Bitches Blues (2026) marque la deuxième parution du trio Hedvig Mollestad Weejuns, un projet réunissant la guitariste norvégienne Hedvig Mollestad, le claviériste Ståle Storløkken et le batteur Ole Mofjell.

Bitches Blues (2026) – une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation

Là où le premier album privilégiait les structures ouvertes et l’improvisation libre, ce nouvel opus adopte une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation. On navigue entre jazz-rock, rock progressif et psychédélique, voire apocalyptique par moment, mais l’ensemble conserve une fraîcheur et une spontanéité remarquables grâce à une dynamique collective particulièrement organique. Plutôt que de mettre constamment la guitariste au premier plan, elle se fond complètement dans le dialogue et les textures denses de l’ensemble.

On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis

La pièce-titre Bitches Blues ouvre l’album avec une énergie brute et menaçante. On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis auquel le titre de l’album fait écho : guitares saturées, orgue massif et batterie s’entrechoquent librement avant que le morceau ne se cristallise progressivement autour d’un groove plus solide. Les références au jazz fusion et au prog-rock des années 1970 sont évidentes, mais la pièce conserve une dimension plus libre et imprévisible, en hésitation constante entre contrôle et débordement. Même lorsque la musique semble sur le point de basculer dans le chaos, le trio retient toujours son élan pour mieux reconstruire la tension ensuite.

Kompet Blir et For A Moment I Thought I Could Hear You, plus contemplatifs

Le cœur de l’album repose toutefois sur ses morceaux plus contemplatifs. Kompet Blir ralentit considérablement le rythme avec une pulsation lourde et hypnotique sur laquelle flottent des lignes d’orgue fantomatiques. Une ambiance nocturne et inquiétante se développe, rappelant parfois certaines dérives psychédéliques du rock progressif. For A Moment I Thought I Could Hear You pousse encore plus loin l’introspection avec une guitare délicate et des accords d’orgue mélancoliques, presque liturgiques. Limite poursuit dans cette direction minimaliste avec ses textures sombres et ses développements très lents. C’est véritablement dans ces moments que le trio démontre sa cohésion et sa capacité remarquable à construire des climats immersifs.

Dynamax – l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale

Ce minimalisme rend d’ailleurs les moments plus agressifs de l’album encore plus efficaces. Dynamax débute dans une atmosphère lourde et ambiguë, avant d’exploser avec ses riffs insistants, ses montées d’orgue et ses rythmes extrêmement physiques. Le morceau illustre parfaitement l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale.

Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif

Enfin, Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif. La guitare flotte au-dessus d’une basse d’orgue grave et de cymbales ténues, créant une impression de tristesse plutôt qu’un véritable crescendo émotionnel. Bitches Blues (2026) réussit ainsi à transformer l’exubérance d’Hedvig Mollestad en une œuvre subtile, atmosphérique et collective. Sans conteste un de mes albums préférés de l’année jusqu’à maintenant.

Hedvig Mollestad – guitare
Ståle Storløkken – claviers, orgue et synthés
Ole Mofjell – batterie

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Bitches Blues / Kompet Blir / For A Moment I Thought I Could Hear You / Limite / Dynamax / Recollection Of Sorrow

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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volume (2026) de l’Ensemble Infini est un disque étonnant qui s’adresse à des auditeurs très expérimentés. Il est dirigé par un jeune homme de 86 ans, le batteur Guy Thouin, co-fondateur de l’Infonie et du Quatuor du Jazz Libre. Il faut admettre que ceux et celles qui ont contribué à l’histoire du jazz au Québec ne sont plus très nombreux.

volume (2026) de l’Ensemble Infini est bien plus qu’un simple exercice de style

L’album volume (2026) de l’Ensemble Infini est bien plus qu’un simple exercice de style. Guy Thouin a côtoyé l’élite du jazz. Par l’entremise de la plateforme Facebook, je découvre chaque semaine de nouvelles compositions avec son complice, le jeune saxophoniste ténor Félix-Antoine Hamel, que j’ai connu comme disquaire. Je vais vous montrer ouvertement que ce n’est pas le genre de jazz que j’écoute. J’ai donc fait mes classes en écoutant du Coltrane, Ayle, Fred Ho, Peter Bronzman, etc…pour me familiariser avec ces genres très éclatés.

