Dayes, Theo Croker, Godwin Louis et Harvey Mason, la chanteuse Niia et plusieurs autres.

Sa démarche dépasse toutefois la simple coloration jazz d’une trame hip-hop, dont Kendrick Lamar avait notamment fait un art sur le désormais légendaire To Pimp a Butterfly (2015). Wyclef Jean fait plutôt du jazz et de l’improvisation les matières premières d’un album presque entièrement instrumental, réunissant pour l’occasion une impressionnante brochette de musiciens de premier plan, incluant Robert Glasper, Yussef Dayes, Theo Croker, Godwin Louis et Harvey Mason, la chanteuse Niia et plusieurs autres.

Rocinha, Lady Havana

Rocinha ouvre le bal avec six minutes de pur plaisir portées par un groove festif et contagieux, au fil desquelles le saxophone de Godwin Louis, le clavier de Robert Glasper et l’orgue de Patrick Pelissier déploient un paysage des plus ensoleillés. Plus sereine, Lady Havana fait dialoguer le piano d’Axel Tosca et la trompette de Theo Croker sur la trame rythmique souple que tissent Yussef Dayes à la batterie et Yiyi Sánchez aux percussions. La délicatesse des échanges et la retenue des interventions confèrent à cette deuxième pièce une lumière à la fois douce et apaisante, en contraste avec l’énergie de l’ouverture.

Silk & Sand, French Quarter

Sur Silk & Sand, la trompette de Jean Caze et le djembé de Weedie Braimah rendent bien la chaleur tropicale, donnant aux rythmes caribéens une présence affirmée. French Quarter offre ensuite une parenthèse vocale avec une belle performance de la chanteuse Niia, sans toutefois atteindre le relief des compositions instrumentales. Le saxophone de Bradford Hayes retrouve sur Pegasus une élégance décontractée, au gré de lignes mélodiques qui prennent leur temps. Les arrangements laissent respirer la pièce et mettent en valeur la richesse des timbres et des arrangements.

Farafina, Sugarcane & Watermelon, Harlem Nights, Toussaint Louverture

Farafina prolonge cette ambiance en faisant converser les claviers d’Arden Altino et de Robert Glasper avec la flûte d’Elena Pinderhughes, dans une atmosphère tendre et feutrée. Les percussions prennent une place grandissante sur Sugarcane & Watermelon, au risque de déséquilibrer l’ensemble, avant que Harlem Nights ne ravive la flamme avec son groove et ses chœurs mélodiques en arrière-plan. Inspirée du leader de la Révolution haïtienne, Toussaint Louverture referme enfin l’album sur une coda de quatre minutes, redonnant à cette exploration musicale un ancrage dans l’histoire et la culture d’Haïti.

Rocinha / Lady Havana / Silk & Sand / French Quarter / Pegasus / Farafina / Sugarcane & Watermelon / Harlem Nights / Toussaint Louverture

Les musiciens et collaborateurs : Robert Glasper, Godwin Louis, Patrick Pelissier, Yussef Dayes, Theo Croker, Yiyi Sanchez, Axel Tosca, Jean Caze, Weedie Braimah, Harvey Mason, Niia, Bradford Hayes, Elena Pinderhughes, Arden Altino, Melky Jean, Patrick Pelissier, Emanuel Najee, Emmanuel Laine, Mushy Widmaier, Dadi Beauburn, Papa Jube, Emmanuel Laine.

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Quel début enchanteur pour l’automne, grâce à cette nouveauté, Lorraine Desmarais & Friends (2026) ! Sur ce Montreal Jazz Series 4, du swing, bien sûr, de l’intelligence et à mille lieues de certaines productions qui « hument » le studio et alourdissent notre travail de chroniqueur.

Lorraine Desmarais & Friends avec Paul Brochu, Éric Lagacé et Alain Trudel

Au cœur de la Montreal Jazz Series, la pianiste virtuose Lorraine Desmarais a invité le batteur Paul Brochu (Uzeb et autres), le contrebassiste Éric Lagacé et, en surprise, le tromboniste Alain Trudel. Il est surtout reconnu comme un chef d’orchestre et un musicien éminent. Un véritable passionné de la musique bleue, possédant une connaissance approfondie des grands maîtres.

