Alors que la fraîcheur automnale s’installe, la multiinstrumentiste originaire de Melbourne nous revient avec Bodies of Water (2026), une petite pépite neo-soul qui réchauffe l’âme. Au chant, à la trompette ou à la production, Audrey Powne brille, mariant avec finesse harmonies radieuses et mélodies accrocheuses au fil d’un album aussi douillet que dansant.

Bodies of Water (2026) – entre jazz spirituel, neo-soul, rythmes hip-hop et couleurs afrobeat

Composé en tournée et enregistré sur deux jours au studio Electric Garden à Brooklyn, ce deuxième album solo réunit le bassiste David Ginyard et le batteur Jonathan Barber, avec la contribution du guitariste Randy Runyon. Entre jazz spirituel, neo-soul, rythmes hip-hop et couleurs afrobeat, la jeune maestra verse avant tout dans la chanson, plaçant sa voix au centre d’arrangements denses, expansifs et superbement composés. Les thématiques abordées sont quant à elles partiellement inspirées du roman Small Worlds de Caleb Azumah Nelson, à mi-chemin entre introspection et conscience politique. La pièce éponyme résume d’ailleurs bien la chose en comparant les épreuves de la vie aux mouvements marins qui peuvent certes être destructeurs, mais aussi porteurs de changement.

Avec Swollen, Broken Record et Karma, Audrey Powne explore les blessures intérieures

Avec Swollen, Broken Record et Karma, la musicienne explore les blessures intérieures, le doute et la cruauté qui jalonnent parfois nos relations. Les deux premières se distinguent par des effets d’écho et de réverbération denses qui enveloppent les mélodies dans une brume quasi psychédélique. Loin d’affaiblir leur impact, cet aspect leur confère plutôt une certaine profondeur, alors que leurs motifs mélodiques s’installent progressivement en mémoire. Les voix sont toujours à l’avant-plan et se superposent, construisant progressivement l’intensité dramatique, alors que la trompette est reléguée au rôle d’accompagnement, loin des démonstrations de virtuosité dont la trompettiste est pourtant capable.

Stay Awake, Creeds, RYV et Two Sides jettent cette fois un regard large sur les fractures qui affligent le monde actuel.

Audrey Powne y interroge la polarisation politique et les limites d’une parole privée de traduction concrète. Ces convictions s’inscrivent dans une musique où la pulsation accompagne la réflexion, la section rythmique conférant à l’album tout son élan, tandis que les textures de guitare ornementent son paysage harmonique. Si les amateurs de Hiatus Kaiyote et Moonchild se retrouveront en terrain connu, les ponctuations de trompette et le langage harmonique ancrent solidement la musique dans le jazz.

La pièce éponyme, Bodies of Water, incarne quant à elle les préoccupations personnelles et sociales de la musicienne à travers une métaphore simple et efficace.

L’eau, force de transformation en mouvement perpétuel, succède au feu brûlant de son premier album From the Fire (2024), permettant à Audrey Powne de penser les bouleversements comme des courants qui nous traversent et nous relient. L’album trouve ainsi sa cohérence parmi un foisonnement d’influences, de J Dilla à Miles Davis, en passant par les brumes impressionnistes de Ravel et Debussy, réaffirmant la singularité d’une artiste dont la musique témoigne d’une vision portée vers l’intime et le collectif.

Swollen / Stay Awake / Karma / Creeds / RYV / Two Sides / Broken Record / Bodies of Water

Audrey Powne – trompette, voix, claviers
Randy Runyon – guitare
David « DJ » Ginyard – basse
Jonathan Barber – batterie
Sunny Reyne – chœurs
Allysha Joy – chœurs

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Les femmes sont peu nombreuses dans le milieu du jazz, que ce soit à Montréal, à New York ou sur le continent européen. Alors, applaudissons deux fois plutôt qu’une le travail de la saxophoniste ténor Annie Dominique, qui est très présente dans la scène montréalaise. Son nouvel album, intitulé
Entre deux rives  (2026), est une véritable pépite musicale, disponible en version physique ou numérique.

