You Better Bet – un hommage à Tony William

Cela lui a permis de rencontrer en 2022 le contrebassiste Ira Coleman, qui a justement fait partie du quartet du maître à penser de Wutzke…et qui enseigne @ l’Université McGill. Après quelques échanges amicaux, le contrebassiste Ira Coleman acceptera de jouer le jeu, lui ouvrant en quelque sorte une voûte secrète qui contenait des partitions écrites de la main de Tony Williams. Ce disque solide contiendra cinq pièces de Jacob Wutzke ainsi que cinq autres de Tony Williams.

L’hommage que Jacob Wutzke veut rendre à sa manière ne consiste pas en une simple réplique. Pour ce faire, il a réuni la trompettiste/bugliste Rachel Therrien, le saxophoniste ténor Lukas Dubovik, le pianiste Bryn Roberts et, bien sûr, le contrebassiste Ira Coleman.

Sister Cheryl – tout a fait moderne

Tout à fait moderne, mais oh combien agréablement écrit ! Sister Cheryl s’inscrit dans la permanence d’un jazz accessible à tous qui met en vedette les artisans. Dans cette apport, nous soulignerons les motifs d’improvisation bien structurés, le talent indéniable de notre amie Rachel Therrien à la trompette, ainsi que la force du saxophoniste Lukas Dubovik.

Sister Cheryl / Take Flight / Like A Bird / Pee Wee / Ancient Eyes / Hop On Down / Arboretum / Warriors / Qwaltz / You Better Bet

bandcamp

Like A Bird – une très belle construction neo-bop

Toujours dans cette veine, mettant encore en vedette le tandem trompette/saxophone, Like A Bird se présente comme une très belle construction neo-bop, dynamique à souhait, soutenue par le batteur ainsi que le contrebassiste, avec un coup de chapeau au pianiste Bryn Roberts.

You Better Bet évoque l’esprit d’équipe qui animait les pionniers du genre

En une phrase accrocheuse à la manière du be-bop, You Better Bet évoque l’esprit d’équipe qui animait les pionniers du genre, tels que Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Bud Powell et Kenny Clark. Cependant, cette composition est teintée de couleurs nouvelles et audacieuses, réservée à ceux qui apprécient les flammes ardentes. Jacob Wurtze, brillant batteur, inspire ses camarades de jeu. Ainsi, la trompettiste Rachel Therrien et le saxophoniste Lukas Dubovik s’acquittent avec brio de la défense de leur territoire.

Une autre belle réussite qu’il convient d’encourager.

Jacob Wutzke — batterie, compositions
Rachel Therrien — trompette, bugle
Lucas Dubovik — saxophone ténor
Bryn Roberts — piano
Ira Coleman — contrebasse

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique jazz a Ted Audio et La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

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Matte Glaze et Motion

Pièce d’ouverture à l’allure fluide et décontractée, Matte Glaze nous plonge dans une ambiance néo-soul subtilement ancrée dans le groove. Le jeu de piano cristallin de Micah Thomas accompagne l’alto virevoltant d’Immanuel Wilkins, ce dernier livrant un solo intense sur le tapis rythmique soigneusement tissé par Rick Rosato à la contrebasse et Kweku Sumbry à la batterie. Les voix légères et aériennes semblent flotter au-dessus de la musique, glissant peu à peu vers Motion, où le phrasé élégant de la chanteuse June McDoom vient troubler la dynamique tripartite : alors que le saxophone improvise librement, la section rythmique impose un balancement insaisissable entre swing et rêve éveillé.