André Leroux, Jean Cyr, Straight Ahead, Lorraine Desmarais et Annie Dominique – Montreal Jazz Series @ Cabaret Jazz L’Entracte (3 au 25 sept)

Lorraine Desmarais offre un jeu lisse, nerveux, inventif

Comme grande patronne, nous retrouvons donc Lorraine Desmarais, qui, à notre humble avis, n’a plus besoin de présentation. Compositrice et chef d’orchestre, sans oublier les nombreux prix à la clé, dont l’Oscar Peterson, elle offre un jeu lisse, nerveux, inventif, donnant toute la mesure à ses complices, dont Alain Trudel.

Un hard bop délicieux sur Well You Needn’t, There Will Never Be Another You

Nous nous trouvons donc en présence d’un album de hard bop délicieux, où tout repose sur la communication ainsi que sur quelques standards. Au hasard des pistes, la mémoire de Thelonious Monk s’invite, avec Well You Needn’t, un écrin pour le tromboniste, qui est sans flagornerie au sommet de son art. Et pour notre plus grand plaisir, l’exceptionnelle Lorraine Desmarais revisite : There will Be Another You. Ce swing évoque autant la mémoire d’Oscar Peterson, d’Oliver Jones, d’Erroll Garner, avec une touche de jazz maison signée Lorraine Desmarais.

Supernova / Kakémono / Lontano / How Do You Say ? / Well, You Needn’t / Blues No. 1 / There Will Never Be Another You / I Love You

Si vous aimez le trombone : Alain Trudel sur Lontano

Entre la pulsation et l’instinct du rythme, notre pianiste vous fera oublier la grisaille qui s’installe et les élections à venir. Et si vous appréciez le trombone, nous vous suggérons vivement Lontano. Un hard bop classique qui met une fois de plus en évidence Alain Trudel. Le souci du détail, les variations de thème, la puissance de feu ou rien, n’ai jamais sacrifié. Un swing immense qui ne respire pas l’apprentissage scolaire.

Nous rajoutons une fois de plus au menu le travail de la pianiste, redoutable de créativité. Lorraine Desmarais & Friends (2026), C’est le bonheur tout simplement.

Lorraine Desmarais – piano
Paul Brochu – batterie
Éric Lagacé – contrebasse
Alain Trudel – trombone

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

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Le quatuor TransQueb revient avec Maelstrom (2026), un deuxième album qui tient largement sa place dans la florissante scène du jazz fusion québécois.

TransQueb trace sa propre route

Si le genre connaît une certaine renaissance chez nous depuis quelques années, notamment avec des artistes comme Carl Mayotte, François Laliberté, Misc ou encore Julien Fillion, le quatuor TransQueb trace sa propre route en faisant cohabiter les sonorités d’Uzeb et de Return to Forever avec le rock progressif de Soft Machine et de Yes; certains passages évoquent même Harmonium.

Dans la continuité de l’excellent Station (2022), TransQueb continue de faire dialoguer jazz, rock progressif et mélodies accrocheuses

Formé dans la région de Drummondville et maintenant actif dans celle de Québec, le quatuor rassemble Nicolas Gosselin (batterie), Jeffrey Gagnon (guitare), Maude Gauthier (saxophones) et Raphaël Côté (basse, synthé), avec Francis Grégoire, qui les rejoint ponctuellement au piano. Dans la continuité de l’excellent Station (2022), TransQueb continue de faire dialoguer jazz, rock progressif et mélodies accrocheuses, avec une énergie collective qui donne sa force à l’ensemble.

Dunes et Résonances

Dès Dunes, les accords limpides et les lignes mélodiques expressives installent une fusion généreuse, portée par des ruptures et virages qui évoquent le rock progressif sans alourdir l’écoute. Résonances s’ouvre sur un motif obstiné de saxophone, puis s’étire en une mélodie souple sur une rythmique remarquablement assurée. La pièce glisse ensuite vers des couleurs psychédéliques, où la guitare de Jeffrey Gagnon prend le relais. Dans Les Cloches d’Ahuntsic, les bifurcations se multiplient, mais le saxophone garde le cap, porté par la complicité du groupe qui rend ces détours aussi naturels que captivants.