L’Ensemble Infini – les musiciens-nnes

En plus du vétéran, on y retrouve la saxophoniste Elyze Venne-Deshaies, les saxophonistes Félix-Antoine Hamel/Andrea Prochazka Mercier, le tromboniste Scott Thomson (également dg du FIMAV qui avait lieu la semaine passée), la pianiste Belinda Campbell, le contrebassiste Pablo Jimenez et finalement à la guitare électrique, le guitariste Raphaël Foisy.

Tabla Plus

Comme je ne savais pas trop sur quelle mine j’allais poser mon oreille, j’ai commencé avec Tabla Plus. À ma grande surprise, bien que des dissonances étaient présentes, j’y ai décelé des fragments de blues teintés des belles heures du tromboniste Ray Anderson. Puis, d’une formation qui m’a fait penser au plus éclectique de ce qu’aurait pu orchestrer le légendaire Gil Evans, mais avec beaucoup de réserves.

Requiem & Fanfare (pour Peter B)

Étant donné que mon ami Félix-Antoine Hamel avait composé Requiem & Fanfare (pour Peter B), je me suis attaqué à la tâche. Tout commence par une introduction frénétique au ténor, qui cadre bien dans l’esprit d’un bon free-jazz. C’est indéniablement une œuvre cohérente avec des structures improvisées parfois délirantes.

Opus II

Opus II, qui évoque le cinéma dans son essence, nous a piégées entre Mad Max et un film noir des années 1970. Des frissons sont garantis grâce à une multitude de chœurs qui étaient tout sauf scolaires.

Pour vous décrasser le cerveau, volume (2026) de l’Ensemble Infini à certaines vertus thérapeutiques.

Free Parking Transcendantal / Japtala – Milford Spirit / Tabla Plus / Rock Memory / Guy médite et résonne / Black Hole / Industrial Jazz / Cartoon / Opus II / Requiem & Fanfare (pour Peter B.) / Sainte-Marie-Blonde-de-Guy / Halloween à Québec / Dream Story / Le sous-sol libre

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Guy “Yug” Thouin – composition, batterie et percussions
Elyze Venne-Deshaies – direction, saxophone ténor, clarinette, clarinette basse et électroniques
Félix-Antoine Hamel – saxophones ténor et soprano
Andrea Prochazka Mercier – saxophones ténor et soprano
Scott Thomson – trombone
Belinda Campbell – piano, Rhodes, synthés et voix
Pablo Jiménez – contrebasse
Raphael Foisy – guitare électrique, synthés et électroniques
+
Marilou Lyonnais Archambault – harpe (piste 2)

Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

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Cela fait vingt ans le Jazzlab Orchestra fondé par le contrebassiste montréalais Alain Bédard existe. Creusant le sillon jazz, ne se contentant jamais de la première offrande venue, ni des modes, L’ami Bédard offre ave ses complices un jazz de très haute tenue. Dans Glissement de temps (2026), le fondateur et ses corsaires, une dizaine en tout, proposent un paysage élaboré et ciselé qui nécessite une certaine période d’adaptation pour une oreille disons profane.

L’esthétique de Glissement du temps (2026) nous invite à une approche très contemporaine

L’esthétique de Glissement du temps se rapproche de près de l’époque légendaire de Gil Evans et nous invite à une approche très contemporaine, souvent avec beaucoup de muscle et d’inventivité. Il faut la déguster lentement, sans que toutefois cela soit académique. Les musiciens et musiciennes nous invitent à découvrir un travail exigeant, comme vous pourrez le constater avec la première composition : Thanks Collier. Pendant sept minutes, les musiciens et musiciennes s’aventurent dans des tonalités et tempos, sans jamais sombrer dans une note bleue qui perdrait tout son sens.

Murs de verre – le dernier enregistrement Mario Allard – tout est joué avec une finesse exceptionnelle

Donc, un aéropage remarquable qui capture parfaitement l’essence de ce qui se définit comme « anciens » et « modernes » dans le jazz montréalais. La composition Murs de verre est le dernier enregistrement du saxophoniste Mario Allard. Tout y est joué avec une finesse exceptionnelle, sublimé par la trompette de Jacques Kuba Séguin. On y entend non pas une, mais plusieurs mélodies, teintées d’une pointe de mélancolie.

