Le guitariste et compositeur Pat Metheny annonce le lancement de son nouveau label, Uniquity Music, ainsi que la sortie d’un nouvel album studio, Side-Eye III+, le 27 février 2026. Voici In On It, un premier single de Side-Eye III+ (2026) avec Chris Fishman (piano/claviers) et Joe Dyson (batterie) – le trio original du projet Side-Eye – et plusieurs autres jeunes musiciens invités, ce qui explique le +. Un petit bijou et un retour en quelque sorte aux « racines ».

Side-Eye III+ (2026) – le pourquoi du +

Metheny explique : « Une fois en studio avec les gars, j’ai réalisé que si le trio était parfait pour nos performances live, ma musique appelait à quelque chose de plus grand. C’est là qu’intervient le « + » de Side-Eye III+ (2026). J’ai fini par ajouter quinze autres musiciens au trio, élargissant considérablement l’univers sonore de l’album. »

Enregistré en studio, Side-Eye III+ (2026) réunit de nouveaux musiciens, dont le bassiste Daryl Johns, la harpiste Brandee Younger, le percussionniste Luis Conte et un ensemble vocal dirigé par Mark Kibble de Take 6, créant ainsi un paysage musical riche et ample.

« Il a réuni un groupe de chanteurs incroyable », dit Metheny à propos de Kibble, « et ensemble, nous avons trouvé un son qui puise ses racines dans la tradition gospel, mais je pense que la plupart des gens reconnaîtront immédiatement ma patte, avec mes harmonies et mes mélodies. »

Uniquity Music – le point culminant du parcours musical de Pat Metheny

« Depuis des années, je rêve d’un lieu où toute mon œuvre, passée et future, serait réunie sous une même bannière : mon propre label », explique Metheny. « Avec la création d’Uniquity Music, ce rêve est devenu réalité. À bien des égards, j’ai l’impression que ce n’est que le début, et je m’attends à ce que la période à venir soit le point culminant de mon parcours musical jusqu’à présent. Le nouveau label proposera des rééditions de tous les disques que j’ai enregistrés depuis Song X en 1984. »

NDLR – Voici quelques mots que nous avions eu avec le grand musicien il y a quelques années 🙂

sortiesjazznights.com – En 37 ans et possiblement plus, vous avez joué et partagé la scène et le studio avec une foule des grands du jazz…au fil des années votre style a évolué mais le jazz y est toujours…quelle est votre définition du jazz ?

Pat Metheny – Je ne suis pas un adepte de la définition des genres de musique. Pour moi la musique est un immense grand tout universel. Les musiciens que j’ai admiré le plus sont ceux qui ont un grand bassin de connaissances et une vision, pas seulement par rapport à la musique, mais au sujet de la vie en général et qui sont capables d’illuminer les choses qu’ils aiment en sons. Quand un musicien peut faire ça spontanément, en improvisant, c’est le genre de musicien que je préfère. Et toute la discussion pour décrire la musique est une discussion culturelle/politique qui ne m’intéresse pas de la même façon que ce qui m’intéresse, c’est l’esprit et le son de la musique.

sortiesjazznights.com – Un de vos amis et probable mentor était le grand Jim Hall. A part de ce géant, qui ont été vos influences et écoutiez-vous des fois d’autre grands tels que Grant Green, Wes Montgomery, George Benson, et Freddie Green ?

Pat Metheny – Oui, Wes Montgomery est de loin ma plus grande influence. Il demeure pour moi un modèle et de plusieurs façons, mais plus spécifiquement sur la façon qu’il a eu de trouver un son qui lui a permis de bien illustrer sa musique, de façon très personnelle. Vous avez raison que Jim Hall a aussi été une grande influence et un de mes partenaires de jeu préférés. Aussi, Kenny Burrell a été très important pour moi et un de mes préférés. Dans la génération suivante, Pat Martino et George Benson sont aussi des préférés.

sortiesjazznights.com – Comme le pianiste Brad Meldhau, écoutez-vous des groupes tels Nirvana, RadioHead, et de jeunes loups comme Christian Scott, Ambrose Akinmusire où même la musique classique ?

