Kiefer CARRTOONS Nate Smith Kenny Beats – Fathers (2026)

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Eye Level / Patchwork / Pearl / Stub / The Leak / Tomorrow Again / Front Yard / Figure 8

Kiefer – claviers
CARRTOONS – basse
Nate Smith – batterie
Kenny Beats – producteur

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Avec ce Parfum no. 3 (2026) révélé au Dièse Onze pendant le FIJM 2026, Jacques Kuba Séguin conclut La Trilogie des odeurs, et en quelque sorte, une vie de travail. En effet, il a imaginé le cycle d’un parfum (naissance, maturation, puis disparition), ce qui représente une métaphore du temps humain et une manière sensible d’évoquer les parcours, les émotions et les pertes.

Si le Parfum no.1 (2023) reposait sur son quartette de base, le Parfum no. 2 (2024) a permis l’intégration de l’Orchestre national de jazz de Montréal tandis que le Parfum no. 3 (2026) s’est allié l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières et son chef le tromboniste Alain Trudel.

Trilogie des odeurs (2026) – un triptyque ambitieux

Ce triptyque ambitieux rappelle les grandes heures de Gil Evans (La Nevada) et, plus encore, celles de Duke Ellington avec Togo Brava Suite, My People ou, dans une moindre mesure, Far East Suite. Sa réalisation a exigé une détermination sans faille et une foi inébranlable, portées par le chef et tromboniste Alain Trudel à la tête de l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières. Ce projet, après des années de labeur, atteint enfin son apogée. À ses côtés, le quartette habituel composé du pianiste Jean-Michel Pilc, du batteur Rich Irwin et du contrebassiste Morgan Moore.

Elizabeth Shepherd — tantôt émouvante, à certains moments féline

Ce Parfum no. 3 (2026) vous accompagnera pendant une longue période. Prenez le temps de vous asseoir et d’écouter pour en apprécier toute l’étendue. Quant à la voix d’Elizabeth Shepherd — tantôt émouvante, à certains moments féline —, on la retrouve dans How We Start Again. Magnifiée par la présence de l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières, et plus particulièrement par sa section de cordes.

Les surprises se succèdent sur Parfum no. 3

Les surprises se succèdent, car Jacques Kuba Séguin domine parfaitement les codes de la composition et ceux de la musique de film. Dans Il n’y a pas de hasard, l’introduction évoque un suspense policier captivant. Pendant ses chorus dans Le Maître des lieux les cordes fournissent un appui massif, presque hypnotique.

Concluons avec Le cortège des fragrances

Puisqu’il est question de parfum, concluons Parfum no. 3 (2026) avec Le cortège des fragrances. D’un coup, l’esprit se transporte dans un jazz West Coast aérien et sensible, empli de volupté. Un immense travail qui met en valeur Jean-Michel Pilc (quelle inventivité!) et convoque, par instants, des brumes de Sketches of Spain, où Jacques Kuba Séguin se fait plus Clifford Brown que Miles Davis.

C’est une œuvre unique et abondante, remplie de trésors inestimables, avec des thèmes admirables. « Une expérience sensorielle » selon les mots du compositeur. Nous sortons de cet enregistrement subjugué.

How we start again / Il n’y a pas de hasard / Fugue avec Anaïs (À Métis) / Entre l’exil et l’insomnie – partie 1 L’exil / In coelum / Entre l’exil et l’insomnie – partie 2 L’insomnie / Le cortège des fragrances (Les aléas de madame P.)

Jacques Kuba Séguin – trompette, composition et arrangements
Jean-Michel Pilc – piano
Rich Irwin – batterie
Morgan Moore – contrebasse
Elizabeth Shepherd – voix et paroles
Orchestre symphonique de Trois-Rivières
Alain Trudel – chef d’orchestre et trombone

sortie : mai 2026

Parfum no. 1 (2023)

Vous aimez la poésie et les odeurs enivrantes, cela tombe bien. Avec Parfum no.1, un premier album de sa Trilogie des odeurs, le trompettiste Jacques Kuba Séguin vous fera passer de belles heures sur les flots du jazz. Homme d’aventures aux multiples projets, ce trompettiste innove toujours et ne se repose jamais sur les ses lauriers comme en fait fi cette nouveauté, qui fleure bon le printemps que nous espérons tant.