La mule – captivante et inventive

Nous terminerons avec l’étrange création, La mule. S’inscrivant entre les ateliers du contrebassiste Charles Mingus et la science du compositeur Gil Evans, il est impossible de ne pas établir de parallèles. L’atmosphère résolument moderne s’étend comme une musique de film, captivante et inventive.

Jazzlab Orchestra – les musiciens et musiciennes

Nous rencontrons le regretté saxophoniste Mario Allard, qui nous a quittés beaucoup trop tôt, ainsi que la saxophoniste soprano, alto, et ténor Annie Dominique, la saxophoniste soprano/ténor Claire Devlin, les trompettistes Jacques Kuba Séguin et Nicolas Riverin, le tromboniste Thomas Morelli-Bernard, les pianistes François Bourassa et Marie-Fatima Rudolf, le batteur Michel Lambert, le saxophoniste ténor Michael Johancsik et, bien sûr, le maître des lieux, Alain Bédard, à la contrebasse.

1e rangée de g. à d. :

Thomas Morelli-Bernard – trombone
Michel Lambert – batterie
Alain Bédard – contrebasse
Claire Devlin – saxophones soprano, ténor

2e rangée de g. à d. :

Erik Hove – saxophone alto, flûte
Mario Allard – saxophones alto, baryton
Marie-Fatima Rudolf – piano
Jacques Kuba Séguin – trompette

3e rangée de g. à d. :

Michael Johancsik – saxophone ténor, flûte
Nicolas Riverin – trompette
François Bourassa – piano
Annie Dominique – saxophones alto, soprano, ténor, baryton

Thanks Collier / Amigos / Murs de verre / Outer Chamber / Night Bus / EMT / Turbulence / Celestases / La Mule / Le Septième Continent

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Crédit photo: Albe

Jazzlab Orchestra et Greg Lamy @ Repentigny (9 déc)

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Quite Sane revenait en avril dernier avec le dernier volet de To Kill a Child of Troubled Times, ambitieux triptyque déployé sur trois EP (Prologue, Mythos, et Epilogue) parus entre septembre 2025 et avril 2026, récemment réunis dans une édition vinyle 180g destinée aux oreilles les plus exigeantes.

Bassiste, producteur et tête pensante du projet Quite Sane, Anthony Tidd s’est forgé une solide réputation, autant auprès de la scène jazz d’avant-garde que du hip-hop, notamment grâce à ses collaborations avec The Roots. Dans le sillage d’un premier album-concept, The Child of Troubled Times (2002), le bassiste réitère cet heureux mélange de spiritual jazz, spoken word, hip-hop et expérimentations héritées de l’esthétique M-BASE, chère à son mentor Steve Coleman.

Entouré d’un impressionnant collectif avec Melissa Aldana, Miguel Zenon et…

Entouré d’un impressionnant collectif incluant Melissa Aldana, Miguel Zenón, Miles Okazaki, Paul Cornish et les voix de Kokayi, Queen Jo et Laurin Talese, Anthony Tidd livre une œuvre dense, politique, torturée, mais empreinte de beauté.

Prologue – Melissa Aldana, Laurin Talese, Anthony Tidd…

Le premier volet, Prologue (2025), impose immédiatement son climat tendu. No Child is an Island s’ouvre sur une introduction de basse rappelant la transe spirituelle de Coltrane, avant de bifurquer vers un dialogue engagé entre MC Kokayi et la chanteuse Laurin Talese, culminant dans un swing souple porté par un magnifique solo de Melissa Aldana.

Survival plonge ensuite dans un groove hip-hop syncopé où la basse massive d’Anthony Tidd soutient les interventions détendues de Miles Okazaki, évoquant parfois le funk-jazz décalé d’Esperanza Spalding. La seconde moitié de l’EP s’assombrit nettement avec They Are Always Our Children et A Mother’s Story, toutes deux reposant sur des motifs chromatiques anxiogènes et des rythmiques volontairement instables qui renforcent la charge dramatique.

Mythos – Queen Jo, Laurin Talese, Kokayi…

La musique prend une tournure plus narrative et labyrinthique avec le deuxième volet, Mythos. La première pièce A Father’s Story avance sur une pulsation lourde dominée par les harmonies vocales volontairement dissonantes des chanteuses Queen Jo et Laurin Talese, alors que la suite Shorty’s Story / Shorty’s Dilemma I et II constitue le véritable cœur de l’œuvre.

