Poète, militante et musicienne basée à Los Angeles, Aja Monet lançait récemment The Color of Rain (2026), approfondissant l’univers poétique et surréaliste esquissé sur son premier album paru en 2023 et nommé aux Grammy Awards.

Entourée de la géniale bassiste et productrice Meshell Ndegeocello, du batteur Justin Brown et d’un collectif de musicien·nes réunissant notamment Burniss Travis, Josh Johnson, Georgia Anne Muldrow, Novena Carmel et Ambrose Akinmusire, la poète livre quinze nouveaux titres à la croisée du spoken word, du jazz spirituel et de la soul, en ne négligeant pas le côté expérimental qui fait sa marque. Plus « musical » que ses parutions précédentes, The Color of Rain (2026) ne se contente pas de mettre en musique ses textes, il les prolonge et leur confère plus de profondeur expressive.

say it with your chest invite et hollyweird

Dès l’ouverture, say it with your chest invite à la prise de parole engagée. Les cuivres feutrés, les claviers et les percussions soutiennent une voix qui tient autant de l’incantation que de la poésie. Plus loin, hollyweird brosse un portrait sublimé de Los Angeles, entre showbusiness et saturation médiatique. La poète y déploie un flot d’images qui traduisent l’absurdité de notre époque et la difficulté de trouver un sens dans un monde où le vacarme médiatique perpétuel étouffe l’essentiel. Sous sa plume, les enjeux sociaux deviennent une expérience sensorielle, sans jamais sacrifier la musicalité.

for the Congo, skinfolk, melting clocks et every media minute

On retrouve le cœur du propos de l’album dans for the Congo, où des percussions et des chœurs hypnotisants portent une réflexion sur les rapports de domination, la violence et notre complicité collective. Plutôt que de se livrer à un discours militant traditionnel, Aja Monet privilégie l’émotion et le poids des mots, à travers la répétition et l’interpellation directe. À l’inverse, skinfolk célèbre la beauté et la résilience dans une ambiance douce et lumineuse, soutenue par la harpe et des harmonies chaleureuses. Entre ces deux extrêmes, melting clocks explore notre rapport au temps au fil d’une réflexion sur la mémoire, alors qu’every media minute traduit l’épuisement mental engendré par le flux incessant d’informations et d’images qui envahit notre quotidien.

I Came to the Poem et indigo

L’album révèle également une facette plus intime de l’artiste, notamment sur working class musicians, une des pièces les plus accessibles où Aja Monet évoque avec tendresse les sentiments de précarité, de persévérance et de solidarité du milieu artistique. I Came to the Poem, presque totalement dépouillée de musique, rappelle la puissance de sa voix et son attachement profond à la poésie. En fin de parcours, indigo clôt l’album sur une note lumineuse, où amour et esprit apparaissent comme autant de refuges face aux angoisses du monde d’aujourd’hui.

say it with your chest / elsewhere (avec Meshell Ndegeocello et Georgia Anne Muldrow) / withness / hollyweird / skinfolk / for the Congo / i came to the poem / to sister (avec Ganavya et Brandee Younger) / i know that i don’t know / working class musicians / love is a choosing (avec Mereba) / song of myself / melting clocks (avec Mick Jenkins et Vic Mensa) / every media minute / indigo

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La force et la virulence du message de The Color of Rain (2026) trouvent leur équilibre dans des moments de grâce qui invitent autant à s’indigner qu’à renouer avec sa propre sensibilité. À ne pas manquer, et à voir en spectacle le 4 juillet prochain au Studio TD dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal.

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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En ce mois de juin, une autre surprise nous attend : le disque du batteur guadeloupéen Kulusé Souriant, intitulé Douvan (2026). Il m’était jusqu’alors inconnu et lançait son nouveau projet le 21 mai dernier au Cabaret Jazz L’Entracte.

Kulusé Souriant avec du beau monde

Pour cette première, il y a du « beau monde » avec les saxophonistes Geneviève Gauthier/Antonin Bougault, Salomé Perli (claviers, effets, voix), le brillant pianiste Santiago Ferrer, le contrebassiste Sean Burke et, comme invitée, la chanteuse Malika Tirolien ainsi que le percussionniste Leo “Tibao” Leborgne. Maintenant que la scène est plantée, voyons ce que nous réserve ce Dovan (2026).