Parfum n°1 – six plages qui explorent les souvenirs des odeurs

Si la fragrance Chanel n°5 s’est inscrit dans le temps, nous souhaitons ardemment que ce Parfum no.1 ait le même succès. En six plages originales, nous explorons le monde des souvenirs reliés à des odeurs particulières comme convenu dans le titre. Entouré d’une très solide équipe : le pianiste Jean-Michel Pilc, le contrebassiste Rémi-Jean LeBlanc, le batteur Kevin Warren et la chanteuse Elizabeth Shepherd, le voyage peut commencer.

La danse du hasard / Promesse de souvenirs / Rencontre au berceau / Je suis là / Éphémère / Candeur

Jacques Kuba Séguin – trompette, composition et arrangements
Jean-Michel Pilc – piano
Rémi-Jean LeBlanc – contrebasse
Kevin Warren – batterie

Parfum no. 1 – notre texte complet de 2023

sortie : février 2023

Parfum no. 2 (2024) – cinq compositions toutes aussi personnelles les unes que les autres

Après l’enfance, notre corsaire de la note bleue explore l’âge adulte, excitant et exaltant, mais aussi marqué par quelques déceptions ainsi que des réussites, une chance.  Autour de cinq compositions toutes aussi personnelles les unes que les autres, il s’est également entouré d’une rythmique de base avec des sérieux complices. Au piano, nous rencontrons : le pianiste Jean-Michel Pilc, le contrebassiste Rémi-Jean Leblanc ainsi que le batteur Kevin Warren.

La danse du hasard et des dangers

Si esprit il y a, et sans toutefois copier, nous retrouvons ;  les essences du chef d’orchestre/compositeur Gil Evans et l’âme du trompettiste Clifford Brown, influence majeure de notre ami Jacques Kuba Séguin. Et ça swingue comme dans les beaux jours. Ouvrons avec : La danse du hasard et des dangers. Le travail d’écriture sublime se veut un écrin pour notre trompettiste qui « envoie » largement.  De l’union des instruments en présence à la dynamique de l’orchestre qui propulse les chorus du maître des lieux, ça commence de façon remarquable, avec en arrière-plan, la patte ébouriffante du pianiste Jean-Michel Pilc.

La danse du hasard et des dangers / 40 is the new 30 / 26 printemps / Paysage pour Muniak / Gratitude

Jacques Kuba Séguin – trompette, composition et arrangements
Jean-Michel Pilc – piano
Rémi-Jean LeBlanc – contrebasse
Kevin Warren – batterie

L’Orchestre national de jazz de Montréal
Philippe Côté – chef d’orchestre

sortie : mai 2024

Parfum no. 2 – notre texte de 2024

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Jacques Kuba Séguin

Jacques Kuba Séguin compose pour ses formations à géométrie variable, tels Odd lot et Litania Projekt, en plus d’écrire pour orchestre symphonique. Interprète passionné, il possède une voix distincte et un charisme scénique indéniable. Il est reconnu comme l’un des plus brillants trompettistes canadiens de sa génération. Ce canadien-polonais se produit régulièrement en Pologne avec ses ensembles ou aux côtés du pianiste Pawel Kaczmarczyk. Sa discographie comprend 9 albums, incluant sa Trilogie des odeurs et Mikrokosmos enregistré sur ODD SOUND, une maison de disques qu’il a fondée et dirige.

Ce projet a été réalisé grâce a l’aide du CALQ

Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Jacques Kuba Séguin et l’ONJM @ Festival ODD SOUND : Chapitre II de la Trilogie des odeurs (13 avril 2023)

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Deuxième parution cette année du prolifique musicien et producteur de Melbourne Horatio Luna, Action Reaction (2026) poursuit avec brio sa fusion singulière entre jazz, house et broken beat, tout en s’éloignant quelque peu des atmosphères plus sombres de ses débuts.

Action Reaction (2026) d’Horatio Luna réunit une floppée de musiciens

Enregistré sporadiquement entre 2022 et 2025, l’album réunit une floppée de musiciens incluant notamment les claviéristes Jake Amy, Brad Bellard et Lewho, le saxophoniste Hugo Turudija, le guitariste Gabe Keam et le batteur Odyssey Zelno. La palette sonore chaleureuse marie synthétiseurs, cuivres et grooves funk, le tout occasionnellement ponctué d’extraits de messages vocaux qui donnent à la musique des allures de journal du quotidien. Ce goût pour l’expérimentation et l’inattendu s’entend particulièrement sur Malakies où une ligne de basse agile sert de point d’ancrage à un dialogue continu entre les synthés et le saxophone.