Kokayi y déroule le destin de Shorty, malheureux protagoniste du récit, à travers une suite progressive et foisonnante où les interventions instrumentales surgissent comme des émotions à fleur de peau. Les arrangements vocaux, particulièrement élaborés, multiplient les mélodies angulaires et les jeux de tension. Dans la dernière section, le dialogue entre les deux chanteuses fait lentement basculer la musique vers une forme de chaos contrôlé, aussi inquiétant que cathartique.

Epilogue – Miles Okazaki, Paul Cornish…

Epilogue conclut le triptyque avec une intensité plus retenue, mais tout aussi poignante. Les deux parties de Shorty’s Demise prolongent l’atmosphère funèbre des épisodes précédents à travers des harmonies lugubres et des rythmes tranchants, contrebalancés par les lignes aériennes du guitariste Miles Okazaki.

La pièce-titre apporte ensuite une éclaircie bienvenue grâce à une approche plus funky et lumineuse où Queen Jo et Laurin Talese brillent dans des arrangements vocaux plus lyriques. Enfin, They Were Always clôt ce périple sur une ballade somptueuse centrée autour du piano de Paul Cornish, constamment perturbé par des dissonances discrètes qui entretiennent le climat instable et empêchent toute résolution.

C’est précisément ce qui fait de To Kill a Child of Troubled Times une œuvre aussi totale et fascinante : une œuvre oppressante, exigeante dans la durée, mais très gratifiante pour quiconque accepte de se laisser aspirer dans son univers.

Quite Sane – To Kill a Child of Troubled Times – Prologue/Epilogue/Mythos

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Le Bolduc Groove Quintet (2026) de Rémi Bolduc, c’est ce que nous pourrions appeler un disque estival qui sent bon les festivals à venir et la joie de vivre ! Quel bonheur ce groove que nous proposes Rémi, Chantel, Nick, Ira et Rich !

Le Bolduc Groove Quintet (2026) de Rémi Bolduc, un de nos piliers de la scène jazz

Tout le monde connaît le nom du saxophoniste alto Rémi Bolduc, qui fait partie des piliers de la scène jazz de Montréal et du Québec depuis trois décennies. Il est en outre un professeur attentif et aimé de ses élèves. Il est intéressant de noter que sa sonorité est présente chez plusieurs jeunes artistes de jazz qui viennent de débuter leur carrière.

Avec Chantel de Villiers, Nick Semenykhin, Ira Coleman et Rick Irwin

Avec Le Bolduc Groove Quintet (2026) qui évoque souvent l’influence du légendaire Julian « Cannonball » Adderley, mais avec un son moins rond, Rémi Bolduc nous offre un disque joyeux qui fleure bon le funk et le groove, avec un je-ne-sais-quoi de dynamique qui nous rend deux fois plus heureux. Autour du maître des lieux, nous retrouvons la saxophoniste ténor/ vocaliste Chantel de Villiers, le guitariste Nick Semenykhin, le vétéran contrebassiste Ira Coleman et le batteur Rick Irwin.

 Avec The Lickin’ le bal musical commence bien

Pour vous convaincre du bien-fondé de nos écrits, il est essentiel que vous commenciez avec la première composition : The Lickin’. Adossé à une guitare « wa wa », un batteur émule du regretté Idris Muhammad, Rémi Bolduc fait feu de tout bois. Athlétique à souhait, funky juste comme il le faut sans que cela ne paraisse emprunté, le tout sublimé par les vocalises de Chantel de Villiers, autant dire que le bal musical commence bien.

Avec Jazz Buzz, nous plongeons au cœur des années 50 et 60

Avec Jazz Buzz, nous plongeons au cœur des années 50 et 60. La musique est profondément ressentie sur un terrain semi-modal où l’altiste caresse les lignes mélodiques avec le même feu sacré, sans abuser des chorus. En somme, il mène très bien son navire avec ses complices qui l’entourent admirablement bien.

Ballade pour Chantel, un morceau empreint d’émotion et de mélancolie

C’est le cas de Ballade pour Chantel, un morceau empreint d’émotion et de mélancolie. Nous assistons à un échange tendre où l’alto et le ténor ne font qu’un. Le romantisme était pur, une communion certaine qui fait, sans employer une expression galvaudée, du bien à l’âme. Tout est dit !