Galion d’Argent, Pt. 1 et Galion d’Argent, Pt. 2

Première partie d’un triptyque, Galion d’Argent, Pt. 1 change drastiquement d’échelle. Une pulsation discrète précède une guitare à douze cordes, dont la sonorité rappelle le rock progressif des années 1970 et, par moments, le lyrisme sublime d’Harmonium. La deuxième partie (Galion d’Argent, Pt. 2) prolonge cette mélancolie avant qu’un swing plus vif ne la traverse. Le calme revient en fin de pièce, laissant au saxophone tout le loisir de déployer son expressivité.

Galion d’Argent, Pt. 3

La troisième partie (Galion d’Argent, Pt. 3) rompt avec cette retenue, le saxophone devenant à la fois mordant et aérien, entraîné par un rythme ternaire lumineux. Un solo de basse fretless mène le triptyque vers une conclusion particulièrement satisfaisante. L’album tient sa promesse : les idées tourbillonnent, les atmosphères se transforment et TransQueb conserve, d’un bout à l’autre, le plaisir manifeste de jouer ensemble.

Raphaël Côté – basse, bouzouki, synth bass
Nicolas Gosselin – batterie, percussions
Maude Gauthier – saxophones
Jeffrey Gagnon – guitare, lapsteel
Francis Grégoire – claviers (absent sur la photo)

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Chaque semaine amène son lot de belles surprises. Derrière l’étiquette du Diva Miro Vanity Project se cache le pianiste montréalais Steve Amirault, également bassiste. De plus, nous faisons face à une formation irrégulière composée des saxophonistes Erik Hove et Chet Doxas, du batteur Richard Irwin et du chef d’orchestre Steve Amirault.

Diva Miro Vanity Project : pour les amateurs de saxophone sous toutes ses formes

Pour les amateurs de saxophone sous toutes ses formes, c’est presque une bénédiction. L’écriture, un élément crucial, peut varier considérablement d’une composition à l’autre, chacune étant unique et originale. Si nous considérons la première, Diva Sings The Blues, nous sommes confrontés à un style West Coast clairement influencé par le blues. Les souffleurs évoquent à la fois Paul Desmond et Art Pepper, ce qui est déjà beaucoup sans vouloir copier quoi que ce soit.

Old Dog’s Trick met en vedette le bassiste Steve Amirault

Old Dog’s Trick met en vedette le bassiste Steve Amirault. Un peu dans la même veine que celui consacré à la diva qui chante du blues, il faut s’attarder à la technique instrumentale, aux phrasés ainsi qu’à l’unité, qui fait évidemment toute sa cohésion. Quand nous parlons d’un certain jazz côte ouest, nous pensons au travail de Bill Holman et très certainement à celui du compositeur/chef d’orchestre George Russell.

That’s Not What I Heard – une touche de tradition avec une pointe de modernité

That’s Not What I Heard, respire le funk de qualité supérieure, teinté de couleurs vives, mettant en vedette les deux saxophonistes, qui s’inspirent clairement de l’héritage du légendaire Julian Cannonball Adderley. Les interludes mélodiques décalés et l’utilisation sporadique de dissonances donnent à cette composition une touche de tradition avec une pointe de modernité.

Saint-Antoine March, une découverte séduisante

Nous terminerons par Saint-Antoine March, une découverte séduisante qui aurait certainement plu à Paul Desmond. Nous sommes un peu dans l’esprit de Dave Brubeck. Une variété de climats, des rythmes souples marqués par un très bel échange entre les souffleurs. Un disque de haute tenue.

Diva Sings The Blues / Henri The Saint / Old Dog’s Trick / The Jester / Serenade For The Lonely / That’s Not What I Heard / St. Antoine’s March / KD’s Kalypso / Mile End Stroll

Diva Miro – u-basse, compositions
Erik Hove – saxophone alto
Chet Doxas – saxophone ténor
Richard Irwin – batterie

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Batteuse, productrice, pédagogue et activiste, Terri Lyne Carrington mène sa barque depuis plus de quatre décennies, raflant quatre Grammys au passage, dont le premier en 2014 fait d’elle la première femme récompensée pour le meilleur album de jazz instrumental. On la retrouve entourée du collectif Social Science pour Trip the Night Fantastic (2026), deuxième album du collectif après l’excellent Waiting Game (2019).