Entre deux rives (2026) – une œuvre qui évoque la poésie autant que les promenades automnales

Ce n’est pas une tâche ennuyeuse ; c’est une œuvre qui évoque la poésie autant que les promenades automnales. Soulignons que la cheffe saxophoniste s’est entourée d’une équipe solide, composée du tromboniste Jean-Nicholas Trottier, du pianiste Jonathan Cayer, du contrebassiste Sébastien Pellerin et du batteur Alain Bourgeois. Il s’agit d’un quintette de rêve, ancré dans une mouvance moderne, qui met en scène tous les musiciens sans aucun jaloux.

Escales de la Vieille Capitale I – Pente Glissante

Il faut du temps pour apprivoiser cette nouvelle version, qui se compose d’une suite inspirée de la Ville de Québec – Escales de la Vieille Capitale, également connue sous le nom de Vieille Capitale. Elle met souvent en vedette le tromboniste Jean-Nicolas Trottier. On pense évidemment à Gil Evans, qui avait le don de travailler les sonorités. Vous le remarquerez avec Escales de la Vieille Capitale I – Pente Glissante, qui lance effectivement « le bal ». Il s’agit d’un jazz puissant, captivant, qui se rapproche d’une quête esthétique.

Escales de la Vieille Capitale III – Murmures de Sillery

Cela prouve qu’Annie Dominique ne se contente pas de jouer ce qu’elle a appris au fil des années. Escales de la Vieille Capitale III – Murmures de Sillery nous transporte dans l’univers des maîtres du jazz, Stan Getz et Dexter Gordon. Cette composition magnifique se transforme en une mélodie hypnotisante.

My One and Only Love

Parmi les compositions originales, on trouve un classique intemporel, My One and Only Love, qui appartient tout autant au répertoire du légendaire John Coltrane qu’à celui du chanteur Johnny Hartman. Cette fois encore, il n’est pas question de répéter bêtement. L’arrangement est à la hauteur, respectant les codes tout en nous offrant une ballade somptueuse.

Escales de la Vieille Capitale I – Pente Glissante / Escales de la Vieille Capitale II – Parc des Voiliers / Escales de la Vieille Capitale III – Murmures de Sillery / Escales de la Vieille Capitale IV – Intrusion / Escales de la Vieille Capitale V – Belvédère / Escales de la Vieille Capitale VI – 1670 / My One And Only Love / Sillage / Charlie’s Blues / All Or Nothing At All

Avec Entre deux rives (2026) nous terminons notre mois d’octobre en beauté grâce à la prestation d’une jeune interprète inspirée.

Annie Dominique – saxophone
Jean-Nicolas Trottier – trombone
Jonathan Cayer – piano
Sébastien Pellerin – contrebasse
Alain Bourgeois – batterie

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Annie Dominique Quintet – Réfléchir la nuit (2022)

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Originaire de Cracovie, le quintette polonais Omasta frappe fort avec Hits Different (2026), un deuxième album nourri d’influences funk, hip-hop et néo-soul. Du pain béni pour les amateurs de J Dilla et de Herbie Hancock, qui retrouveront les rythmes souples et les couleurs vaporeuses qui faisaient le charme de leur première parution.

Omasta affiche sur Hits Differents (2026) une cohésion remarquable

Rarement associée au genre, la Pologne constitue pourtant un terreau fertile pour le jazz qui voit apparaître ses premiers héros dans les années 1960, notamment avec Krzysztof Komeda et Tomasz Stańko. Plus récemment, plusieurs artistes se sont illustrés à l’international, comme Marcin Wasilewski, Maciej Obara, ou encore l’excellent et inclassable Raphael Rogiński, attestant de la vitalité d’une scène dans laquelle Omasta s’est taillé une place de choix. Soudée par un calendrier de concerts chargé, la formation cracovienne continue de prendre du galon, les musiciens affichant sur Hits Different (2026) une cohésion remarquable avec neuf nouveaux titres dont la simplicité apparente cache pourtant des arrangements méticuleusement construits.