Malika Tirolien et Kulusé Souriant

Horizon avec Malika Tirolien – remplie de références et d’hommages

La première pièce, intitulée Horizon est remplie de références et d’hommages. On y entend des éléments qui rappellent les univers de Yussef Lateef et Pharoah Sanders, avec une écriture qui mélange la voix de Malika Tirolien, les saxophones et le clavier Fender Rhodes. Cette semi-ballade donne le ton. Quant au pianiste Santiago Ferrer, il sublime le tout. Une patte imposante, souvent musclée et tellement poétique.

Refuge – entre free-jazz et classicisme

Alors que Refuge oscille entre un free-jazz de qualité supérieure et une touche de classicisme qui sert de cadre doré au pianiste, nous louons une fois de plus le labeur de ce jeune artiste.

Rhizome se construit sur des mélodies élégantes

En 8 minutes, Rhizome se construit sur des mélodies élégantes, dominées par les saxophonistes avec juste ce qu’il faut de mordant. Le jeu est structuré, logique, mais parfois un peu trop subtil. Finalement, nous tentons de saisir son intention.

Compassion – un duo de saxophones

Avec Compassion, le jeu est dominé par le duo de saxophones qui se répondent. Il ne s’agit pas d’une course ou d’un « cuttin’ contest » comme il en existait dans les années 30 à Chicago. La complexité est de mise, nous songeons parfois à l’équilibre délicat, à la manière du compositeur George Russell.

Antonin Bourgault Geneviève Gauthier

Pour une première, nous découvrions une nouveauté consistante marquée par une attention très soutenue sur la composition, le choix des œuvres ainsi que le complément entre les différents interprètes. Parfois on aurait apprécié un peu plus de tonus, mais donnons la chance au coureur.

Horizon ( avec Malika Tirolien) / Resilience / Anecdote (avec Leo Tibao Leborgne) / Solitude / Heritage (avec Jaklin Etienne) / Gratitude / Refuge / Rhizome / Compassion

Kulusé Souriant – batterie, compositions et textes
Geneviève Gauthier – saxophone alto
Antonin Bourgault – saxophone ténor, effets
Santiago Ferrer – piano
Sean Burke – contrebasse
Salomé Perli – claviers, effets, voix

invités :

Jaklin Etienne – voix
Malika Tirolien – voix
Leo “Tibao” Leborgne – ka, percussions, boulagyèl

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

photos : Simon Bobcat Grenier

Certified Organic 4tet, LeCypherX, USBB plus invités @ Cabaret Jazz L’Entracte (16 mai 2026)

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Guitariste parmi les plus célébrés de sa génération, Julian Lage poursuit son parcours chez Blue Note avec Scenes From Above (2026), son cinquième album sur le mythique label.

Le guitariste s’entoure pour l’occasion d’une nouvelle formation incluant le bassiste Jorge Roeder, le claviériste John Medeski et le batteur Kenny Wollesen, auxquels se joint ponctuellement Patrick Warren au clavier et aux percussions. Conçu au fil de courts sprints de composition intensive et entièrement dédié à son père, Scenes From Above (2026) met de côté les élans post-bop de Speak to Me (2024) pour explorer un univers où se croisent jazz fusion, soul, musique de chambre et folklore américain.

Dès l’ouverture de Scenes From Above (2026) Opal installe une atmosphère lumineuse

Dès l’ouverture, Opal installe une atmosphère lumineuse et estivale. La guitare douce et lyrique de Julian Lage dialogue avec le clavier aérien de John Medeski, qui colore en retour chaque phrase musicale de nuances délicates. Red Elm prolonge cette ambiance avec sa ligne de basse hypnotique qui sert de point d’ancrage à un jazz empreint de soul. Le groupe privilégie ici la fluidité plutôt que la démonstration ostentatoire, laissant les textures se construire naturellement tout en mettant en valeur l’immense sens mélodique du guitariste.

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie avec son côté funk qui rappelle par moments l’esthétique unique du trio Medeski Martin & Wood, avec les claviers à l’avant-plan. Havens propose une ambiance plus contemplative, enrichie par les interventions de Patrick Warren et une instrumentation étoffée. Entre groove discret, percussions et nappes de claviers, le morceau arbore une dimension quasi cérémoniale et spirituelle. Plus loin, Solid Air et Storyville ouvrent la porte à des climats plus atmosphériques et à davantage de spontanéité, flirtant par moments avec le psychédélisme et l’improvisation libre.

Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue

La dernière partie de l’album est sans doute la plus convaincante, à commencer par Ocala qui séduit par son élégance acoustique et ses subtils accents de calypso, alors que Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue. Enfin, Something More clôt l’album sous forme de communion musicale empreinte d’espoir aux accents country.

Scenes From Above (2026), un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière

Sans révolutionner le genre, Scenes From Above (2026) maintient son pouvoir de séduction au fil de neuf nouveaux titres qui parviennent à tirer le meilleur d’un groupe de musiciens aux profils bien différents. Julian Lage confirme une fois de plus son talent de bandleader et sa capacité à créer un espace d’écoute et de liberté collective, tout en opérant un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière.

Il sera d’ailleurs au Festival International de Jazz de Montréal le 4 juillet en duo avec Christian McBride.

Opal / Red Elm / Talking Drum / Havens / Night Shade / Solid Air / Ocala / Storyville / Something More

Julian Lage – guitare et compositions
John Medeski – orgue, claviers et piano
Jorge Roeder – basse
Kenny Wollensen – batterie

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Le bonheur d’une chronique est de suivre, année après année, le travail d’une brillante pianiste, et d’apprécier un nouvel opus, tel que Terr (2026) de la pianiste et compositrice Emie R Roussel, que j’avait découvert au Festi Jazz International de Rimouski.

Instinctivement, je me suis dit que cette jeune dame ferait un bout de chemin, grâce à son calme et à son travail tout en dentelles. Gastronome à ses heures et propriétaire du studio d’enregistrement Opus, j’attendais donc avec impatience ce nouvel opus.

Terr (2026) avec Nicolas Bédard et Dominic Cloutier

Effectivement, je ne fus pas déçu. D’abord, il y a le lyrisme, pas le «  faisandé » , mais celui qui émane précisément d’une passion pour l’art de la musique commune. Elle est accompagnée par Nicolas Bédard à la basse électrique et Dominic Cloutier à la batterie. L’entente est parfaite. La basse ainsi que la batterie soutiennent admirablement le piano.

Avec L’écho des brumes, nous nous retrouvons au bord du majestueux fleuve Saint-Laurent

Une mélodie simple aux tonalités envoûtantes, marqué par une prise de son rapprochée. Avec L’écho des brumes, nous nous retrouvons au bord du majestueux fleuve Saint-Laurent. Une invitation au voyage, assurément, où le pianiste raconte doucement des histoires à l’oreille de son public, appuyé en arrière-plan par les clapotis évanescants de son Fender Rhodes. Le temps qui passe et qui se révèle magnifique grâce au bassiste électrique, qui possède également un véritable talent pour raconter des histoires.

Vous serez comblés par les compositions John rêve en noir et blanc ainsi que par Sous une odeur d’ozone

Dans la catégorie nostalgie, vous serez comblés par les compositions John rêve en noir et blanc ainsi que par Sous une odeur d’ozone. Emie R. Roussel fusionne sa science des 88 touches avec celui du Fender Rhodes pour créer des atmosphères lumineuses empreintes de sérénité, avec juste ce qu’il faut de swing tendu. Tout est soigneusement construit et articulé sans jamais tomber dans le « je joue pour moi ».

En d’autres termes, Emie et ses acolytes nous accueillent de la plus belle des manières. Et c’est ainsi que nous avons éprouvé de la joie après deux écoutes attentives.

TERR / Trois lunes / L’écho des brumes / John rêve en noir et blanc / Sous une odeur d’ozone / Lueur des feuilles oubliées / Klara Färdiga Gå

Dominic Cloutier – batterie
Emie R Roussel – piano
Nicolas Bédard – basse

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Christophe Rodriguez

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Photos : De Mano

Emie R Roussel Trio – Rythme de passage (2020)

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Bitches Blues (2026) marque la deuxième parution du trio Hedvig Mollestad Weejuns, un projet réunissant la guitariste norvégienne Hedvig Mollestad, le claviériste Ståle Storløkken et le batteur Ole Mofjell.

Bitches Blues (2026) – une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation

Là où le premier album privilégiait les structures ouvertes et l’improvisation libre, ce nouvel opus adopte une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation. On navigue entre jazz-rock, rock progressif et psychédélique, voire apocalyptique par moment, mais l’ensemble conserve une fraîcheur et une spontanéité remarquables grâce à une dynamique collective particulièrement organique. Plutôt que de mettre constamment la guitariste au premier plan, elle se fond complètement dans le dialogue et les textures denses de l’ensemble.