Treize nouveaux titres croisant jazz, soul, R&B, hip-hop et influences world music

Entourée du guitariste Matthew Stevens, du pianiste Aaron Parks et du multi-instrumentiste Morgan Guerin, Terri Lyne Carrington accueille une impressionnante brochette de chanteurs, poètes et rappeurs au fil de treize nouveaux titres croisant jazz, soul, R&B, hip-hop et influences world music. Fidèle à elle-même, la batteuse se saisit des urgences de notre époque, des luttes sociales à la crise climatique, pour faire de ce nouvel album un espace collectif de réflexion et de résistance, autant qu’une célébration de la création vivante et partagée.

Autonomy Song constitue le cœur battant de l’album

Très touchante, Autonomy Song constitue le cœur battant de l’album. Déjouant les codes attendus de l’hymne militant, Terri Lyne Carrington drappe d’une soul chaleureuse sa prise de parole pour les droits reproductifs et la liberté face aux violences conjugales. La voix souple de Ledisi et les interventions poétiques de J. Ivy et Tarriona Ball se mêlent aux arpèges lumineux de Brandee Younger, transformant la gravité du sujet en un élan émancipateur puissant, sans jamais diluer le propos. Le morceau touche à quelque chose d’intime, presque charnel, tout en réussissant à nous faire danser, réfléchir et ressentir en même temps.

Identity Song avec Michael Mayo

Le regard s’élargit ensuite quelque peu avec Identity Song, Abolition Song et Solidarity Song. La première, portée par la voix angélique de Michael Mayo et le slam engagé de Nappy Nina, tacle l’enjeu des identités de genre avec finesse et empathie, loin des slogans abstraits et des formules toutes faites. La deuxième associe Kassa Overall à la voix d’Angela Davis pour jeter un regard cru sur le milieu carcéral, l’héritage esclavagiste et la justice transformatrice, alors que la troisième met en scène sur un ton mordant les fractures de classes, d’origines et d’idéologies.

Dans chaque cas, les arrangements foisonnants demeurent limpides, mêlant satire, prise de parole militante et improvisation qui se répondent naturellement. Il ne s’agit donc pas de sermonner, mais plutôt d’orchestrer de véritables conversations musicales à travers une diversité de registres, conférant au projet une intensité dramatique et une réelle force de frappe.

Blues Song (These Poems) superpose un groove souple, la parole d’Aja Monet et les textes de June Jordan

Pet Song prête aux animaux maltraités la voix compatissante du rappeur Khemist et lie leur souffrance à une réflexion plus vaste sur la violence et la souveraineté. Plus marquant encore, Blues Song (These Poems) superpose un groove souple, la parole d’Aja Monet et les textes de June Jordan dans des arrangements denses, mais jamais encombrés.

Pour finir, Reckoning Song – un funk puissant qui appel à passer du constat à l’action politique

Pour finir, Reckoning Song clôt Trip the Night Fantastic (2026) par un funk puissant qui appel à passer du constat à l’action politique, une finale qui résume à elle seule la démarche d’un album ambitieux et profondément collectif, où la prise de position, le partage et l’engagement de soi ne sont pas un simple décor, mais constituent le fondement même de l’acte de création musicale.

Riddim Song / Identity Song / Autonomy Song / Climate Song / Children’s Song / Step Song / Forest Song / Solidarity Song / Prayer Song / Abolition Song / Pet Song / Blues Song (These Poems) / Reckoning Song

Artistes invités : Fatoumata Diawara, Aaron Parks, Morgan Guerin, Michael Mayo, Brandee Younger, Nappy Nina, Tarriona « Tank » Ball, Ledisi, J. Ivy, Kokayi, Matthew Stevens, Morgan Guerin, Christie Dashiell, Lizz Wri, Vuyo Sotas, Miki Howard, Marc Ribot, Larry Goldings, Arooj Aftab, Moor Mother, Rashaan Carter, Kassa Overall, Debo Ray, Angela Davis, Mat, Debo Ray, Ian Michael, Kh, Safa, et Debo Ray.

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Même si c’est la rentrée officielle avec les promesses électorales, pourquoi ne pas prolonger l’été avec le saxophoniste Jocelyn Ménard et son Caribbean Jazz Group, qui soulignent 20 ans de carrière. Il distille la bonne nouvelle avec Vibes A Péyi Là (2026), qui s’inscrit parfaitement dans ce mouvement.

Les dix pistes de Vibes A Péyi Là (2026) prennent toujours la direction du sud

Instrumentiste de premier plan, Jocelyn Ménard est surtout saxophoniste soprano, parfois au ténor, et montre une grande inventivité et une élégance rare, en mélangeant le jazz et les rythmes dont nous parlons. Les dix pistes originales de Vibes A Péyi Là (2026), avec des thèmes différents pour notre plus grand plaisir, prennent toujours la direction du sud.