Au fil des 14 titres de Blues Blood (2024) Wilkins tisse un dialogue captivant entre les styles et les émotions

Au fil des 14 titres de Blues Blood (2024), dont cinq courts interludes impressionnistes, Wilkins tisse un dialogue captivant entre les styles et les émotions. Afterlife Residence Time se déploie tout au long de longues notes plaintives, naviguant entre solennité et tourment. Blues Blood, la pièce-titre, bascule quant à elle d’une introduction enjouée à une montée en tension brutale, laissant affleurer la douleur. Dark Eyes Smile s’impose ensuite avec une élégance mélancolique, sublimée par la voix nostalgique de Cécile McLorin Salvant, alors que Moshpit, malgré son nom évocateur, s’enfonce dans une noirceur introspective.

Matt Glaze / Funmi / Motion (avec June McDoom) / Everything (avec Esi Sumbry et Ganavya) / Air (interlude) / Dark Eyes Smile (avec Cécile McLorin Salvant) / Apparation / Assembly (interlude) / Afterlife Residence Time / Moshpit / Set! (interlude) / If That Blood Runs East (avec Yaw Agyeman et Chris Dave) / Your Memory (interlude) / Blues Blood

Avec une troisième parution particulièrement ambitieuse, Immanuel Wilkins prouve qu’il ne recule devant aucune ambition, quitte à parfois frôler l’excès. Mais il s’impose avant tout comme un créateur d’une rare intensité, un talent lumineux au service d’une musique à la fois engagée, libre et profondément émotive.

Immanuel Wilkins – saxophonse
Micah Thomas – piano
Rick Rosato – contrebasse
Kweku Sumbry -batterie

invités
Cécile McLorin Salvant – voix
June McDoom – voix
Marvin Sewell – guitare
Chris Dave – batterie

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est un guitariste formé en musicologie à l’Université de Montréal. Son parcours reflète un intérêt profond pour le jazz, la musique contemporaine et les croisements entre musique et urbanité. Après plusieurs années passées à œuvrer dans le milieu culturel, il se consacre désormais à l’urbanisme, tout en continuant de prendre la scène au sein de divers ensembles. Vous pouvez le retrouver ici toutes les deux semaines dans ses critiques d’albums où il explore les nouvelles formes du jazz contemporain. Pour voir toutes ses chroniques, c’est ici

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Dans le firmament du jazz, il nous reste (mince consolation), son 2e disque Diaparoma enregistré en 2017 et qui donne une très bonne idée de son talent de musicien/compositeur.

En réécoutant ses huit compositions, une manière aérienne de jouer et de raconter nous vient à l’esprit, évoquant l’univers du regretté saxophoniste alto Paul Desmond. Prenons par exemple Snowdown. Un brin magique et lunaire, une promenade dans ce quartier où toutes les nationalités de Montréal sont représentées. C’est un voyage musical en apesanteur. Quant aux changements de rythme, ils sont assurés par Restart. Un combiné moderne avec quelques pointes du Moyen-Orient, et juste ce qu’il faut de finesse et de modernisme.

Street Business – un saxophoniste plein d’énergie et d’inventivité

Mario Allard était un expert en classiques et en courants modernes, ce qui lui a valu d’être invité sur toutes les scènes. Écouter Street Business, un saxophoniste plein d’énergie et d’inventivité, est une expérience captivante. Il est soutenu par un claviériste qui a clairement été influencé par Chick Corea dans sa période fusion. Il y a de l’audace dans la modernité, des contre-chants décalés et des emprunts réverbératifs qui plongent l’auditeur dans une fournaise créative.

Behrens – un jeu lumineux et pensif

Et nous terminerons par Behrens. Une magnifique promenade au-delà du grand standard que fut Round Midnight. Avec grâce et subtilité, Mario Allard développe un jeu lumineux, pensif.

Voici comment nous lui rendons hommage, ainsi qu’à sa femme et à son petit garçon.