On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis

La pièce-titre Bitches Blues ouvre l’album avec une énergie brute et menaçante. On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis auquel le titre de l’album fait écho : guitares saturées, orgue massif et batterie s’entrechoquent librement avant que le morceau ne se cristallise progressivement autour d’un groove plus solide. Les références au jazz fusion et au prog-rock des années 1970 sont évidentes, mais la pièce conserve une dimension plus libre et imprévisible, en hésitation constante entre contrôle et débordement. Même lorsque la musique semble sur le point de basculer dans le chaos, le trio retient toujours son élan pour mieux reconstruire la tension ensuite.

Kompet Blir et For A Moment I Thought I Could Hear You, plus contemplatifs

Le cœur de l’album repose toutefois sur ses morceaux plus contemplatifs. Kompet Blir ralentit considérablement le rythme avec une pulsation lourde et hypnotique sur laquelle flottent des lignes d’orgue fantomatiques. Une ambiance nocturne et inquiétante se développe, rappelant parfois certaines dérives psychédéliques du rock progressif. For A Moment I Thought I Could Hear You pousse encore plus loin l’introspection avec une guitare délicate et des accords d’orgue mélancoliques, presque liturgiques. Limite poursuit dans cette direction minimaliste avec ses textures sombres et ses développements très lents. C’est véritablement dans ces moments que le trio démontre sa cohésion et sa capacité remarquable à construire des climats immersifs.

Dynamax – l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale

Ce minimalisme rend d’ailleurs les moments plus agressifs de l’album encore plus efficaces. Dynamax débute dans une atmosphère lourde et ambiguë, avant d’exploser avec ses riffs insistants, ses montées d’orgue et ses rythmes extrêmement physiques. Le morceau illustre parfaitement l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale.

Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif

Enfin, Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif. La guitare flotte au-dessus d’une basse d’orgue grave et de cymbales ténues, créant une impression de tristesse plutôt qu’un véritable crescendo émotionnel. Bitches Blues (2026) réussit ainsi à transformer l’exubérance d’Hedvig Mollestad en une œuvre subtile, atmosphérique et collective. Sans conteste un de mes albums préférés de l’année jusqu’à maintenant.

Hedvig Mollestad – guitare
Ståle Storløkken – claviers, orgue et synthés
Ole Mofjell – batterie

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Bitches Blues / Kompet Blir / For A Moment I Thought I Could Hear You / Limite / Dynamax / Recollection Of Sorrow

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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volume (2026) de l’Ensemble Infini est un disque étonnant qui s’adresse à des auditeurs très expérimentés. Il est dirigé par un jeune homme de 86 ans, le batteur Guy Thouin, co-fondateur de l’Infonie et du Quatuor du Jazz Libre. Il faut admettre que ceux et celles qui ont contribué à l’histoire du jazz au Québec ne sont plus très nombreux.

volume (2026) de l’Ensemble Infini est bien plus qu’un simple exercice de style

L’album volume (2026) de l’Ensemble Infini est bien plus qu’un simple exercice de style. Guy Thouin a côtoyé l’élite du jazz. Par l’entremise de la plateforme Facebook, je découvre chaque semaine de nouvelles compositions avec son complice, le jeune saxophoniste ténor Félix-Antoine Hamel, que j’ai connu comme disquaire. Je vais vous montrer ouvertement que ce n’est pas le genre de jazz que j’écoute. J’ai donc fait mes classes en écoutant du Coltrane, Ayle, Fred Ho, Peter Bronzman, etc…pour me familiariser avec ces genres très éclatés.

L’Ensemble Infini – les musiciens-nnes

En plus du vétéran, on y retrouve la saxophoniste Elyze Venne-Deshaies, les saxophonistes Félix-Antoine Hamel/Andrea Prochazka Mercier, le tromboniste Scott Thomson (également dg du FIMAV qui avait lieu la semaine passée), la pianiste Belinda Campbell, le contrebassiste Pablo Jimenez et finalement à la guitare électrique, le guitariste Raphaël Foisy.