Horatio Luna privilégie l’originalité et la libre circulation des idées plutôt que la démonstration de virtuosité

En ce sens, Horatio Luna privilégie l’originalité et la libre circulation des idées plutôt que la démonstration de virtuosité, laissant les motifs se transformer progressivement au fil des échanges entre les musiciens. Cette façon de construire progressivement la musique donne aux morceaux une impression de mouvement permanent, voire d’instabilité par moment, tout en conservant la cohésion d’ensemble.

Horatio Luna

Une forte influence de la tradition electro de Détroit mais enrichie d’harmonies jazz

Mais si la house demeure le socle sur lequel Horatio Luna bâtit son édifice musical, il ne s’abandonne jamais complètement à ses codes. On sent à ce titre une forte influence de la tradition électro de Detroit, notamment le sens du groove, mais enrichie d’harmonies jazz, de textures complexes et de nuances rythmiques fines. La pièce Rectify illustre parfaitement cette capacité à faire dialoguer les influences, sans qu’aucune ne prenne véritablement l’ascendant sur les autres.

Les nouvelles versions de Hip Connections, Sweet Paprika et Habib! tissent l’autre fil conducteur d’Action Reaction (2026)

Les nouvelles versions de Hip Connections, Sweet Paprika et Habib! tissent l’autre fil conducteur de l’album. Plus que de simples réarrangements, elles traduisent une conception de la musique qui voit les compositions comme des objets en mouvement perpétuel. En les ralentissant, en les épurant, ou en ramenant les cuivres à l’avant-plan, Horatio Luna ne se contente pas de recycler son catalogue, il réaffirme sa propre conception de la création musicale, où chaque pièce peut être réinventée à la lumière de sa propre évolution en tant qu’artiste.

Call Me Back (interlude) / Spicy / What Up Dog (interlude) / Malakies / Double Slay / La Luna ! (interlude) / The Win / Moonshine / Sweet Paprika / Butter On Your Ass (interlude) / Mystic Bounce / On-Ly Swing (interlude) / Porto Banga / Rectify (hommage à Moodymann) / Ms. Luna (interlude) / Hip Connections (prise 2) / We Play Both Kinds (interlude) / Habibi (prise 2) / Sleepy Byes

Horatio Luna – basse, bulbul tarang, claviers/synthés
Jake Amy – claviers/synthés
Brad Bellard – claviers/synthés
Lewho – claviers/synthés
Gabe Keam – guitare
Hugo Turudija – saxophone ténor
Odyssey Zelno – batterie, échantillonnage
Salvador Diaz – percussions
On-Ly – piano sur On-Ly Swing Interlude

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Les bons plans des derniers trois jours du Festival International de Jazz de Montréal (2-4 juillet 2026)

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En ce début du Festival International de Jazz de Montréal, nous avons une autre belle nouveauté : Tanagra (2026). Tout en finesse, l’esprit oscille entre le parfum ECM et celui du Bill Evans des années 60. On peut dire qu’on est gâtés. Au cœur de ce jazz très poétique, on retrouve le saxophoniste et compositeur Richard Savoie, le pianiste Eric Harding, le contrebassiste Jonathan-Guillaume Boudreau, ainsi que le batteur Simon Bergeron.

Ched’s Waltz – un écrin pour le contrebassiste

Parlant d’esthétisme de grand cru, nous vous invitons fortement à écouter deux fois plutôt qu’une : Ched’s Waltz. Un écrin pour le contrebassiste qui livre une musique un peu douloureuse, avec le saxophoniste qui se tient véritablement à ses côtés, évoquant juste un peu le Stan Getz de People Time. Des notes justes et de circonstances.

Dissonance sociale ne s’apparente pas au fracas

Malgré son titre, Dissonance sociale ne s’apparente pas au fracas, mais à la réflexion. Tout un chacun dessine des lignes mélodiques élégantes avec la juste dose de modernité. Une émancipation mélodique ! Quant au jeu du pianiste, il pourrait être comparé à celui de Bill Evans de ses belles années.