Un jazz intelligent marqué par des esthétiques complexes, mais sans être scolaire. C’est une chance pour nous !

The Lickin’ / Paper Trail / Réflexion Harmonique / Ballade pour Chantel / Jazz Buzz / Rhythm Delight / Nuit Tropicale / Sunset Square

Rémi Bolduc – saxophone alto et compositions
Chantel De Villiers – saxophone ténor et voix
Nick Semenykhin – guitare
Ira Coleman – contrebasse
Rich Irwin – batterie

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Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Entrevue : Rémi Bolduc et Le Bolduc Groove Quintet @ Studio TD (9 avril)

Photos : Valérie Gassien et Alain Mercier

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Avec Franky Freedom II (2026), le batteur et producteur François Laliberté signe un deuxième album particulièrement ambitieux, proposant une fusion à la croisée du jazz contemporain et d’un large spectre de musiques électroniques. En concert de lancement le 29 mai @ la Sotterenea.

Entouré d’une pléiade de musicien·nes de très haut calibre : Robin Mullarkey, Evan Marien et Mark Lettieri

Entouré d’une pléiade de musicien·nes de très haut calibre, incluant Robin Mullarkey (Jacob Collier, Steven Wilson), Evan Marien (Tigran Hamasyan, Wayne Krantz) et Mark Lettieri (Snarky Puppy), le batteur évite habilement l’effet vitrine, la proposition musicale tenant avant tout par la cohérence de sa vision. Laliberté semble avoir trouvé la recette d’une fusion réussie, capable de traverser les genres sans tomber dans l’excès ni la démonstration gratuite.

FFII, D&B DTGF  – mélodies planantes, batterie furieusement funky

Après une courte intro vaguement holdsworthienne, FFII donne le coup d’envoi avec un condensé de tout ce que l’album a à offrir : mélodies planantes, batterie furieusement groovy, basse chirurgicale, synthés enveloppants. L’ensemble avance avec momentum et finesse, donnant immédiatement envie de monter le son. D&B DTGF prolonge cette lancée en accentuant le côté électro, avec des couleurs EDM, lo-fi, voire même dubstep par moments. Guillaume Carpentier s’en donne à cœur joie, livrant un solo de saxophone fougueux sur une trame rythmique survoltée et très détaillée, mettant en valeur la production particulièrement léchée.

Like a Dream, Kyosai, For Ralph 

La voix de Mel Pacifico charme d’emblée sur Like a Dream, portée par la guitare funky et millimétrée de Mark Lettieri. L’ensemble flirte avec une future funk rêveuse, enrichie d’harmonies vocales soignées et d’un groove qui ne lâche jamais le morceau. Kyosai vient créer un contraste intéressant avec la guitare angulaire et nerveuse de Lorenzo Ceci, sur un rythme fortement syncopé, alors que la voix de Mel Pacifico s’y fond avec naturel. Puis For Ralph met le bassiste Gary Willis à l’avant-plan avec un son solo de basse sans frettes passant d’un lyrisme fluide et contemplatif à une finale explosive.

Closer, OUI, Popcorn, Moment

La dernière partie de l’album s’ouvre avec Closer, qui offre enfin à François Laliberté l’espace nécessaire pour ouvrir les vannes le temps d’un break de batterie ravageur, aussitôt relayé par un autre superbe solo de Gary Willis. Plus loin, OUI met de l’avant le saxophoniste Julien Fillion sur une pièce courte mais chargée à bloc, tout en creusant davantage le côté électro de l’album avec des textures plus lourdes et saturées. Popcorn emprunte ensuite une voie plus pop, portée avec aplomb par la voix puissante de Léonie Gray, avant que Moment ne vienne clore l’album sans grande pompe, presque en suspension.

Franky Freedom II – un régal du début à la fin

Un régal du début à la fin, Franky Freedom II (2026) impressionne autant par l’assurance que par la maturité de la vision de François Laliberté, sans compter les performances de très haut vol d’une impressionnante brochette d’artistes invités. Un album qui possède tout ce qu’il faut pour trouver son public bien au-delà du seul cercle des amateur·rices de jazz, ce qui est déjà en soi une réussite.