Tabla Plus

Comme je ne savais pas trop sur quelle mine j’allais poser mon oreille, j’ai commencé avec Tabla Plus. À ma grande surprise, bien que des dissonances étaient présentes, j’y ai décelé des fragments de blues teintés des belles heures du tromboniste Ray Anderson. Puis, d’une formation qui m’a fait penser au plus éclectique de ce qu’aurait pu orchestrer le légendaire Gil Evans, mais avec beaucoup de réserves.

Requiem & Fanfare (pour Peter B)

Étant donné que mon ami Félix-Antoine Hamel avait composé Requiem & Fanfare (pour Peter B), je me suis attaqué à la tâche. Tout commence par une introduction frénétique au ténor, qui cadre bien dans l’esprit d’un bon free-jazz. C’est indéniablement une œuvre cohérente avec des structures improvisées parfois délirantes.

Opus II

Opus II, qui évoque le cinéma dans son essence, nous a piégées entre Mad Max et un film noir des années 1970. Des frissons sont garantis grâce à une multitude de chœurs qui étaient tout sauf scolaires.

Pour vous décrasser le cerveau, volume (2026) de l’Ensemble Infini à certaines vertus thérapeutiques.

Free Parking Transcendantal / Japtala – Milford Spirit / Tabla Plus / Rock Memory / Guy médite et résonne / Black Hole / Industrial Jazz / Cartoon / Opus II / Requiem & Fanfare (pour Peter B.) / Sainte-Marie-Blonde-de-Guy / Halloween à Québec / Dream Story / Le sous-sol libre

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Guy “Yug” Thouin – composition, batterie et percussions
Elyze Venne-Deshaies – direction, saxophone ténor, clarinette, clarinette basse et électroniques
Félix-Antoine Hamel – saxophones ténor et soprano
Andrea Prochazka Mercier – saxophones ténor et soprano
Scott Thomson – trombone
Belinda Campbell – piano, Rhodes, synthés et voix
Pablo Jiménez – contrebasse
Raphael Foisy – guitare électrique, synthés et électroniques
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Marilou Lyonnais Archambault – harpe (piste 2)

Christophe Rodriguez

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Cela fait vingt ans le Jazzlab Orchestra fondé par le contrebassiste montréalais Alain Bédard existe. Creusant le sillon jazz, ne se contentant jamais de la première offrande venue, ni des modes, L’ami Bédard offre ave ses complices un jazz de très haute tenue. Dans Glissement de temps (2026), le fondateur et ses corsaires, une dizaine en tout, proposent un paysage élaboré et ciselé qui nécessite une certaine période d’adaptation pour une oreille disons profane.

L’esthétique de Glissement du temps (2026) nous invite à une approche très contemporaine

L’esthétique de Glissement du temps se rapproche de près de l’époque légendaire de Gil Evans et nous invite à une approche très contemporaine, souvent avec beaucoup de muscle et d’inventivité. Il faut la déguster lentement, sans que toutefois cela soit académique. Les musiciens et musiciennes nous invitent à découvrir un travail exigeant, comme vous pourrez le constater avec la première composition : Thanks Collier. Pendant sept minutes, les musiciens et musiciennes s’aventurent dans des tonalités et tempos, sans jamais sombrer dans une note bleue qui perdrait tout son sens.

Murs de verre – le dernier enregistrement Mario Allard – tout est joué avec une finesse exceptionnelle

Donc, un aéropage remarquable qui capture parfaitement l’essence de ce qui se définit comme « anciens » et « modernes » dans le jazz montréalais. La composition Murs de verre est le dernier enregistrement du saxophoniste Mario Allard. Tout y est joué avec une finesse exceptionnelle, sublimé par la trompette de Jacques Kuba Séguin. On y entend non pas une, mais plusieurs mélodies, teintées d’une pointe de mélancolie.

La mule – captivante et inventive

Nous terminerons avec l’étrange création, La mule. S’inscrivant entre les ateliers du contrebassiste Charles Mingus et la science du compositeur Gil Evans, il est impossible de ne pas établir de parallèles. L’atmosphère résolument moderne s’étend comme une musique de film, captivante et inventive.

Jazzlab Orchestra – les musiciens et musiciennes

Nous rencontrons le regretté saxophoniste Mario Allard, qui nous a quittés beaucoup trop tôt, ainsi que la saxophoniste soprano, alto, et ténor Annie Dominique, la saxophoniste soprano/ténor Claire Devlin, les trompettistes Jacques Kuba Séguin et Nicolas Riverin, le tromboniste Thomas Morelli-Bernard, les pianistes François Bourassa et Marie-Fatima Rudolf, le batteur Michel Lambert, le saxophoniste ténor Michael Johancsik et, bien sûr, le maître des lieux, Alain Bédard, à la contrebasse.