Massawipi Mud inscrit sa forme de blues dans notre été

Dans un autre genre, qui pourrait parfaitement convenir aux romans louisianais du célèbre James Lee Burke, Massawipi Mud inscrit sa forme de blues dans notre été. Entre le pianiste qui déploie ses ailes et le saxophoniste à la sonorité un peu tranchante. La musique distille une forme de mélancolie qui évoque la séduction. Un chant naturel où tout un chacun peut s’exprimer. Des jeux aériens, de la force, ainsi que de l’audace.

Autant vous dire que Tanagra (2026) est un bijou qui fait le pont entre le présent et un passé qui sert encore de référence. C’est ainsi que cette approche du jazz nous rend on ne peut plus heureux.

Voici un présent estival qui illuminera vos journées, apportant des éclats de soleil supplémentaires.

Ched’s Waltz / Sabbia e Clessidra / Dissonance sociale / Massawippi Mud / Only One / Pas de mots / Tanagra

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Simon Bergeron – batterie
Jonathan-Guillaume Boudreau – contrebasse
Éric Harding – piano
Richard Savoie – saxophone

Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Maxime Racicot et Jonathan-Guillaume Boudreau – Enfin ! (2025)

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Poète, militante et musicienne basée à Los Angeles, Aja Monet lançait récemment The Color of Rain (2026), approfondissant l’univers poétique et surréaliste esquissé sur son premier album paru en 2023 et nommé aux Grammy Awards.

Entourée de la géniale bassiste et productrice Meshell Ndegeocello, du batteur Justin Brown et d’un collectif de musicien·nes réunissant notamment Burniss Travis, Josh Johnson, Georgia Anne Muldrow, Novena Carmel et Ambrose Akinmusire, la poète livre quinze nouveaux titres à la croisée du spoken word, du jazz spirituel et de la soul, en ne négligeant pas le côté expérimental qui fait sa marque. Plus « musical » que ses parutions précédentes, The Color of Rain (2026) ne se contente pas de mettre en musique ses textes, il les prolonge et leur confère plus de profondeur expressive.

say it with your chest invite et hollyweird

Dès l’ouverture, say it with your chest invite à la prise de parole engagée. Les cuivres feutrés, les claviers et les percussions soutiennent une voix qui tient autant de l’incantation que de la poésie. Plus loin, hollyweird brosse un portrait sublimé de Los Angeles, entre showbusiness et saturation médiatique. La poète y déploie un flot d’images qui traduisent l’absurdité de notre époque et la difficulté de trouver un sens dans un monde où le vacarme médiatique perpétuel étouffe l’essentiel. Sous sa plume, les enjeux sociaux deviennent une expérience sensorielle, sans jamais sacrifier la musicalité.

for the Congo, skinfolk, melting clocks et every media minute

On retrouve le cœur du propos de l’album dans for the Congo, où des percussions et des chœurs hypnotisants portent une réflexion sur les rapports de domination, la violence et notre complicité collective. Plutôt que de se livrer à un discours militant traditionnel, Aja Monet privilégie l’émotion et le poids des mots, à travers la répétition et l’interpellation directe. À l’inverse, skinfolk célèbre la beauté et la résilience dans une ambiance douce et lumineuse, soutenue par la harpe et des harmonies chaleureuses. Entre ces deux extrêmes, melting clocks explore notre rapport au temps au fil d’une réflexion sur la mémoire, alors qu’every media minute traduit l’épuisement mental engendré par le flux incessant d’informations et d’images qui envahit notre quotidien.

I Came to the Poem et indigo

L’album révèle également une facette plus intime de l’artiste, notamment sur working class musicians, une des pièces les plus accessibles où Aja Monet évoque avec tendresse les sentiments de précarité, de persévérance et de solidarité du milieu artistique. I Came to the Poem, presque totalement dépouillée de musique, rappelle la puissance de sa voix et son attachement profond à la poésie. En fin de parcours, indigo clôt l’album sur une note lumineuse, où amour et esprit apparaissent comme autant de refuges face aux angoisses du monde d’aujourd’hui.

say it with your chest / elsewhere (avec Meshell Ndegeocello et Georgia Anne Muldrow) / withness / hollyweird / skinfolk / for the Congo / i came to the poem / to sister (avec Ganavya et Brandee Younger) / i know that i don’t know / working class musicians / love is a choosing (avec Mereba) / song of myself / melting clocks (avec Mick Jenkins et Vic Mensa) / every media minute / indigo

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La force et la virulence du message de The Color of Rain (2026) trouvent leur équilibre dans des moments de grâce qui invitent autant à s’indigner qu’à renouer avec sa propre sensibilité. À ne pas manquer, et à voir en spectacle le 4 juillet prochain au Studio TD dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal.