Medicine for Soul – une composition pour l’âme

Nous commençons par une composition pour l’âme, Medicine for Soul, au ténor. En cinq minutes hautement inflammables, la sonorité rappelle parfois les élans du regretté ténor argentin Gato Barbieri; elle vous fera inévitablement taper du pied, alors n’hésitez pas à monter le volume. Soyez attentifs à la brillante performance du pianiste Jean-Michel Lesdel, qui révèle son amour profond pour la musique cubaine, ainsi qu’à celle de Jonathan Jurion, qui partage les touches de son clavier avec passion. Nous soulignons aussi le travail soudé du batteur Sonny Troupe, du bassiste Regis Thérèse, de la chanteuse Leedyah Barlagne et du percussionniste Klod Kiavué.

Cette nouveauté à géométrie variable, avec ses improvisations multiples, s’installe rapidement dans votre cœur, comme vous pourrez le remarquer avec Blé Lenbé, qui exprime une douceur infinie, appuyée par la voix irrésistiblement séduisante de la chanteuse, qui semble nous susurrer à l’oreille une belle histoire.

Le Moment Présent

Dans le genre, autre beau clin d’oeil : Le Moment Présent « sonne » très mélodie française avec un petit côté chaloupé qui m’a fait immédiatement penser au travail de l’organiste Eddy Louiss ainsi qu’à celui de l’altiste Richie Cole.

Let’s Dance – des mouvements colorés et un saxophoniste soprano qui « charge à fond »

Résolument joyeux, estival à souhait. Et pour conclure sur une belle note qui va tout à fait avec le corps de cette nouveauté : Let’s Dance. Des mouvements colorés, un saxophoniste soprano qui « charge à fond », offrant des découpes rythmiques d’une clarté indéniable. Tout est dit. Nous avons trouvé une nouveauté qui vous permettra d’oublier vos soucis quotidiens.

Kalad Blues / Les Larmes De Man Jan / Sous La Voûte Etoilée / Les Tourtereaux / Le Moment Présent / Medecine For Soul / Blé Lenbé / Let’s Dance / Rêverie / Vibes A Péyi La

Jocelyn Ménard Caribbean Jazz Group

Jocelyn Ménard – saxophone ténor et soprano
Leedyah Barlagne – voix
Jean-Michel Lesdel – piano
Jonathan Jurion – piano
Régis Thérèse – basse
Sonny Troupé – batterie
Klod Kiavué – tambou ka, percussion

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Ils seront en concert @ Upstairs le 23 octobre et au Cabaret Jazz L’Entracte le 25 octobre.

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100 ans de Coltrane – Kulusé Souriant – Alain a vu !

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Enregistré en seulement quatre heures, Straight08 (2026) voit trois géants de la scène contemporaine, Sam Barsh (claviers), Keyon Harrold (trompette) et Mark Guiliana (batterie), rendre hommage à la mythique boîte à rythmes TR-808.

Straight08 (2026) – un hommage à la la boite à rythmes TR-808

Accessoire incontournable des premières vagues du hip-hop, de Run-DMC et Public Enemy à Kanye West, la boite à rythmes TR-808 s’est rapidement imposée au-delà du genre, trouvant sa place dans l’électro des années 1980 comme chez Marvin Gaye, Phil Collins, les Talking Heads, New Order, ou encore Madonna. Le trio conjugue ainsi des influences jazz, hip-hop, r’n’b et électro, sans sacrifier la spontanéité et l’improvisation qui demeurent centrales. Malgré une instrumentation épurée, les onze nouveaux titres demeurent remarquablement riches et fouillés, portés par la complicité de musiciens qui se connaissent depuis des lustres, leurs routes ayant notamment croisé celles de Kendrick Lamar ou Anderson .Paak.

Todd 4 et Little Sunflower

Dès Todd 4, le concept prend tout son sens. La basse synthé de Sam Barsh et la batterie de Mark Guiliana installent une pulsation massive, alors que Keyon Harrold fait virevolter sa trompette au-dessus tout en souplesse. Le Rhodes saturé prend ensuite le relais sans jamais abandonner la basse, toujours parfaitement cadrée avec la batterie. Avec Little Sunflower, cette mixture moderne se confronte au répertoire, chaque instrument évoluant en toute complémentarité au fil d’une relecture particulièrement élégante du standard de Freddie Hubbard.