Dans la foulée des récents projets d’artistes comme Carl Mayotte, Julien Fillion et Rémi Cormier, voire Angine de Poitrine si on élargit quelque peu le scope, la scène musicale québécoise apparaît aujourd’hui en excellente posture sur le terrain créatif.

1. FFII (mettant en vedette Gary Willis) / Gary Willis (basse), Loik Martin (guitare), Guillaume Carpentier (saxophone)
2. D&B DTGF (mettant en vedette Guillaume Carpentier) / Robin Mullarkey (basse), Guillaume Carpentier (saxophone), Loik Martin (guitare).
3. Like a Dream (mettant en vedette Mark Lettieri et Mel Pacifico) / Mark Lettieri (guitare), Mel Pacifico (voix & co-écriture), Robin Mullarkey (basse).
4. Kyosai (mettant en vedette Mel Pacifico et Lorenzo Ceci) / Mel Pacifico (voix), Lorenzo Ceci (guitare), Robin Mullarkey (basse).
5. For Ralph (mettant en vedette Gary Willis) / Gary Willis (basse), Guillaume Carpentier (saxophone), Loik Martin (guitare).
6. Closer (mettant en vedette Evan Marien et Mel Pacifico) / Evan Marien (basse), Mel Pacifico (voix & co-écriture), Johan Modrin (guitare).
7. OUI (mettant en vedette Julien Fillion) / Julien Fillion (saxophone), Robin Mullarkey (basse).
8. Popcorn (mettant en vedette Léonie Gray) / Léonie Gray (voix & écriture), Johan Modrin (guitare), Robin Mullarkey (basse).
9. Cowabunga / Johan Modrin (guitare), Robin Mullarkey (basse).
10. Moment (mettant en vedette Mel Pacifico) / Mel Pacifico (voix & co-écriture), Robin Mullarkey (basse).

Franky Freedom II (2026)

François Laliberté – batterie, compositions / réalisation
Mel Pacifico – voix
Guillaume Carpentier – saxophone
Gabrielle Gélinas – basse
Loik Martin – guitare
Mark Lettieri – guitare (invité spécial)

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Franky Freedom II – concert de lancement : vendredi 29 mai 19 h 30 @ Sotterenea – 4848 St-Laurent

Un concert de lancement est prévu le 29 mai @ Sotterenea avec Mel Pacifico (voix), Guillaume Carpentier (sax), Gabrielle Gélinas (basse), Loik Martin (guitare) et son invité spécial Mark Lettieri (guitare). Ce concert sera d’ailleurs un plateau double avec Franky Freedom en 1e et le Mark Lettieri Group (Snarky Puppy) en 2e.

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Crédit photo : Oli Campeau

Louis Cole – Quality over Opinion (2022)

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Can You Hear The Birds ? (2026) est le quatrième album de Gentiane MG, pianiste et compositrice. Comme nous la suivons depuis ses débuts, il est juste de dire que notre enthousiasme est toujours aussi vif, car elle ne se laisse pas influencer par les tendances ou les vents dominants pour que sa popularité dépasse ses espérances.

Can You Hear The Birds ? (2026) – finesse et profondeur des compositions

Après avoir écouté attentivement cet enregistrement deux fois, il est clair que la finesse, la précision horlogère et la profondeur des compositions sont bien là.

Avec le contrebassiste Levi Dover et le batteur Mark Nelson, elle cultive à sa manière l’art du trio,

S’il vous plaît, ne pensez pas que c’est du jazz pour les intellectuels, comme je l’entends trop souvent dire. Certes, nous retrouvons l’influence du légendaire Keith Jarrett, ce qui s’avère en tout point précieux. Soutenue par le contrebassiste Levi Dover ainsi que le batteur Mark Nelson, elle cultive à sa manière l’art du trio, un peu comme le fit une autre légende, le pianiste Bill Evans.

Chapeau aussi aux preneurs de son qui ont réussi à capturer la chaleur et la résonance du piano, comme s’il était juste à côté de vous.