Jane Doe, Morrown – un peu statique

Dès Jane Doe, la trompette de Paweł Kowalik tisse une mélodie planante et toute en longueur, surplombant les accords soul et chaleureux du pianiste Bruno Sikorski. Morrow accentue la filiation hip hop avec ses rythmes subtilement décalés à la J Dilla, ses nappes de Fender Rhodes enveloppantes et son duo de vents et de synthés insistants. À prime abord accrocheuses, notamment par leur atmosphère et leur attitude, les pièces peinent cependant à se développer en raison de compositions parfois assez statiques. Un cadre que les musiciens font heureusement éclater pour la suite, notamment avec le piano et la basse qui s’animent davantage, et les vents qui multiplient les échanges incisifs dans une fusion nettement plus audacieuse.

Pillow Talk, Honda Del Sol, Trespass – un suite qui s’éclate

Avec Pillow Talk, le quintette retrouve l’équilibre entre souplesse et attitude. La batterie de Wojciech Roman installe un balancement enivrant, traversé de rim shots savoureux, pendant que les synthés pavent la voie au sax électronique d’Antoni Blumhoff. Honda Del Sol prolonge cette atmosphère avec ses longs traits de trompette qui dominent un paysage animé par les claviers. Plus généreuse, Trespass met le pied au tapis avec ses accents funk, ses rythmes appuyés et ses claviers débridés. La flûte ajoute également une légèreté salutaire aux arrangements denses, confirmant que le quintette brille surtout lorsqu’il fait varier les timbres et l’intensité.

Beginner’s Luck, Cracktown, Thin Walls, In Your Face et Missed Call – entre détente et intensité

La dernière partie de l’album retrouve l’équilibre entre détente et intensité, Beginner’s Luck cultivant un style dans le sillage de Herbie Hancock, alors que Cracktown replace la basse et les claviers au cœur des échanges. Thin Walls installe quant à elle une ambiance bluesy et tamisée, enrichie de transitions rythmiques parfaitement exécutées. L’ouverture contemplative d’In Your Face cède progressivement le pas à des tensions plus vives, soutenues par le piano et des rythmes hip hop lourds. Enfin, Missed Call associe étroitement la batterie au sax électronique, jouant encore une fois avec les contrastes et les poussées d’intensité à travers lesquelles Omasta affirme le mieux sa singularité.

Somme toute une très belle découverte qui, sans réinventer la roue, confirme hors de tout doute l’élan d’une formation qui a assurément tout ce qu’il faut pour percer sur la scène internationale.

Jane Doe / Morrow / OG-Shock / Pillow Talk / Honda Del Sol / Trespass / Beginner’s Luck / Cracktown / Thin Walls / In Your Face / Missed Call

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Paweł Kowalik – trompette, Fender Rhodes (B2)
Antoni Blumhoff – saxophone soprano, Roland Aerophone
Bruno Sikorki – piano, Fender Rhodes, synthés
Wojciech Roman – basse
Nikodem Wikieł – batterie

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Cette semaine, l’album de notre chronique s’annonce comme une expérience ébouriffante, puissante et imprégnée de l’âme des géants que furent le batteur Elvin Jones et son acolyte, le saxophoniste John Coltrane. Sans filet, le batteur Bernard Riche et son complice, le saxophoniste ténor Thiago Ferté, nous offrent avec Breath & Pulse (2026) des moments d’extraordinaire clarté où l’émotion brute est au rendez-vous.

Jamais dispersés, ils restent cohérents en présentant leur vision d’un jazz libertarien qui séduit encore. Sans jamais plagier, ils s’inspirent des deux géants mentionnés plus tôt, tout en mettant l’accent sur la liberté harmonique, l’improvisation fluide et une évidente complicité.