Fergumette Park et Todd 5

Plus loin, le trio modifie subtilement la formule avec Fergumette Park qui part d’un groove subtilement swingé et d’une ligne de basse bien pesante, avant de laisser le trompettiste déployer des lignes mélodiques lumineuses. Largement improvisée, Todd 5 ralentit la cadence avec ses claviers abrasifs et sa trompette mélancolique qui se fondent l’un dans l’autre à la perfection. La pièce éponyme joue elle aussi sur les contrastes, passant de rythmiques compactes à des passages plus aérés. C’est précisément cette capacité à générer des paysages sonores denses et variés à partir d’une instrumentation aussi minimaliste qui empêche la formule de devenir redondante, voire un simple exercice de style.

Keys to the Suburb, The Corrugation et Green Chimneys

Keys to the Suburb et The Corrugation ramènent le groove au premier plan, avec une batterie particulièrement incisive et des claviers qui ajoutent des couches rythmiques aussi insistantes qu’accrocheuses. La seconde permet également d’entendre la complicité exceptionnelle des musiciens, entre qui les idées et motifs circulent librement, donnant l’impression que la musique se construit sous nos oreilles. Même les références à Thelonious Monk dans Green Chimneys s’intègrent naturellement dans cet univers très singulier. Et c’est précisément la grande réussite de Straight08 (2026), qui trouve avec brio ce difficile équilibre entre respect du vocabulaire jazz et création d’un style unique, à la fois minimaliste, dynamique et très vivant.

Sam Barsh – claviers
Keyon Harrold – trompette
Mark Guiliana – batterie

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Annam Nguyen et ses camarades d’AFJP (Annam’s Family Jazz Project) ne se contentent pas de jouer de la musique comme tout le monde. Pour ce nouvel album live @ trois endroits, intitulé Live at three spots! (2026), ils ont enregistré au Boquebière à Sherbrooke, au Bar Saint-Angèle de Québec et, pour terminer leur périple, au Dièse Onze de Montréal. Trois lieux différents, mais toujours le même swing et la « foi du charbonnier », comme l’aurait dit l’ami Georges Brassens.

Moodswing – la sonorité du saxophoniste Tiago Ferté se marie parfaitement avec la pièce dynamique

Avec le saxophoniste Tiago Ferté et le contrebassiste Jonathan-Guillaume Boudreau, il fusionnent une énergie propre au jazz, sans jamais tomber dans l’académisme. Prenez Moodswing, la première piste de cette nouveauté. C’est un écrin parfait pour la sonorité parfois brutale du saxophoniste Tiago Ferté, qui se marie parfaitement avec la pièce dynamique, partagée évidemment avec le guitariste Annam Nguyen.

Yes and No – un dialogue s’installe entre le contrebassiste et le batteur

Une introduction enthousiasmante nous fait prendre conscience du grand potentiel des musiciens d’ici, que ce soit pour danser ou pour écouter. Dans Yes and No, une composition de Wayne Shorter, certainement l’une de ses influences majeures du saxophoniste, un dialogue s’installe entre le contrebassiste et le batteur, puis le saxophoniste entre en jeu, soutenu par le guitariste des lieux. Jamais austère, toujours combative, cette composition n’a pas pris une ride.

Annam Nguyen mérite également des applaudissements pour sa manière de développer ses idées à un tempo plus rapide, sans jamais nous perdre ni chercher à nous éblouir par sa technique impressionnante.

In Your Own Sweet Way – une balade pour compenser les moments rapides

Bien sûr, nous avons cherché une balade pour « compenser » les moments rapides. Avec soin et délicatesse, le guitariste et ses compagnons ont choisi In Your Own Sweet Way de Dave Brubeck. Cette fois-ci, Annam Nguyen prend un malin plaisir à réinventer ce classique, évoquant parfois Joe Pass. Il confie ensuite l’autre partie à son saxophoniste, qui s’épanouit clairement sans copier le regretté Paul Desmond Desmond. Et voilà, le coquin ! Nous entendons en arrière-plan l’immense Sonny Rollins, tandis que le batteur me fait penser à un autre géant : Art Blakey.