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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En ce mois de juin, une autre surprise nous attend : le disque du batteur guadeloupéen Kulusé Souriant, intitulé Douvan (2026). Il m’était jusqu’alors inconnu et lançait son nouveau projet le 21 mai dernier au Cabaret Jazz L’Entracte.

Kulusé Souriant avec du beau monde

Pour cette première, il y a du « beau monde » avec les saxophonistes Geneviève Gauthier/Antonin Bougault, Salomé Perli (claviers, effets, voix), le brillant pianiste Santiago Ferrer, le contrebassiste Sean Burke et, comme invitée, la chanteuse Malika Tirolien ainsi que le percussionniste Leo “Tibao” Leborgne. Maintenant que la scène est plantée, voyons ce que nous réserve ce Dovan (2026).

Malika Tirolien et Kulusé Souriant

Horizon avec Malika Tirolien – remplie de références et d’hommages

La première pièce, intitulée Horizon est remplie de références et d’hommages. On y entend des éléments qui rappellent les univers de Yussef Lateef et Pharoah Sanders, avec une écriture qui mélange la voix de Malika Tirolien, les saxophones et le clavier Fender Rhodes. Cette semi-ballade donne le ton. Quant au pianiste Santiago Ferrer, il sublime le tout. Une patte imposante, souvent musclée et tellement poétique.

Refuge – entre free-jazz et classicisme

Alors que Refuge oscille entre un free-jazz de qualité supérieure et une touche de classicisme qui sert de cadre doré au pianiste, nous louons une fois de plus le labeur de ce jeune artiste.

Rhizome se construit sur des mélodies élégantes

En 8 minutes, Rhizome se construit sur des mélodies élégantes, dominées par les saxophonistes avec juste ce qu’il faut de mordant. Le jeu est structuré, logique, mais parfois un peu trop subtil. Finalement, nous tentons de saisir son intention.

Compassion – un duo de saxophones

Avec Compassion, le jeu est dominé par le duo de saxophones qui se répondent. Il ne s’agit pas d’une course ou d’un « cuttin’ contest » comme il en existait dans les années 30 à Chicago. La complexité est de mise, nous songeons parfois à l’équilibre délicat, à la manière du compositeur George Russell.

Antonin Bourgault Geneviève Gauthier

Pour une première, nous découvrions une nouveauté consistante marquée par une attention très soutenue sur la composition, le choix des œuvres ainsi que le complément entre les différents interprètes. Parfois on aurait apprécié un peu plus de tonus, mais donnons la chance au coureur.

Horizon ( avec Malika Tirolien) / Resilience / Anecdote (avec Leo Tibao Leborgne) / Solitude / Heritage (avec Jaklin Etienne) / Gratitude / Refuge / Rhizome / Compassion

Kulusé Souriant – batterie, compositions et textes
Geneviève Gauthier – saxophone alto
Antonin Bourgault – saxophone ténor, effets
Santiago Ferrer – piano
Sean Burke – contrebasse
Salomé Perli – claviers, effets, voix

invités :

Jaklin Etienne – voix
Malika Tirolien – voix
Leo “Tibao” Leborgne – ka, percussions, boulagyèl

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Christophe Rodriguez

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photos : Simon Bobcat Grenier

Certified Organic 4tet, LeCypherX, USBB plus invités @ Cabaret Jazz L’Entracte (16 mai 2026)

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Guitariste parmi les plus célébrés de sa génération, Julian Lage poursuit son parcours chez Blue Note avec Scenes From Above (2026), son cinquième album sur le mythique label.