Breath & Pulse (2026) – Vigil : matériel de première classe taillé dans le roc

Ces six pistes oscillent entre 1,54 et 5,52 minutes pour les plus longues. À l’écart d’une écoute standardisé, la dynamique émerge rapidement, comme le montrera facilement Vigil. Matériel de première classe taillé dans le roc, il offre une passerelle pour le saxophoniste Thiago Ferté. Les idées s’organisent de manière cohérente, une chance ! Ce « free jazz » s’inscrit dans une grande lignée.

To Trane, To Elvin et India

Soyez prévenus, il faudra que votre oreille s’habitue si vous ne connaissez pas ce courant musical de la note bleue. Les plus petites pièces en durée ne sont pas un exercice de style ni un tour de magie. C’est simplement un moyen d’expression, soit : To Trane et To Elvin. Deux pierres angulaires où est présent le souffle de : Yuseef Lateef, Pharoah Sanders et John Coltrane. Ce jazz libertaire des années 60 atteint son point culminant avec India.

Thiago Ferté, tout comme son collègue Bernard Riche, nous invite à ressentir un sentiment de liberté puissant

Thiago Ferté, tout comme son collègue Bernard Riche, nous invite à ressentir un sentiment de liberté puissant, parfois accompagné de progressions harmoniques éblouissantes. Une belle idée de plonger cette mouvance musicale avec deux interprètes de très haut calibre.

Un remède pour combattre la morosité ainsi que les élucubrations de « l’agent orange ».

Intro / Vigil / To Trane / Ogunde / To Elvin / India

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Bernard Riche et Thiago Ferté

Bernard Riche – batterie et compositions

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Thiago Ferté – saxophone et compositions

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

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Deuxième volet de la saga Quantum Leap du rappeur, guitariste et producteur Wyclef Jean, Q Theory – Q Theory – Quantum Leap, Vol. 2 (2026) opère un virage stylistique particulièrement réussi pour un artiste jusqu’ici peu associé au jazz avec une foule d’artistes de Robert Glasper jusqu’a Theo Croker en passant par Jean Caze, Elena Pinderhughes, Mushy Widmaier, et plusieurs autres.

Q Theory (2026) en hommage à son mentor Quincy Jones

Le cofondateur des Fugees lançait en juin dernier Clef Notes (2026), premier jalon d’une ambitieuse série de sept albums échelonnés sur l’année. Alors que ce premier volet puisait dans le hip-hop qui a façonné sa carrière, Q Theory (2026) rend hommage à son mentor Quincy Jones en mariant l’improvisation aux rythmes d’Haïti, des Antilles et d’Amérique latine. Rien d’étonnant à première vue pour un artiste resté fidèle à ses racines haïtiennes, dans sa musique comme dans ses aventures politiques malheureuses.

Une impressionnante brochette de musiciens de premier plan, incluant Robert Glasper, Yussef Dayes, Theo Croker, Godwin Louis et Harvey Mason, la chanteuse Niia et plusieurs autres.

Sa démarche dépasse toutefois la simple coloration jazz d’une trame hip-hop, dont Kendrick Lamar avait notamment fait un art sur le désormais légendaire To Pimp a Butterfly (2015). Wyclef Jean fait plutôt du jazz et de l’improvisation les matières premières d’un album presque entièrement instrumental, réunissant pour l’occasion une impressionnante brochette de musiciens de premier plan, incluant Robert Glasper, Yussef Dayes, Theo Croker, Godwin Louis et Harvey Mason, la chanteuse Niia et plusieurs autres.

Rocinha, Lady Havana

Rocinha ouvre le bal avec six minutes de pur plaisir portées par un groove festif et contagieux, au fil desquelles le saxophone de Godwin Louis, le clavier de Robert Glasper et l’orgue de Patrick Pelissier déploient un paysage des plus ensoleillés. Plus sereine, Lady Havana fait dialoguer le piano d’Axel Tosca et la trompette de Theo Croker sur la trame rythmique souple que tissent Yussef Dayes à la batterie et Yiyi Sánchez aux percussions. La délicatesse des échanges et la retenue des interventions confèrent à cette deuxième pièce une lumière à la fois douce et apaisante, en contraste avec l’énergie de l’ouverture.