Snowden / Blizzard / Restart / Filature / Mirages / Street Business / Bherens / Pneumonia

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Mario Allard – saxophone ténor
David Carbonneau – trompette
Charles Trudel – piano
Sébastien Pellerin – contrebasse
Alain Bourgeois – batterie

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Christophe Rodriguez

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Mario Allard nous a quitté – témoignage d’Alain Bédard

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Cet instrumentiste néo-zélandais établi dans nos terres est loin d’être un inconnu, pour qui fréquente les boîtes de jazz québécoises ou la scène jazz tout court. Avec cette nouveauté plus que dynamique, il s’est inspiré du second quintette de Miles Davis, sans toutefois copier car l’essence du « prince noir » est bien présente tout comme la pensée qui reste généralement aussi moderne.

De la recherche il y a, puisque, nous sommes en présence de 6 compositions originales, le classique Bye Bye Blackbird ainsi qu’une étonnante reprise de V’la l’bon Vent. Mais que vient donc faire une chanson traditionnelle dans le jazz ? C’est une suggestion du journaliste Marc Chénard (La Scène Musicale) et son exploration du folklore et de la musique traditionnelle québécoise. Toujours est-il, qu’avec beaucoup de dynamisme et un sens certain de l’improvisation, Lex French « dynamite » en quelque sorte de façon très singulière, ce monument de notre patrimoine.

Colour Grid / Bye Bye Blackbird / Falling Up / Lullaby (Nana) / Huancavelica / In The World’s First Summer / Going Home / V’la l’bon Vent

bandcamp

« C’est une grande joie pour moi d’avoir le privilège de partager ma musique avec le monde, et j’espère qu’elle vous fera plaisir! » Lex French

Comme le fit Miles Davis, il y a plein de liberté dans In The World’s First Summer, sans nécessairement verser dans le mode atonal ou free jazz. Toutes les compositions offrent juste ce qu’il faut de puissance inventive pour que le passionné de jazz ou l’amateur y trouve son compte. Mais, ne misez pas sur Lex French pour imiter son maître. Le titre In The World’s First Summer est inspiré d’un poème de l’auteur néo-zélandais James K. Baxter.

Question sonorité, il s’inspire plus de Clifford Brown et dans une moindre mesure, Lee Morgan (époque du quintette du batteur Art Blakey). Vous pourrez aisément le constater dans Colour Grind et Falling. Admirablement soutenu par le pianiste François Bourassa (véritable artiste caméléon), le contrebassiste Morgan Moore ainsi que le batteur Jim Doxas, tout est réglé au quart de tour avec ces brins d’émotions essentiels.

Nous voilà heureux, une fois de plus !

Lex French – trompette
François Bourassa – piano
Morgan Moore – contrebasse
Jim Doxas – batterie

Christophe Rodriguez : rod.chris@hotmail.com

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Le Lex French Quintet en concert à la Salle Bourgie (2021)

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Nouvelle parution très prometteuse pour le quatuor No Codes, Usual Suspects (2024) en mets plein les oreilles avec ses arrangements sobres et inventifs, alliant des explosions d’énergie à des passages profondément introspectifs. Portés par une section rythmique composée de Sébastian Pellerin (basse) et Louis-Vincent Hamel (batterie), la formation met en lumière un duo de solistes en parfaite symbiose formé des saxophonistes Benjamin Deschamps et Frank Lozano. Ensemble, les musiciens livrent une dizaine de titres à la fois modernes et singuliers, marqués par une liberté créative débridé.

Usual Suspects démarre sur les chapeaux de roues avec The Quest

Démarrant sur les chapeaux de roues avec The Quest, ce morceau d’ouverture percutant se métamorphose rapidement en un swing énergique, offrant une scène idéale pour les solos virtuoses et enflammés des saxophonistes. Benjamin Deschamps et Frank Lozano y dévoilent une symbiose parfaite, caractérisée par une articulation impeccable et un phrasé fluide. Cette complicité se prolonge dans la pièce suivante, Usual Suspects, sans aucun doute un des moments forts de l’album. Cette dernière dévoile l’étendue du savoir faire de la section rythmique, avec ses lignes de basse millimétrées et ses percussions puissantes à la croisée du jazz et rock.