Le guitariste s’entoure pour l’occasion d’une nouvelle formation incluant le bassiste Jorge Roeder, le claviériste John Medeski et le batteur Kenny Wollesen, auxquels se joint ponctuellement Patrick Warren au clavier et aux percussions. Conçu au fil de courts sprints de composition intensive et entièrement dédié à son père, Scenes From Above (2026) met de côté les élans post-bop de Speak to Me (2024) pour explorer un univers où se croisent jazz fusion, soul, musique de chambre et folklore américain.

Dès l’ouverture de Scenes From Above (2026) Opal installe une atmosphère lumineuse

Dès l’ouverture, Opal installe une atmosphère lumineuse et estivale. La guitare douce et lyrique de Julian Lage dialogue avec le clavier aérien de John Medeski, qui colore en retour chaque phrase musicale de nuances délicates. Red Elm prolonge cette ambiance avec sa ligne de basse hypnotique qui sert de point d’ancrage à un jazz empreint de soul. Le groupe privilégie ici la fluidité plutôt que la démonstration ostentatoire, laissant les textures se construire naturellement tout en mettant en valeur l’immense sens mélodique du guitariste.

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie avec son côté funk qui rappelle par moments l’esthétique unique du trio Medeski Martin & Wood, avec les claviers à l’avant-plan. Havens propose une ambiance plus contemplative, enrichie par les interventions de Patrick Warren et une instrumentation étoffée. Entre groove discret, percussions et nappes de claviers, le morceau arbore une dimension quasi cérémoniale et spirituelle. Plus loin, Solid Air et Storyville ouvrent la porte à des climats plus atmosphériques et à davantage de spontanéité, flirtant par moments avec le psychédélisme et l’improvisation libre.

Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue

La dernière partie de l’album est sans doute la plus convaincante, à commencer par Ocala qui séduit par son élégance acoustique et ses subtils accents de calypso, alors que Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue. Enfin, Something More clôt l’album sous forme de communion musicale empreinte d’espoir aux accents country.

Scenes From Above (2026), un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière

Sans révolutionner le genre, Scenes From Above (2026) maintient son pouvoir de séduction au fil de neuf nouveaux titres qui parviennent à tirer le meilleur d’un groupe de musiciens aux profils bien différents. Julian Lage confirme une fois de plus son talent de bandleader et sa capacité à créer un espace d’écoute et de liberté collective, tout en opérant un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière.

Il sera d’ailleurs au Festival International de Jazz de Montréal le 4 juillet en duo avec Christian McBride.

Opal / Red Elm / Talking Drum / Havens / Night Shade / Solid Air / Ocala / Storyville / Something More

Julian Lage – guitare et compositions
John Medeski – orgue, claviers et piano
Jorge Roeder – basse
Kenny Wollensen – batterie

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Le bonheur d’une chronique est de suivre, année après année, le travail d’une brillante pianiste, et d’apprécier un nouvel opus, tel que Terr (2026) de la pianiste et compositrice Emie R Roussel, que j’avait découvert au Festi Jazz International de Rimouski.

Instinctivement, je me suis dit que cette jeune dame ferait un bout de chemin, grâce à son calme et à son travail tout en dentelles. Gastronome à ses heures et propriétaire du studio d’enregistrement Opus, j’attendais donc avec impatience ce nouvel opus.

Terr (2026) avec Nicolas Bédard et Dominic Cloutier

Effectivement, je ne fus pas déçu. D’abord, il y a le lyrisme, pas le «  faisandé » , mais celui qui émane précisément d’une passion pour l’art de la musique commune. Elle est accompagnée par Nicolas Bédard à la basse électrique et Dominic Cloutier à la batterie. L’entente est parfaite. La basse ainsi que la batterie soutiennent admirablement le piano.

Avec L’écho des brumes, nous nous retrouvons au bord du majestueux fleuve Saint-Laurent

Une mélodie simple aux tonalités envoûtantes, marqué par une prise de son rapprochée. Avec L’écho des brumes, nous nous retrouvons au bord du majestueux fleuve Saint-Laurent. Une invitation au voyage, assurément, où le pianiste raconte doucement des histoires à l’oreille de son public, appuyé en arrière-plan par les clapotis évanescants de son Fender Rhodes. Le temps qui passe et qui se révèle magnifique grâce au bassiste électrique, qui possède également un véritable talent pour raconter des histoires.