Silk & Sand, French Quarter

Sur Silk & Sand, la trompette de Jean Caze et le djembé de Weedie Braimah rendent bien la chaleur tropicale, donnant aux rythmes caribéens une présence affirmée. French Quarter offre ensuite une parenthèse vocale avec une belle performance de la chanteuse Niia, sans toutefois atteindre le relief des compositions instrumentales. Le saxophone de Bradford Hayes retrouve sur Pegasus une élégance décontractée, au gré de lignes mélodiques qui prennent leur temps. Les arrangements laissent respirer la pièce et mettent en valeur la richesse des timbres et des arrangements.

Farafina, Sugarcane & Watermelon, Harlem Nights, Toussaint Louverture

Farafina prolonge cette ambiance en faisant converser les claviers d’Arden Altino et de Robert Glasper avec la flûte d’Elena Pinderhughes, dans une atmosphère tendre et feutrée. Les percussions prennent une place grandissante sur Sugarcane & Watermelon, au risque de déséquilibrer l’ensemble, avant que Harlem Nights ne ravive la flamme avec son groove et ses chœurs mélodiques en arrière-plan. Inspirée du leader de la Révolution haïtienne, Toussaint Louverture referme enfin l’album sur une coda de quatre minutes, redonnant à cette exploration musicale un ancrage dans l’histoire et la culture d’Haïti.

Rocinha / Lady Havana / Silk & Sand / French Quarter / Pegasus / Farafina / Sugarcane & Watermelon / Harlem Nights / Toussaint Louverture

Les musiciens et collaborateurs : Robert Glasper, Godwin Louis, Patrick Pelissier, Yussef Dayes, Theo Croker, Yiyi Sanchez, Axel Tosca, Jean Caze, Weedie Braimah, Harvey Mason, Niia, Bradford Hayes, Elena Pinderhughes, Arden Altino, Melky Jean, Patrick Pelissier, Emanuel Najee, Emmanuel Laine, Mushy Widmaier, Dadi Beauburn, Papa Jube, Emmanuel Laine.

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Quel début enchanteur pour l’automne, grâce à cette nouveauté, Lorraine Desmarais & Friends (2026) ! Sur ce Montreal Jazz Series 4, du swing, bien sûr, de l’intelligence et à mille lieues de certaines productions qui « hument » le studio et alourdissent notre travail de chroniqueur.

Lorraine Desmarais & Friends avec Paul Brochu, Éric Lagacé et Alain Trudel

Au cœur de la Montreal Jazz Series, la pianiste virtuose Lorraine Desmarais a invité le batteur Paul Brochu (Uzeb et autres), le contrebassiste Éric Lagacé et, en surprise, le tromboniste Alain Trudel. Il est surtout reconnu comme un chef d’orchestre et un musicien éminent. Un véritable passionné de la musique bleue, possédant une connaissance approfondie des grands maîtres.

André Leroux, Jean Cyr, Straight Ahead, Lorraine Desmarais et Annie Dominique – Montreal Jazz Series @ Cabaret Jazz L’Entracte (3 au 25 sept)

Lorraine Desmarais offre un jeu lisse, nerveux, inventif

Comme grande patronne, nous retrouvons donc Lorraine Desmarais, qui, à notre humble avis, n’a plus besoin de présentation. Compositrice et chef d’orchestre, sans oublier les nombreux prix à la clé, dont l’Oscar Peterson, elle offre un jeu lisse, nerveux, inventif, donnant toute la mesure à ses complices, dont Alain Trudel.