1e rangée de g. à d. :

Thomas Morelli-Bernard – trombone
Michel Lambert – batterie
Alain Bédard – contrebasse
Claire Devlin – saxophones soprano, ténor

2e rangée de g. à d. :

Erik Hove – saxophone alto, flûte
Mario Allard – saxophones alto, baryton
Marie-Fatima Rudolf – piano
Jacques Kuba Séguin – trompette

3e rangée de g. à d. :

Michael Johancsik – saxophone ténor, flûte
Nicolas Riverin – trompette
François Bourassa – piano
Annie Dominique – saxophones alto, soprano, ténor, baryton

Thanks Collier / Amigos / Murs de verre / Outer Chamber / Night Bus / EMT / Turbulence / Celestases / La Mule / Le Septième Continent

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Crédit photo: Albe

Jazzlab Orchestra et Greg Lamy @ Repentigny (9 déc)

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Quite Sane revenait en avril dernier avec le dernier volet de To Kill a Child of Troubled Times, ambitieux triptyque déployé sur trois EP (Prologue, Mythos, et Epilogue) parus entre septembre 2025 et avril 2026, récemment réunis dans une édition vinyle 180g destinée aux oreilles les plus exigeantes.

Bassiste, producteur et tête pensante du projet Quite Sane, Anthony Tidd s’est forgé une solide réputation, autant auprès de la scène jazz d’avant-garde que du hip-hop, notamment grâce à ses collaborations avec The Roots. Dans le sillage d’un premier album-concept, The Child of Troubled Times (2002), le bassiste réitère cet heureux mélange de spiritual jazz, spoken word, hip-hop et expérimentations héritées de l’esthétique M-BASE, chère à son mentor Steve Coleman.

Entouré d’un impressionnant collectif avec Melissa Aldana, Miguel Zenon et…

Entouré d’un impressionnant collectif incluant Melissa Aldana, Miguel Zenón, Miles Okazaki, Paul Cornish et les voix de Kokayi, Queen Jo et Laurin Talese, Anthony Tidd livre une œuvre dense, politique, torturée, mais empreinte de beauté.

Prologue – Melissa Aldana, Laurin Talese, Anthony Tidd…

Le premier volet, Prologue (2025), impose immédiatement son climat tendu. No Child is an Island s’ouvre sur une introduction de basse rappelant la transe spirituelle de Coltrane, avant de bifurquer vers un dialogue engagé entre MC Kokayi et la chanteuse Laurin Talese, culminant dans un swing souple porté par un magnifique solo de Melissa Aldana.

Survival plonge ensuite dans un groove hip-hop syncopé où la basse massive d’Anthony Tidd soutient les interventions détendues de Miles Okazaki, évoquant parfois le funk-jazz décalé d’Esperanza Spalding. La seconde moitié de l’EP s’assombrit nettement avec They Are Always Our Children et A Mother’s Story, toutes deux reposant sur des motifs chromatiques anxiogènes et des rythmiques volontairement instables qui renforcent la charge dramatique.

Mythos – Queen Jo, Laurin Talese, Kokayi…

La musique prend une tournure plus narrative et labyrinthique avec le deuxième volet, Mythos. La première pièce A Father’s Story avance sur une pulsation lourde dominée par les harmonies vocales volontairement dissonantes des chanteuses Queen Jo et Laurin Talese, alors que la suite Shorty’s Story / Shorty’s Dilemma I et II constitue le véritable cœur de l’œuvre.

Kokayi y déroule le destin de Shorty, malheureux protagoniste du récit, à travers une suite progressive et foisonnante où les interventions instrumentales surgissent comme des émotions à fleur de peau. Les arrangements vocaux, particulièrement élaborés, multiplient les mélodies angulaires et les jeux de tension. Dans la dernière section, le dialogue entre les deux chanteuses fait lentement basculer la musique vers une forme de chaos contrôlé, aussi inquiétant que cathartique.