Pat Metheny – J’écoute de tout. Je suis devenu et suis toujours un musicien parce que j’aime beaucoup la musique.

sortiesjazznights.com – La musique et le jazz d’aujourd’hui souffre beaucoup des téléchargements et du streaming et potentiellement l’intelligence artificielle, selon vous que devrions nous faire pour y remédier ?

Pat Metheny – Il a toujours été très difficile de faire rayonner sa musique, et chaque génération est confrontée à des défis uniques, tout en bénéficiant d’opportunités uniques. Cependant, je pense que si l’on parvient à créer quelque chose d’authentique et d’influent, on peut se faire une place, même modeste, dans la culture de son époque. Être un bon musicien ne suffit pas, et cela a toujours été le cas. Il ne suffit pas de maîtriser la technique – même si elle est très répandue, il faut aspirer à créer des idées inédites, originales et novatrices.

Pat Metheny lance Uniquity Music et Side-Eye III+

Side-Eye 111+ (en pré-commande)

A propos de Pat Metheny

Pat Metheny, né à Kansas City le 12 août 1954 dans une famille de musiciens, commence la trompette à 8 ans avant de passer à la guitare à 12 ans. Dès 15 ans, il joue avec les meilleurs jazzmen de sa ville. Il se fait connaître internationalement en 1974 avec le vibraphoniste Gary Burton, révélant un style novateur mêlant articulation fluide, sens rythmique et harmonique raffiné, ancré dans la tradition du jazz. Son premier album Bright Size Life (1975) redéfinit le son de la guitare jazz pour une nouvelle génération.

Pat Metheny repousse sans cesse les limites du jazz

Au fil de sa carrière, Metheny repousse sans cesse les limites du jazz en explorant de nouvelles technologies et en diversifiant les styles : jazz, rock et musique classique. Collaborateur de grands noms comme Herbie Hancock, Steve Reich, Ornette Coleman ou David Bowie, il compose pour guitare solo, ensembles, orchestres et ballets.

Pédagogue précoce, il devient à 18 ans le plus jeune professeur de l’Université de Miami, puis à 19 ans celui du Berklee College of Music, où il recevra un doctorat honorifique en 1996. Innovateur, il expérimente tôt les synthétiseurs et développe de nouveaux types de guitares, dont la célèbre Pikasso Guitar et l’Orchestrion, un orchestre mécanique.

Reconnu mondialement, Metheny a remporté 20 Grammy Awards dans 12 catégories différentes et trois disques d’or. Le Pat Metheny Group a obtenu sept Grammy consécutifs. Inlassable sur scène, il donne jusqu’à 240 concerts par an et reste l’une des figures majeures et les plus influentes du jazz contemporain.

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Pat Metheny – Side-Eye NYC (V1.IV)

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Guitariste, compositrice et infatigable exploratrice sonore, Mary Halvorson lance About Ghosts (2025), un excellent nouvel album qui s’ajoute à une discographie aussi dense qu’inclassable.

About Ghosts (2025) illustre à merveille la singularité de l’univers musical de Mary Halvorson

D’Anthony Braxton à Marc Ribot, en passant par Ambrose Akinmusire, Tomeka Reid et Bill Frisell, sans oublier ses propres ensembles, Mary Halvorson s’est taillée une place de choix dans le club très select de l’avant-garde new-yorkaise, multipliant les collaborations atypiques entre jazz et expérimentation radicale. Même lorsque sa musique flirte avec l’abstraction la plus sinueuse, elle reste traversée par des mélodies fortes et des harmonies lumineuses qui rayonnent bien au-delà des seules scènes contemporaines. About Ghosts (2025) illustre à merveille la singularité de cet univers musical, où l’écriture dialogue avec l’improvisation libre, les dissonances avec les mélodies accrocheuses.