Dog Days, Sokushinbutsu

Poursuivant avec Dog Days, les saxophonistes dessinent de délicates mélodies teintées de mélancolie, offrant un moment de douceur brièvement interrompu par une envolée de Sébastian Pellerin. Le bassiste reprend les rênes sur Sokushinbutsu, amorçant le morceau avec un jeu subtil pour créer une atmosphère empreinte de suspense, avant d’évoluer progressivement vers un rythme ternaire qui ouvre la voie à un saisissant solo de Benjamin Deschamps. Chargée d’énergie, Hyperstitions brille par sa rythmique exubérante et ses ruptures angulaires qui flirtent avec l’avant-garde, alors qu’Emit Time Item déploie une intensité vertigineuse rappelant la fougue d’Ornette Coleman. En contraste, Fiend Zone change de cap avec ses sonorités funky et ses rythmes quasi-pop, la basse musclée de Pellerin et les sursauts effervescents de Hamel donnant vie à un groove dansant.

Par son savant mélange de tradition et de modernité, Usual Suspects (2024) consolide avec ferveur la place du quatuor No Codes sur la scène jazz québécoise. Même au cœur de l’agitation et du tumulte, les musiciens tissent un dialogue expressif et fluide, reflet de leur dévouement et de leur passion pour un jazz audacieux.

Benjamin Deschamps – saxophone alto
Frank Lozano – saxophone ténor
Sébastien Pellerin – contrebasse
Louis-Vincent Hamel – batterie

nocodes.com

benjamindeschamps.com

@frank_lozano_sax
@sebastienpellerin
@louisvincenthamel
@intempomusique

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Il est également impliqué au Centre de musique canadienne du QC. Chaque semaine il nous propose un bon plan et chaque deux semaines un album.

Frank Lozano Gentiane MG – Convergence

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Cet instrumentiste néo-zélandais établi dans nos terres est loin d’être un inconnu, pour qui fréquente les boîtes de jazz québécoises ou la scène jazz tout court. Avec cette nouveauté plus que dynamique, il s’est inspiré du second quintette de Miles Davis, sans toutefois copier car l’essence du « prince noir » est bien présente tout comme la pensée qui reste généralement aussi moderne.

De la recherche il y a, puisque, nous sommes en présence de 6 compositions originales, le classique Bye Bye Blackbird ainsi qu’une étonnante reprise de V’la l’bon Vent. Mais que vient donc faire une chanson traditionnelle dans le jazz ? C’est une suggestion du journaliste Marc Chénard (La Scène Musicale) et son exploration du folklore et de la musique traditionnelle québécoise. Toujours est-il, qu’avec beaucoup de dynamisme et un sens certain de l’improvisation, Lex French « dynamite » en quelque sorte de façon très singulière, ce monument de notre patrimoine.

Colour Grid / Bye Bye Blackbird / Falling Up / Lullaby (Nana) / Huancavelica / In The World’s First Summer / Going Home / V’la l’bon Vent

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« C’est une grande joie pour moi d’avoir le privilège de partager ma musique avec le monde, et j’espère qu’elle vous fera plaisir! » Lex French

Comme le fit Miles Davis, il y a plein de liberté dans In The World’s First Summer, sans nécessairement verser dans le mode atonal ou free jazz. Toutes les compositions offrent juste ce qu’il faut de puissance inventive pour que le passionné de jazz ou l’amateur y trouve son compte. Mais, ne misez pas sur Lex French pour imiter son maître. Le titre In The World’s First Summer est inspiré d’un poème de l’auteur néo-zélandais James K. Baxter.

Question sonorité, il s’inspire plus de Clifford Brown et dans une moindre mesure, Lee Morgan (époque du quintette du batteur Art Blakey). Vous pourrez aisément le constater dans Colour Grind et Falling. Admirablement soutenu par le pianiste François Bourassa (véritable artiste caméléon), le contrebassiste Morgan Moore ainsi que le batteur Jim Doxas, tout est réglé au quart de tour avec ces brins d’émotions essentiels.