Epilogue – Miles Okazaki, Paul Cornish…

Epilogue conclut le triptyque avec une intensité plus retenue, mais tout aussi poignante. Les deux parties de Shorty’s Demise prolongent l’atmosphère funèbre des épisodes précédents à travers des harmonies lugubres et des rythmes tranchants, contrebalancés par les lignes aériennes du guitariste Miles Okazaki.

La pièce-titre apporte ensuite une éclaircie bienvenue grâce à une approche plus funky et lumineuse où Queen Jo et Laurin Talese brillent dans des arrangements vocaux plus lyriques. Enfin, They Were Always clôt ce périple sur une ballade somptueuse centrée autour du piano de Paul Cornish, constamment perturbé par des dissonances discrètes qui entretiennent le climat instable et empêchent toute résolution.

C’est précisément ce qui fait de To Kill a Child of Troubled Times une œuvre aussi totale et fascinante : une œuvre oppressante, exigeante dans la durée, mais très gratifiante pour quiconque accepte de se laisser aspirer dans son univers.

Quite Sane – To Kill a Child of Troubled Times – Prologue/Epilogue/Mythos

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Le Bolduc Groove Quintet (2026) de Rémi Bolduc, c’est ce que nous pourrions appeler un disque estival qui sent bon les festivals à venir et la joie de vivre ! Quel bonheur ce groove que nous proposes Rémi, Chantel, Nick, Ira et Rich !

Le Bolduc Groove Quintet (2026) de Rémi Bolduc, un de nos piliers de la scène jazz

Tout le monde connaît le nom du saxophoniste alto Rémi Bolduc, qui fait partie des piliers de la scène jazz de Montréal et du Québec depuis trois décennies. Il est en outre un professeur attentif et aimé de ses élèves. Il est intéressant de noter que sa sonorité est présente chez plusieurs jeunes artistes de jazz qui viennent de débuter leur carrière.

Avec Chantel de Villiers, Nick Semenykhin, Ira Coleman et Rick Irwin

Avec Le Bolduc Groove Quintet (2026) qui évoque souvent l’influence du légendaire Julian « Cannonball » Adderley, mais avec un son moins rond, Rémi Bolduc nous offre un disque joyeux qui fleure bon le funk et le groove, avec un je-ne-sais-quoi de dynamique qui nous rend deux fois plus heureux. Autour du maître des lieux, nous retrouvons la saxophoniste ténor/ vocaliste Chantel de Villiers, le guitariste Nick Semenykhin, le vétéran contrebassiste Ira Coleman et le batteur Rick Irwin.

 Avec The Lickin’ le bal musical commence bien

Pour vous convaincre du bien-fondé de nos écrits, il est essentiel que vous commenciez avec la première composition : The Lickin’. Adossé à une guitare « wa wa », un batteur émule du regretté Idris Muhammad, Rémi Bolduc fait feu de tout bois. Athlétique à souhait, funky juste comme il le faut sans que cela ne paraisse emprunté, le tout sublimé par les vocalises de Chantel de Villiers, autant dire que le bal musical commence bien.

Avec Jazz Buzz, nous plongeons au cœur des années 50 et 60

Avec Jazz Buzz, nous plongeons au cœur des années 50 et 60. La musique est profondément ressentie sur un terrain semi-modal où l’altiste caresse les lignes mélodiques avec le même feu sacré, sans abuser des chorus. En somme, il mène très bien son navire avec ses complices qui l’entourent admirablement bien.

Ballade pour Chantel, un morceau empreint d’émotion et de mélancolie

C’est le cas de Ballade pour Chantel, un morceau empreint d’émotion et de mélancolie. Nous assistons à un échange tendre où l’alto et le ténor ne font qu’un. Le romantisme était pur, une communion certaine qui fait, sans employer une expression galvaudée, du bien à l’âme. Tout est dit !

Un jazz intelligent marqué par des esthétiques complexes, mais sans être scolaire. C’est une chance pour nous !

The Lickin’ / Paper Trail / Réflexion Harmonique / Ballade pour Chantel / Jazz Buzz / Rhythm Delight / Nuit Tropicale / Sunset Square

Rémi Bolduc – saxophone alto et compositions
Chantel De Villiers – saxophone ténor et voix
Nick Semenykhin – guitare
Ira Coleman – contrebasse
Rich Irwin – batterie

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Entrevue : Rémi Bolduc et Le Bolduc Groove Quintet @ Studio TD (9 avril)

Photos : Valérie Gassien et Alain Mercier

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