Ainsi, après deux écoutes de Live at three spots! (2026), nous fûmes heureux.

Moodswing / Yes and No / Waltz for a Tree / Foot Massage / The Veiled Princess / Dry Hands Need Creamin / Fee-Fi-Fo-Fum / Frigid-Air / In Your Own Sweet Way

Annam Nguyen – guitare
Thiago Ferté – saxophone ténor
Jonathan-Guillaume Boudreau – contrebasse
Axel Bonnaire – batterie
Bernard Riche – batterie

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Christophe Rodriguez

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AFJP – The Shorter Way (2024)

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Égérie des réseaux sociaux avant même la parution de leur premier album, DOMi & JD BECK incarnent parfaitement cette nouvelle génération qui dépoussière le jazz à grands coups de virtuosité survitaminée et d’humour Gen Z. Leur première parution, NOT TiGHT (2022), reprenait le cocktail de jazz, de hip-hop à la J Dilla et de musique de jeux vidéo qui avait fait leur réputation. Avec WHO ASKED? (2026), le duo élargit sa palette, entre arrangements orchestraux et premières incursions au chant.

WHO ASKED? témoigne d’une réelle évolution stylistique

Si les fans de première heure retrouveront avec bonheur la paire au sommet de sa forme, d’autres pourraient vriller devant les progressions alambiquées et rythmes hyperactifs, au risque de n’y voir qu’une simple curiosité. Chose certaine, pour un duo révélé à coups de vidéos de réaction sur YouTube, ce nouvel album témoigne d’une réelle évolution stylistique et d’une volonté de s’aventurer au-delà de sa zone de confort, ce qui est tout à son honneur.

ÉPiPHANiE, HAD ENOUGH, RAIN et SOME THiNGS NEVER CHANGE

Cette nouvelle direction s’annonce dès l’ouverture. Les cordes, bois et claviers d’ÉPiPHANiE dessinent un univers fusionnant grandeur symphonique et fantaisie animée, avant que la batterie ne fasse décoller le tout. HAD ENOUGH, dont les paroles sont signées par Anderson .Paak, montre une toute autre facette du groupe. Derrière les rythmes syncopés et la fusion électro-jazz se profile une écriture plus intimiste. Les voix de DOMi et JD BECK, toujours traitées comme des instruments, apportent douceur et vulnérabilité, sans jamais freiner le momentum. Même constat sur RAiN et SOME THiNGS NEVER CHANGE, où l’atmosphère très picturale et les textures orchestrales prennent le pas sur les démonstrations techniques.

PHANTOM THREAD, LOVELY MASQUERADE et PUZZLE Pieces

Comme à leur habitude, chaque composition repose sur une idée musicale bien précise. PHANTOM THREAD multiplie les détours avant de trouver son point d’équilibre, alors que LOVELY MASQUERADE déploie un groove sale et très accrocheur pour tourner en dérision les mœurs du quotidien. PUZZLE PiECES s’impose comme un des moments forts de l’album, jonglant avec des fragments musicaux qui s’assemblent et se séparent. Mais même lorsque les textes restent obscurs, les arrangements procurent un point d’attache, faisant des voix une couche supplémentaire au sein d’arrangements denses, mais toujours cohérents.

Si NOT TiGHT (2022) épatait par sa virtuosité, WHO ASKED? (2026) marque un véritable bond en avant dans l’écriture.

Si NOT TiGHT (2022) épatait par sa virtuosité, WHO ASKED? (2026) marque un véritable bond en avant dans l’écriture. Nourrie par leur récente collaboration avec le Metropole Orkest, l’orchestration ouvre de nouveaux horizons sans sacrifier l’énergie brute et irrévérencieuse des débuts. À titre d’exemple, CONCERTiNO (FOR PiANO, DRUMS & ORCHESTRA) et l’élégante ÉPiLOGUE révèlent une ambition et une maturité nouvelles, rappelant que derrière les mèmes et acrobaties musicales se cachent des musiciens exceptionnels qui commencent à peine à se chauffer.

Épiphanie / Had Enough / Exit / Silhouette / Growing Older / Some Things Never Change / Rain / Small Eyes / Lovely Masquerade / Puzzles Pieces / Phantom Thread / Out of Sync / Concertino (for piano, drums & orchestra / Climbing High / Épilogue

DOMI (Domi Louna) – claviers et voix
JD Beck – batterie et voix

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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