Carved From – une montée en puissance des cuivres

Aux commandes du sextet Amaryllis avec qui elle a déjà signé les tout aussi excellents Amaryllis (2022) et Cloudward (2024), Mary Halvorson livre huit nouveaux titres qui délaissent les arrangements de cordes des parutions précédentes au profit d’une palette de cuivres élargie, avec Immanuel Wilkins (sax alto) et Brian Settles (sax ténor) qui se joignent aux fidèles du sextet, Adam O’Farrill (trompette) et Jacob Garchik (trombone). Cette montée en puissance des cuivres frappe de plein fouet sur la très nerveuse Carved From, démontrant que les musiciens maîtrisent aussi bien l’art du swing que celui de l’explosion collective.

Full of Neon lance le bal avec le vibraphone miroitant de Patricia Brennan

Dans le style typique de la guitariste, Full of Neon lance le bal avec le vibraphone miroitant de Patricia Brennan et les rythmes circulaires de Tomas Fujiwara, superposés de lignes de cuivres sinueuses qui se tissent, s’entrelacent, se défont et se recomposent. D’abord en retrait, la guitare de Mary Halvorson finit par s’inviter avec éclat. Par la suite Absinthian file à vive allure avec ses tempos acérés, ses enchaînements de solos et ses cuivres éclatants qui rappellent l’énergie d’un big band, mais passée à travers le prisme anguleux et contemporain de la guitariste.

Amaranthine prolonge ce dialogue mouvant entre structure et liberté

Amaranthine prolonge ce dialogue mouvant entre structure et liberté, démarrant sur une pulsation vacillante avant de s’ouvrir sur une envolée mélodique du trompettiste Adam O’Farrill et le trombone de Jacob Garchik. Plus introspective, Eventidal fait converser la guitare et le vibraphone avec douceur, alors que la pièce-titre synthétise toute l’esthétique de l’album : un jazz aux allures de mirage, suspendu entre complexité rythmique, intuition et émotion pure.

Sur About Ghosts, on retrouve définitivement le côté étrange et singulier, sorte d’heureux mélange entre talent et candeur, qui fait de Mary Halvorson une artiste unique et absolument inclassable.

Full of Neon / Carved From / Eventidal / Absinthian / About Ghosts / Amaranthine / Polyhedral / Endmost

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Mary Halvorson – guitar (1-8), synthéthiseur (Pocket Piano) (1–3,8)
Immanuel Wilkins – saxophone alto saxophone (1-2,4-5)
Brian Settles – saxophone ténor (1-2,5,8)
Adam O’Farrill – trompette (1-8)
Jacob Garchik – trombone (1-8)
Patricia Brennan – vibraphone (1-8)
Nick Dunston – basse (1-8)
Tomas Fujiwara – batterie (1-8)

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est un guitariste formé en musicologie à l’Université de Montréal. Son parcours reflète un intérêt profond pour le jazz, la musique contemporaine et les croisements entre musique et urbanité. Après plusieurs années passées à œuvrer dans le milieu culturel, il se consacre désormais à l’urbanisme, tout en continuant de prendre la scène au sein de divers ensembles. Vous pouvez le retrouver ici toutes les deux semaines dans ses critiques d’albums où il explore les nouvelles formes du jazz contemporain. Pour voir toutes ses chroniques, c’est ici

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Guitariste, compositrice et infatigable exploratrice sonore, Mary Halvorson lance About Ghosts (2025), un excellent nouvel album qui s’ajoute à une discographie aussi dense qu’inclassable.

About Ghosts (2025) illustre à merveille la singularité de l’univers musical de Mary Halvorson

D’Anthony Braxton à Marc Ribot, en passant par Ambrose Akinmusire, Tomeka Reid et Bill Frisell, sans oublier ses propres ensembles, Mary Halvorson s’est taillée une place de choix dans le club très select de l’avant-garde new-yorkaise, multipliant les collaborations atypiques entre jazz et expérimentation radicale. Même lorsque sa musique flirte avec l’abstraction la plus sinueuse, elle reste traversée par des mélodies fortes et des harmonies lumineuses qui rayonnent bien au-delà des seules scènes contemporaines. About Ghosts (2025) illustre à merveille la singularité de cet univers musical, où l’écriture dialogue avec l’improvisation libre, les dissonances avec les mélodies accrocheuses.