Nous voilà heureux, une fois de plus !

Lex French – trompette
François Bourassa – piano
Morgan Moore – contrebasse
Jim Doxas – batterie

Christophe Rodriguez : rod.chris@hotmail.com

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique jazz a Ted Audio, une chronique classique a ludwig.com et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Le Lex French Quintet en concert à la Salle Bourgie (2021)

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Danser avec le feu combine des styles de jazz en trio acoustique avec des styles comme le jazz fusion et latin, le métal, le rock progressif et la musique classique. Très passionnée sur scène, la musicienne captive l’audience par son émotivité, son énergie enflammée et sa grande générosité envers le public.

Ce sont huit compositions qui représentent sa joie de vivre et sa passion pour la musique. Certaines parlent de résilience, d’éco-anxiété et de l’importance de suivre ses instincts.

Danser avec le feu sera disponible sur toutes les plateformes le 21 février 2025

Vous avez trop hâte d’entendre la musique de Danser avec le feu ? Pas de soucis, vous pouvez dès maintenant pré-sauvegarder le single et pièce-titre de l’album : Dancing With Fire qui sortira le 8 novembre.

Envolée (2022)

« Élève de l’incontournable pianiste Lorraine Desmarais, la jeune interprète Ariane Racicot saute de façon brillante dans l’arène jazz sur Envolée (2022). Comme il est notre devoir d’encourager le jazz qui bat et plus encore, celui qui consolidera les prochaines années, allons-y gaiement. Puisant bien entendu dans le style de sa professeure ainsi que la période Chick Corea des années 60 (Now He sings, Now He Sobs) et la modernité, Envolée est un disque consistant, dynamique évitant le travail scolaire. La musique est tout ce qui nous rend le plus heureux, la patte de l’interprète est alerte ainsi que brillante…» (pour lire la suite) Christophe Rodriguez – sortiesjazznights.com

Elle baigne dans la musique depuis sa tendre enfance

« Je baigne dans la musique depuis la tendre enfance. Ça viens de mon père qui écoutait plein de musique et plein de jazz. Quand j’étais ado j’ai commencé a écouter du Chick Corea et surtout Night Train d’Oscar Peterson, un classique, que j’écoutais en marchant pour l’école. J’avais 16 ans et j’étudiais le piano classique et je me suis dit que j’aimerais aller vers le jazz et apprendre a improviser. C’est Oscar Peterson qui m’a donné la piqûre. J’ai étudié un an avec Simon Denizart (un ex-Révélation Radio-Canada) qui m’a préparée pour mon audition au Cégep St-Laurent et qui m’a aidée a avoir Lorraine Desmarais comme professeure. » Ariane Racicot

Danser avec le feu – crédits

piano et compositions – Ariane Racicot
basse électrique – Antoine Rochefort
batterie – Guillaume Picard

Studio : Studios Piccolo
Ingénieur de son / matriçage : Maxime Philippe
vidéo : Productions VL

Merci à Musicaction pour le soutien à la production

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photo du trio : Denis Grenier

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Christine Jensen – une des compositrices les plus éloquentes du Canada

Originaire de Nanaimo en Colombie-Britannique, Christine Jensen découvre le saxophone à l’âge de douze ans. Alors que sa célèbre sœur Ingrid Jensen s’installe à New York, Christine choisit de s’établir à Montréal et y poursuit des études à l’Université McGill. Ayant bénéficié de l’enseignement de maîtres tels que Kenny Werner, Rémi Bolduc et Jan Jarczyk, Christine Jensen est désormais saluée par la critique comme l’une des compositrices les plus éloquentes du Canada. Downbeat Magazine n’hésite d’ailleurs pas à établir des parallèles entre son œuvre et celles de Wayne Shorter, Maria Schneider et Kenny Wheeler.