Un hard bop délicieux sur Well You Needn’t, There Will Never Be Another You

Nous nous trouvons donc en présence d’un album de hard bop délicieux, où tout repose sur la communication ainsi que sur quelques standards. Au hasard des pistes, la mémoire de Thelonious Monk s’invite, avec Well You Needn’t, un écrin pour le tromboniste, qui est sans flagornerie au sommet de son art. Et pour notre plus grand plaisir, l’exceptionnelle Lorraine Desmarais revisite : There will Be Another You. Ce swing évoque autant la mémoire d’Oscar Peterson, d’Oliver Jones, d’Erroll Garner, avec une touche de jazz maison signée Lorraine Desmarais.

Supernova / Kakémono / Lontano / How Do You Say ? / Well, You Needn’t / Blues No. 1 / There Will Never Be Another You / I Love You

Si vous aimez le trombone : Alain Trudel sur Lontano

Entre la pulsation et l’instinct du rythme, notre pianiste vous fera oublier la grisaille qui s’installe et les élections à venir. Et si vous appréciez le trombone, nous vous suggérons vivement Lontano. Un hard bop classique qui met une fois de plus en évidence Alain Trudel. Le souci du détail, les variations de thème, la puissance de feu ou rien, n’ai jamais sacrifié. Un swing immense qui ne respire pas l’apprentissage scolaire.

Nous rajoutons une fois de plus au menu le travail de la pianiste, redoutable de créativité. Lorraine Desmarais & Friends (2026), C’est le bonheur tout simplement.

Lorraine Desmarais – piano
Paul Brochu – batterie
Éric Lagacé – contrebasse
Alain Trudel – trombone

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Le quatuor TransQueb revient avec Maelstrom (2026), un deuxième album qui tient largement sa place dans la florissante scène du jazz fusion québécois.

TransQueb trace sa propre route

Si le genre connaît une certaine renaissance chez nous depuis quelques années, notamment avec des artistes comme Carl Mayotte, François Laliberté, Misc ou encore Julien Fillion, le quatuor TransQueb trace sa propre route en faisant cohabiter les sonorités d’Uzeb et de Return to Forever avec le rock progressif de Soft Machine et de Yes; certains passages évoquent même Harmonium.

Dans la continuité de l’excellent Station (2022), TransQueb continue de faire dialoguer jazz, rock progressif et mélodies accrocheuses

Formé dans la région de Drummondville et maintenant actif dans celle de Québec, le quatuor rassemble Nicolas Gosselin (batterie), Jeffrey Gagnon (guitare), Maude Gauthier (saxophones) et Raphaël Côté (basse, synthé), avec Francis Grégoire, qui les rejoint ponctuellement au piano. Dans la continuité de l’excellent Station (2022), TransQueb continue de faire dialoguer jazz, rock progressif et mélodies accrocheuses, avec une énergie collective qui donne sa force à l’ensemble.

Dunes et Résonances

Dès Dunes, les accords limpides et les lignes mélodiques expressives installent une fusion généreuse, portée par des ruptures et virages qui évoquent le rock progressif sans alourdir l’écoute. Résonances s’ouvre sur un motif obstiné de saxophone, puis s’étire en une mélodie souple sur une rythmique remarquablement assurée. La pièce glisse ensuite vers des couleurs psychédéliques, où la guitare de Jeffrey Gagnon prend le relais. Dans Les Cloches d’Ahuntsic, les bifurcations se multiplient, mais le saxophone garde le cap, porté par la complicité du groupe qui rend ces détours aussi naturels que captivants.

Galion d’Argent, Pt. 1 et Galion d’Argent, Pt. 2

Première partie d’un triptyque, Galion d’Argent, Pt. 1 change drastiquement d’échelle. Une pulsation discrète précède une guitare à douze cordes, dont la sonorité rappelle le rock progressif des années 1970 et, par moments, le lyrisme sublime d’Harmonium. La deuxième partie (Galion d’Argent, Pt. 2) prolonge cette mélancolie avant qu’un swing plus vif ne la traverse. Le calme revient en fin de pièce, laissant au saxophone tout le loisir de déployer son expressivité.