Carved From – une montée en puissance des cuivres

Aux commandes du sextet Amaryllis avec qui elle a déjà signé les tout aussi excellents Amaryllis (2022) et Cloudward (2024), Mary Halvorson livre huit nouveaux titres qui délaissent les arrangements de cordes des parutions précédentes au profit d’une palette de cuivres élargie, avec Immanuel Wilkins (sax alto) et Brian Settles (sax ténor) qui se joignent aux fidèles du sextet, Adam O’Farrill (trompette) et Jacob Garchik (trombone). Cette montée en puissance des cuivres frappe de plein fouet sur la très nerveuse Carved From, démontrant que les musiciens maîtrisent aussi bien l’art du swing que celui de l’explosion collective.

Full of Neon lance le bal avec le vibraphone miroitant de Patricia Brennan

Dans le style typique de la guitariste, Full of Neon lance le bal avec le vibraphone miroitant de Patricia Brennan et les rythmes circulaires de Tomas Fujiwara, superposés de lignes de cuivres sinueuses qui se tissent, s’entrelacent, se défont et se recomposent. D’abord en retrait, la guitare de Mary Halvorson finit par s’inviter avec éclat. Par la suite Absinthian file à vive allure avec ses tempos acérés, ses enchaînements de solos et ses cuivres éclatants qui rappellent l’énergie d’un big band, mais passée à travers le prisme anguleux et contemporain de la guitariste.

Amaranthine prolonge ce dialogue mouvant entre structure et liberté

Amaranthine prolonge ce dialogue mouvant entre structure et liberté, démarrant sur une pulsation vacillante avant de s’ouvrir sur une envolée mélodique du trompettiste Adam O’Farrill et le trombone de Jacob Garchik. Plus introspective, Eventidal fait converser la guitare et le vibraphone avec douceur, alors que la pièce-titre synthétise toute l’esthétique de l’album : un jazz aux allures de mirage, suspendu entre complexité rythmique, intuition et émotion pure.

Sur About Ghosts, on retrouve définitivement le côté étrange et singulier, sorte d’heureux mélange entre talent et candeur, qui fait de Mary Halvorson une artiste unique et absolument inclassable.

Full of Neon / Carved From / Eventidal / Absinthian / About Ghosts / Amaranthine / Polyhedral / Endmost

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Mary Halvorson – guitar (1-8), synthéthiseur (Pocket Piano) (1–3,8)
Immanuel Wilkins – saxophone alto saxophone (1-2,4-5)
Brian Settles – saxophone ténor (1-2,5,8)
Adam O’Farrill – trompette (1-8)
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Arnaud G. Veydarier est un guitariste formé en musicologie à l’Université de Montréal. Son parcours reflète un intérêt profond pour le jazz, la musique contemporaine et les croisements entre musique et urbanité. Après plusieurs années passées à œuvrer dans le milieu culturel, il se consacre désormais à l’urbanisme, tout en continuant de prendre la scène au sein de divers ensembles. Vous pouvez le retrouver ici toutes les deux semaines dans ses critiques d’albums où il explore les nouvelles formes du jazz contemporain. Pour voir toutes ses chroniques, c’est ici

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Mythique guitariste anglais adulé autant par les amateurs de jazz que de rock, John McLaughlin lançait récemment John McLaughlin & The 4th Dimension – Live at Montreux Jazz Festival 2022 (2025), un album live enregistré au célèbre festival suisse. Une parution particulièrement bienvenue, considérant que le guitariste annonçait en 2017 son intention de raccrocher sa guitare pour de bon, freiné par de sévères problèmes d’arthrite.

Et pourtant, on le retrouve ici en pleine forme, célébrant comme toujours le jazz comme un espace de communion et de liberté, accompagné de ses fidèles complices Étienne Mbappé (basse) et Gary Husband (claviers), ainsi que de Jany McPherson (chant, piano) et Nicolas Viccaro (batterie).