En alliant tradition et modernité, la saxophoniste aborde le rythme et l’harmonie d’une manière résolument contemporaine.

Son premier album, Collage (2000), marque son premier succès critique. Mettant en lumière les talents de soliste de sa sœur Ingrid, avec qui elle collaborera tout au long de sa carrière, Christine Jensen réalise un véritable patchwork sonore alliant formes, rythmes et sonorités variées, qui lui vaut une nomination aux prix OPUS. Son troisième album, Look Left (2006), témoigne de l’évolution de son écriture, révélant une artiste ayant pleinement intégré ses influences. En alliant tradition et modernité, la saxophoniste aborde le rythme et l’harmonie d’une manière résolument contemporaine.

Treelines (2010) et Under the Influence (2017) avec l’Orchestre national de jazz de Montréal

En 2010, Christine Jensen enregistre Treelines, qui reçoit le prix JUNO pour l’album jazz contemporain de l’année. Optant pour une instrumentation riche et variée, elle démontre ses formidables talents d’arrangeuse et de cheffe d’orchestre à travers des pièces aux textures à la fois denses et aérées, où le raffinement mélodique et harmonique permet à chaque musicien de briller aisément. Elle renouvelle cette expérience avec l’album Under the Influence (2017), en collaboration avec l’Orchestre national de jazz de Montréal, rendant hommage à ses mentors, Kenny Wheeler et Jan Jarczyk.

Infinitude (2016) et Harbour (2024)

Christine ne néglige pas pour autant l’écriture pour petits ensembles. Elle co-signe Infinitude (2016) avec sa sœur, les musiciennes étant pour l’occasion entourées du talentueux Ben Monder à la guitare, de Fraser Hollins à la contrebasse et de Jon Wikan à la batterie, résultant en un album riche en paysages sonores évocateurs, aux accents modernes qui renvoient au langage de Wayne Shorter. Plus récemment, Christine Jensen lançait Harbour (2024), un album qui réunit plus de dix ans de compositions et de commandes.

Christine Jensen 4tet @ Festi Jazz International de Rimouski

Vendredi le 30 août de 18 h30 a 19 h 45
Salle Jacques-Hébert du Conservatoire de musique de Rimouski

Christine Jensen – saxophones
David Restivo – guitare
Rémi-Jean LeBlanc – basse
Jim Doxas – batterie

La 38e édition du Festi Jazz International de Rimouski du 29 août au 1e septembre

Le Festi Jazz International de Rimouski organise depuis 1986 le plus chaleureux des festivals de jazz. Grâce au succès remporté dès ses débuts, l’événement s’est forgé une belle réputation tant au Québec qu’à l’international. Solidement ancré dans son milieu, le Festi Jazz en sera à sa 38e édition cette année et accueille annuellement des artistes jazz de renommée et une relève talentueuse, dans un décor maritime saisissant. L’édition 2024 présentée par Québecor, se tiendra du 29 août au 1e septembre 2024 et offrira comme à son habitude le rendez-vous jazz unique, rassembleur et énergisant à ne pas manquer dans l’Est du Québec.

pour en savoir plus sur toute la programmation et toutes les scènes :

site web
418-724-7844
info@festijazzrimouski.com

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Découvrez les Passes Festi Jazz et Explore et toutes les autres offres spéciales @ notre billetterie

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Il est également impliqué au Centre de musique canadienne du QC. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Yannick Rieu nous parle de Symbiosis

Dans cette entrevue que nous avons eu il y quelques heures Yannick nous parle de son processus au niveau de la composition, l’influence de Brahms, la fusion de cette influence et le jazz, l’influence du quotidien, la session d’enregistrement @ magnifique site d’Orford Musique, comment la musique de Symbiosis influence le choix de ses saxophones ainsi que la façon d’échanger entre les musiciens, et quelle sorte de vibe on peut s’attendre ces deux soirs au Dièse Onze et plus.