Two Lives One Heart ouvre essentiellement la danse : l’inspiration est constante

Nous allons maintenant aborder cette nouveauté qui se décline avec huit plages aussi créatives les unes que les autres. Avec notre interprète, rien ne sera laissé au hasard, comme l’indique Two Lives One Heart, qui ouvre essentiellement la danse. L’articulation est parfaite, flottant dans une atmosphère poétique captivante. L’inspiration constante de cet artiste est nourrie par les deux acolytes qui tissent un écrin pour cette « poète » musicale que nous admirons tant. Répétons-le deux fois : nous l’admirons énormément.

Dans Can You Hear The Birds ? le piano se transforme en passerelle

Dans Can You Hear The Birds ?, le piano se transforme en passerelle, trouvant des influences tant dans la musique classique que dans le jazz. Nous pensons parfois à Ahmad Jamal. Le charme est indéniable et il est accentué par une tension qui évoque les contours de l’âme. Soulignons l’apport du contrebassiste Levi Dover.

Standing On a Cloud évoque la trame sonore d’un roman policier

Avec Standing On a Cloud, Gentiane MG nous propose une balade qui évoque la trame sonore d’un roman policier. On y trouve l’attente du détective, ses questionnements. Tout cela représente un travail d’équipe remarquable.

Tomber comme un papillon – une composition énigmatique

Nous terminerons avec Tomber comme un papillon, une composition énigmatique avec des silences évocateurs. Tout réside dans la ponctuation, la souplesse du jeu et la complexité de la figure rythmique d’ou émane un fort sentiment lyrique.

Un disque remarquable qui séduira tant les mélomanes de jazz que les amateurs de musique en général.

Gentiane MG : piano et compositions
Levi Dover : contrebasse
Mark Nelson : batterie

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Christophe Rodriguez

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Gentiane MG au FIJM 2023 : envoûtante

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Deuxième volet du projet Side-Eye amorcé en 2021, Side-Eye III+ (2026) confirme la longévité de Pat Metheny, un monument de la guitare jazz qui, malgré les années, demeure d’une vivacité créative impressionnante et pleinement ancré dans son temps.

Side-Eye III+ – une sythèse ambitieuse entre l’héritage immédiatement reconnaissable de Pat Metheny et une palette sonore élargie

Misant sur la collaboration avec une nouvelle génération de musiciens, le projet voit Pat Metheny évoluer en trio aux côtés du claviériste Chris Fishman et du batteur Joe Dyson, ainsi qu’une quinzaine d’invités dont la harpiste Brandee Younger et un ensemble vocal dirigé par Mark Kibble. Publié sur sa propre étiquette Uniquity Music, l’album mise sur une synthèse ambitieuse entre l’héritage immédiatement reconnaissable du Pat Metheny Group, et une palette sonore élargie mêlant jazz, gospel, textures orchestrales et électros.

In On It, Don’t Look Down

Dès les premières mesures de In On It, la patte du guitariste s’impose avec des lignes de guitare aériennes et une dynamique rythmique fluide portée par Joe Dyson et le percussionniste Luis Conte. La pièce évolue par contrastes, alternant moments suspendus et montées d’intensité, tout comme Don’t Look Down qui prolonge cette esthétique proche des grandes heures du Pat Metheny Group. L’ensemble gagne même par moment une dimension quasi symphonique, où les textures vocales et électros créent une impression d’élévation continue, tout en conservant un ancrage évident dans l’univers du guitariste.

Make a New World, Urban and Western et SE-O

Mais le cœur de l’album repose sur un minutieux travail rythmique et textural, comme sur Make a New World avec ses longs développements où improvisation et écriture se répondent. À l’inverse, Urban and Western et SE-O tirent pleinement parti de l’énergie collective avec ses grooves bluesy, orgue Hammond et envolées gospel qui insufflent une énergie nouvelle au jeu du guitariste. Le batteur Joe Dyson s’y distingue particulièrement avec son jeu rythmique souple et réactif qui permet à la guitare de naviguer librement entre tension et relâchement.

Our Old Street, So Far So Good

Les moments plus introspectifs, comme Our Old Street ou So Far So Good, révèlent une autre facette du projet avec la guitare acoustique qui installe une atmosphère plus contemplative, subtilement enrichie par la harpe et les nappes vocales. Pourtant, malgré la richesse des différents timbres apportés par les musiciens invités, plusieurs instruments demeurent discrets dans l’ensemble, voire sous-exploités. Certains ou certaines verront d’ailleurs une contradiction entre cet élan collectif revendiqué par Side-Eye III+ (2026) et la présence dominante de Pat Metheny.