Vous serez comblés par les compositions John rêve en noir et blanc ainsi que par Sous une odeur d’ozone

Dans la catégorie nostalgie, vous serez comblés par les compositions John rêve en noir et blanc ainsi que par Sous une odeur d’ozone. Emie R. Roussel fusionne sa science des 88 touches avec celui du Fender Rhodes pour créer des atmosphères lumineuses empreintes de sérénité, avec juste ce qu’il faut de swing tendu. Tout est soigneusement construit et articulé sans jamais tomber dans le « je joue pour moi ».

En d’autres termes, Emie et ses acolytes nous accueillent de la plus belle des manières. Et c’est ainsi que nous avons éprouvé de la joie après deux écoutes attentives.

TERR / Trois lunes / L’écho des brumes / John rêve en noir et blanc / Sous une odeur d’ozone / Lueur des feuilles oubliées / Klara Färdiga Gå

Dominic Cloutier – batterie
Emie R Roussel – piano
Nicolas Bédard – basse

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Christophe Rodriguez

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Photos : De Mano

Emie R Roussel Trio – Rythme de passage (2020)

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Bitches Blues (2026) marque la deuxième parution du trio Hedvig Mollestad Weejuns, un projet réunissant la guitariste norvégienne Hedvig Mollestad, le claviériste Ståle Storløkken et le batteur Ole Mofjell.

Bitches Blues (2026) – une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation

Là où le premier album privilégiait les structures ouvertes et l’improvisation libre, ce nouvel opus adopte une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation. On navigue entre jazz-rock, rock progressif et psychédélique, voire apocalyptique par moment, mais l’ensemble conserve une fraîcheur et une spontanéité remarquables grâce à une dynamique collective particulièrement organique. Plutôt que de mettre constamment la guitariste au premier plan, elle se fond complètement dans le dialogue et les textures denses de l’ensemble.

On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis

La pièce-titre Bitches Blues ouvre l’album avec une énergie brute et menaçante. On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis auquel le titre de l’album fait écho : guitares saturées, orgue massif et batterie s’entrechoquent librement avant que le morceau ne se cristallise progressivement autour d’un groove plus solide. Les références au jazz fusion et au prog-rock des années 1970 sont évidentes, mais la pièce conserve une dimension plus libre et imprévisible, en hésitation constante entre contrôle et débordement. Même lorsque la musique semble sur le point de basculer dans le chaos, le trio retient toujours son élan pour mieux reconstruire la tension ensuite.

Kompet Blir et For A Moment I Thought I Could Hear You, plus contemplatifs

Le cœur de l’album repose toutefois sur ses morceaux plus contemplatifs. Kompet Blir ralentit considérablement le rythme avec une pulsation lourde et hypnotique sur laquelle flottent des lignes d’orgue fantomatiques. Une ambiance nocturne et inquiétante se développe, rappelant parfois certaines dérives psychédéliques du rock progressif. For A Moment I Thought I Could Hear You pousse encore plus loin l’introspection avec une guitare délicate et des accords d’orgue mélancoliques, presque liturgiques. Limite poursuit dans cette direction minimaliste avec ses textures sombres et ses développements très lents. C’est véritablement dans ces moments que le trio démontre sa cohésion et sa capacité remarquable à construire des climats immersifs.

Dynamax – l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale

Ce minimalisme rend d’ailleurs les moments plus agressifs de l’album encore plus efficaces. Dynamax débute dans une atmosphère lourde et ambiguë, avant d’exploser avec ses riffs insistants, ses montées d’orgue et ses rythmes extrêmement physiques. Le morceau illustre parfaitement l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale.

Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif

Enfin, Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif. La guitare flotte au-dessus d’une basse d’orgue grave et de cymbales ténues, créant une impression de tristesse plutôt qu’un véritable crescendo émotionnel. Bitches Blues (2026) réussit ainsi à transformer l’exubérance d’Hedvig Mollestad en une œuvre subtile, atmosphérique et collective. Sans conteste un de mes albums préférés de l’année jusqu’à maintenant.

Hedvig Mollestad – guitare
Ståle Storløkken – claviers, orgue et synthés
Ole Mofjell – batterie

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Bitches Blues / Kompet Blir / For A Moment I Thought I Could Hear You / Limite / Dynamax / Recollection Of Sorrow

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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