Symbiosis – quelques mots de Stanley Péan, écrivain et mélomane

On définit la symbiose comme une association durable et réciproquement bénéfique entre organismes vivants. Le terme semble tout à fait approprié pour désigner le rapport qui lie le saxophoniste et compositeur Yannick Rieu à ses interlocuteurs, voire à la musique elle-même qu’il faut considérer comme un être à part entière. De là, la pertinence du titre de ce nouvel album d’œuvres originales, enregistré à la tête d’un quatuor de musiciens triés sur le volet : le pianiste Jonathan Cayer, le contrebassiste Rémi-Jean LeBlanc et le batteur Louis-Vincent Hamel. Tous les quatre, des têtes de file sur leur instrument respectif ; tous les quatre, un chouia plus jeunes que Rieu qui fait forcément figure de mentor.

Aimez-vous Brahms..nous demandait avec juste deux points de suspension plutôt qu’un point d’interrogation Françoise Sagan via le titre de son roman publié en 1959 et porté à l’écran deux ans plus tard. Après écoute des compositions réunies sur Symbiosis, qui s’enchaînent et se prolongent à la manière des mouvements d’une suite, on imagine bien Yannick Rieu répondant par l’affirmative à la romancière française. Car le spectre de Johannes Brahms, compositeur allemand tenu pour l’un des plus importants de la période romantique, hante bel et bien les thèmes proposés par le saxophoniste à ses partenaires comme cadres pour ces conversations impromptues sans lesquelles il n’y a point de jazz. Les sept plages de cet opus, où plus que jamais Rieu dévoile la profondeur de son lyrisme, esquissent dans une esthétique résolument jazz le portrait tout en nuances de celui qu’on considérait comme le successeur de Beethoven.

Pas étonnant d’ailleurs que le morceau qui clôt l’ensemble s’intitule « De Hambourg à Vienne ». Pour citer l’essayiste et critique de jazz chicagoan Art Lange, « ni expressionniste ni impressionniste, ni avant-gardiste ni néo-conservateur, Yannick Rieu habite plutôt un terrain d’entente, où l’inspiration est motivée par une préoccupation individuelle, une vision privée. »

Ainsi que le laisse entendre la musique gravée sur ce disque, ce « musicien au geste réfléchi et au métier singulier » (toujours selon Lange) a l’immense mérite de systématiquement se camper là où on ne l’espère pas vraiment.

En somme, avec Yannick Rieu, il faut toujours s’attendre à l’inattendu. C’est le propre de tout artiste de jazz digne du nom, me direz-vous. C’est surtout la marque d’un véritable créateur.

Symbiosis – les pièces

Prélude / Danse Magyare / Contrepoint pour Johannes / A Fairy Tale / Valse à 4 temps / Embrahms-moi / De Hambourg à Vienne

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Symbiosis sur Productions Yari

Yannick Rieu lance Symbiosis en concert

Dièse Onze – 4115A St-Denis – pour réservations : 514-223-3543

Vendredi le 26 juillet @ 19 h et 21h
Samedi le 27 juillet @ 19 h et 21h

Animation des concerts : Stanley Péan

Yannick Rieu – saxophones et compositions
Jonathan Cayer – piano
Rémi-Jean LeBlanc – contrebasse
Louis-Vincent Hamel – batterie

Jonathan Cayer, Yannick Rieu, Louis-Vincent Hamel et Rémi-Jean LeBlanc

Symbiosis est le 8ième album de Yannick Rieu présenté par les Productions Yari.
Symbiosis en format vinyle est disponible sur le label Dièse Onze Records.

Yannick Rieu lance Symbiosis @ Dièse Onze (26-27 juillet)

Yannick Rieu Génération Quartet – Qui Qu’en Grogne

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