Malgré cela, l’album n’en reste pas moins extrêmement abouti, confirmant la vitalité d’un artiste toujours en quête de renouvellement, sans jamais renier son identité.

Pat Metheny – guitare
Chris Fishman – claviers
Joe Dyson – batterie
Daryl Johns – basse
Brandee Younger – harpe
Luis Conte – percussions
Vincent Peirani – accordéon

Ensemble vocal – direction Mark Kibble

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Pat Metheny – Side-Eye NYC (V1.IV)

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Le but de tout chroniqueur et, en plus, de Sortiesjazznights.com (SJN), est de donner un coup de pouce aux aspirantes et aux aspirants. Si ma mémoire est bonne, j’ai entendu Maude Fortier pour la première fois l’année dernière lors de la fête annuelle/jam session de SJN @ La Sala Rossa. Maude Fortier, artiste passionnée, vient de se lancer dans l’arène musicale avec cette nouvelle création, Echoes of Change (2026), inspirée par son travail acharné.

Maude Fortier – un attaque tranchante et un modernisme

Elle réussit habilement à faire le pont entre les « anciens » et un modernisme léger. Dès la première écoute, on perçoit l’influence du professeur et musicien Remi Bolduc (bravo !) ainsi que de Phil Woods. Le son est arrondi, l’attaque est tranchante, avec juste ce qu’il faut de swing pour nous remplir de joie. Il est important de souligner l’absence d’académisme.

Echos of Change – avec August McKinney Juno Hamilton et Julian Ferrer

Entouré d’August McKinney au piano, de Juno Hamilton à la contrebasse ainsi que de Julian Ferrer à la batterie, notre altiste présente de brillantes compositions, dont la pièce-titre Echos of Change. Cette pièce est un morceau roboratif et bien équilibré qui met en lumière notre artiste sans pour autant reléguer ses collègues à l’arrière-plan, leur offrant plutôt un écrin élégant.

Lennie By Starlight et Lennie Tristano

Tandis que sur Lennie By Starlight, on remarque une inspiration provenant du pianiste et compositeur Lennie Tristano. Une sonorité décontractée, semblable à celle de l’altiste Phil Woods, que nous considérons comme une influence majeure sur Maude Fortier.

My One and Only Love – une interprétation poétique de l’altiste Maude Fortier

Voici venu ce standard, sublimé jadis par John Coltrane et la voix du baryton Johnny Hartman : My One and Only Love. Sans être méchants, nous
« l’attendions au passage ». Pour donner un peu plus de substance à cette immense composition, elle va chercher les accents graves de son instrument avec une intelligence certaine. Sans « démonter » la structure, elle puise au cœur de cette composition en se faisant un peu parkérienne.

Ce fut donc une très belle surprise, sans qu’on sente l’apprentissage, et bravo au jeune pianiste qui accompagne pas à pas l’interprétation poétique de l’altiste.

Uncertain Times – bop et up-tempo

Nous conclurons sur Uncertain Times. Cette composition se déroule en rythme à des moments incertains. Il s’agit d’un excellent morceau très bop dans son essence, « up tempo » qui met en vedette le pianiste August McKinney. Le swing est constant avec de brillants chorus qui témoignent d’une certaine imagination. De beaux jours s’annoncent pour cette jeune interprète, qui ne sont pas légion dans le monde de la musique bleue.

Espérons que le Festival International de Jazz de Montréal, ou d’autres festivals, prendront sous son aile cette jazzwomen en devenir.

Memories Of BSP / Lennie By Starlight / Réverbère / Jackie’s Way / Inner Voice / My One and Only Love / Better Luck Next Time / Uncertain Times

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En concert @ Cabaret Chic Le Balcon

Mercredi 22 avril @ 19 h : billetterie
Cabaret Chic Le Balcon
463 Rue Sainte-Catherine Ouest

Maude Fortier – saxophones
August McKinney – piano
Juno Hamilton – contrebasse
Julien Ferrer – batterie
Najib Fenaoui – voix

Photos : Brad Hurley

Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Plongez dans l’univers vibrant d’Echoes of Change (2026) de Maude Fortier @ Cabaret Chic Le Balcon (25 mars)

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