Galion d’Argent, Pt. 3

La troisième partie (Galion d’Argent, Pt. 3) rompt avec cette retenue, le saxophone devenant à la fois mordant et aérien, entraîné par un rythme ternaire lumineux. Un solo de basse fretless mène le triptyque vers une conclusion particulièrement satisfaisante. L’album tient sa promesse : les idées tourbillonnent, les atmosphères se transforment et TransQueb conserve, d’un bout à l’autre, le plaisir manifeste de jouer ensemble.

Raphaël Côté – basse, bouzouki, synth bass
Nicolas Gosselin – batterie, percussions
Maude Gauthier – saxophones
Jeffrey Gagnon – guitare, lapsteel
Francis Grégoire – claviers (absent sur la photo)

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Chaque semaine amène son lot de belles surprises. Derrière l’étiquette du Diva Miro Vanity Project se cache le pianiste montréalais Steve Amirault, également bassiste. De plus, nous faisons face à une formation irrégulière composée des saxophonistes Erik Hove et Chet Doxas, du batteur Richard Irwin et du chef d’orchestre Steve Amirault.

Diva Miro Vanity Project : pour les amateurs de saxophone sous toutes ses formes

Pour les amateurs de saxophone sous toutes ses formes, c’est presque une bénédiction. L’écriture, un élément crucial, peut varier considérablement d’une composition à l’autre, chacune étant unique et originale. Si nous considérons la première, Diva Sings The Blues, nous sommes confrontés à un style West Coast clairement influencé par le blues. Les souffleurs évoquent à la fois Paul Desmond et Art Pepper, ce qui est déjà beaucoup sans vouloir copier quoi que ce soit.

Old Dog’s Trick met en vedette le bassiste Steve Amirault

Old Dog’s Trick met en vedette le bassiste Steve Amirault. Un peu dans la même veine que celui consacré à la diva qui chante du blues, il faut s’attarder à la technique instrumentale, aux phrasés ainsi qu’à l’unité, qui fait évidemment toute sa cohésion. Quand nous parlons d’un certain jazz côte ouest, nous pensons au travail de Bill Holman et très certainement à celui du compositeur/chef d’orchestre George Russell.

That’s Not What I Heard – une touche de tradition avec une pointe de modernité

That’s Not What I Heard, respire le funk de qualité supérieure, teinté de couleurs vives, mettant en vedette les deux saxophonistes, qui s’inspirent clairement de l’héritage du légendaire Julian Cannonball Adderley. Les interludes mélodiques décalés et l’utilisation sporadique de dissonances donnent à cette composition une touche de tradition avec une pointe de modernité.

Saint-Antoine March, une découverte séduisante

Nous terminerons par Saint-Antoine March, une découverte séduisante qui aurait certainement plu à Paul Desmond. Nous sommes un peu dans l’esprit de Dave Brubeck. Une variété de climats, des rythmes souples marqués par un très bel échange entre les souffleurs. Un disque de haute tenue.

Diva Sings The Blues / Henri The Saint / Old Dog’s Trick / The Jester / Serenade For The Lonely / That’s Not What I Heard / St. Antoine’s March / KD’s Kalypso / Mile End Stroll

Diva Miro – u-basse, compositions
Erik Hove – saxophone alto
Chet Doxas – saxophone ténor
Richard Irwin – batterie

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Batteuse, productrice, pédagogue et activiste, Terri Lyne Carrington mène sa barque depuis plus de quatre décennies, raflant quatre Grammys au passage, dont le premier en 2014 fait d’elle la première femme récompensée pour le meilleur album de jazz instrumental. On la retrouve entourée du collectif Social Science pour Trip the Night Fantastic (2026), deuxième album du collectif après l’excellent Waiting Game (2019).

Treize nouveaux titres croisant jazz, soul, R&B, hip-hop et influences world music

Entourée du guitariste Matthew Stevens, du pianiste Aaron Parks et du multi-instrumentiste Morgan Guerin, Terri Lyne Carrington accueille une impressionnante brochette de chanteurs, poètes et rappeurs au fil de treize nouveaux titres croisant jazz, soul, R&B, hip-hop et influences world music. Fidèle à elle-même, la batteuse se saisit des urgences de notre époque, des luttes sociales à la crise climatique, pour faire de ce nouvel album un espace collectif de réflexion et de résistance, autant qu’une célébration de la création vivante et partagée.

Autonomy Song constitue le cœur battant de l’album

Très touchante, Autonomy Song constitue le cœur battant de l’album. Déjouant les codes attendus de l’hymne militant, Terri Lyne Carrington drappe d’une soul chaleureuse sa prise de parole pour les droits reproductifs et la liberté face aux violences conjugales. La voix souple de Ledisi et les interventions poétiques de J. Ivy et Tarriona Ball se mêlent aux arpèges lumineux de Brandee Younger, transformant la gravité du sujet en un élan émancipateur puissant, sans jamais diluer le propos. Le morceau touche à quelque chose d’intime, presque charnel, tout en réussissant à nous faire danser, réfléchir et ressentir en même temps.

Identity Song avec Michael Mayo

Le regard s’élargit ensuite quelque peu avec Identity Song, Abolition Song et Solidarity Song. La première, portée par la voix angélique de Michael Mayo et le slam engagé de Nappy Nina, tacle l’enjeu des identités de genre avec finesse et empathie, loin des slogans abstraits et des formules toutes faites. La deuxième associe Kassa Overall à la voix d’Angela Davis pour jeter un regard cru sur le milieu carcéral, l’héritage esclavagiste et la justice transformatrice, alors que la troisième met en scène sur un ton mordant les fractures de classes, d’origines et d’idéologies.

Dans chaque cas, les arrangements foisonnants demeurent limpides, mêlant satire, prise de parole militante et improvisation qui se répondent naturellement. Il ne s’agit donc pas de sermonner, mais plutôt d’orchestrer de véritables conversations musicales à travers une diversité de registres, conférant au projet une intensité dramatique et une réelle force de frappe.

Blues Song (These Poems) superpose un groove souple, la parole d’Aja Monet et les textes de June Jordan

Pet Song prête aux animaux maltraités la voix compatissante du rappeur Khemist et lie leur souffrance à une réflexion plus vaste sur la violence et la souveraineté. Plus marquant encore, Blues Song (These Poems) superpose un groove souple, la parole d’Aja Monet et les textes de June Jordan dans des arrangements denses, mais jamais encombrés.

Pour finir, Reckoning Song – un funk puissant qui appel à passer du constat à l’action politique

Pour finir, Reckoning Song clôt Trip the Night Fantastic (2026) par un funk puissant qui appel à passer du constat à l’action politique, une finale qui résume à elle seule la démarche d’un album ambitieux et profondément collectif, où la prise de position, le partage et l’engagement de soi ne sont pas un simple décor, mais constituent le fondement même de l’acte de création musicale.

Riddim Song / Identity Song / Autonomy Song / Climate Song / Children’s Song / Step Song / Forest Song / Solidarity Song / Prayer Song / Abolition Song / Pet Song / Blues Song (These Poems) / Reckoning Song

Artistes invités : Fatoumata Diawara, Aaron Parks, Morgan Guerin, Michael Mayo, Brandee Younger, Nappy Nina, Tarriona « Tank » Ball, Ledisi, J. Ivy, Kokayi, Matthew Stevens, Morgan Guerin, Christie Dashiell, Lizz Wri, Vuyo Sotas, Miki Howard, Marc Ribot, Larry Goldings, Arooj Aftab, Moor Mother, Rashaan Carter, Kassa Overall, Debo Ray, Angela Davis, Mat, Debo Ray, Ian Michael, Kh, Safa, et Debo Ray.

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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