John McLaughlin & The 4th Dimension – la tradition jazz-rock des années 70-80

Avec The 4th Dimension, quartet avec lequel il a maintenant signé quatre albums, le guitariste explore une fusion à prime abord plus conventionnelle que ses précédentes incursions en territoires indiens et flamenco, du moins sur le plan formel. On y retrouve les tropes habituels du genre, rythmes syncopés, lignes de basse groovy et chirurgicales, textures de synthés, sans oublier les indispensables démonstrations de virtuosité, dans une esthétique globalement ancrée dans la tradition jazz-rock des années 1970 et 1980.

Sous cette apparente orthodoxie se cache un jeu aux mille et une facettes, tissant des influences de l’Orient à l’Occident

Mais sous cette apparente orthodoxie se cache un jeu aux mille et une facettes, tissant des influences de l’Orient à l’Occident, et qui puise davantage dans la pyrotechnie incantatoire de John Coltrane que dans le swing feutré de Wes Montgomery. Cette diversité d’influences informe d’ailleurs de manière évidente son jeu, tant au niveau mélodique que de son emploi de cellules rythmiques fortement inspirées des traditions indiennes. Un musicien unique et toujours en mouvement, et qui s’impose – nouvelle preuve à l’appui – comme l’une des figures les plus influentes du jazz des cinquante dernières années. Et à l’heure du tout-numérique, rares sont ceux et celles qui continuent à offrir des albums live en coffret physique combinant CD et Blu-ray.

John McLaughlin & The 4th Dimension – complicité et intensité intime

Si j’ai pour ma part un faible pour ses enregistrements en formation réduite qui révèlent la complicité exceptionnelle au sein de ses groupes, notamment le magistral Live at the Royal Festival Hall (1990) ou ses sessions avec Shakti, on retrouve cette même intensité intime à travers la douzaine de titres de l’album. Le répertoire puise allègrement dans le répertoire de Black Light (2015) avec pas moins du tiers de l’album qui lui est consacré, alors que son plus récent effort studio, Liberation Time (2021), n’est représenté que par Lockdown Blues.

The Heart of Things (1997) jusqu’a maintenant

Pour les amateurs de longue date du guitariste, l’album remonte jusqu’à The Heart of Things (1997), dont seule Mr. D.C. est reprise ici, en hommage au géant de la batterie jazz Dennis Chambers. La sélection inclut aussi quelques relectures marquantes, dont The Creator Has a Master Plan du regretté Pharoah Sanders, déjà interprété par le passé aux côtés de Carlos Santana, ainsi qu’une émouvante adaptation de The Light at the Edge of the World du compositeur italien Piero Piccioni. Parmi les autres moments forts de l’album figure aussi Abbaji, initialement enregistré sur l’excellent Floating Point (2008) en hommage au grand joueur de tabla Alla Rakha.

Une vitalité exceptionnelle et une performance techniquement éblouissante

Si l’on peut regretter que le répertoire ne ratisse pas plus large dans sa vaste discographie, Live at Montreux Jazz Festival 2022 (2025) témoigne à tout le moins de la vitalité exceptionnelle de John McLaughlin qui franchissait le cap des 80 ans au moment de sa captation. Entouré de musiciens d’exception avec qui il partage une évidente complicité, le guitariste livre une performance techniquement éblouissante et portée par un sens du dialogue musical toujours aussi affûté.

À découvrir, autant pour les amateurs de la première heure que les férus de jazz fusion bien huilé.

Introduction / Kiki / Lockdown Blues – Five Peace Band / The Creator Has A Master Plan / Hijacked / Gaza City / Mr. D.C. / Abbaji / New Blues Old Bruise / Here Come The JIIS / Light At The Edge Of The World / Echoes From Then (band introduction) / (encore) El Hombre Que Sabia

 John McLaughlin & The 4th Dimension  – Live at Montreux Jazz Festival 2022 (2025)

John McLaughlin – guitare
Jany McPherson – piano, voix
Gary Husband – claviers, batterie
Etienne Mbappe – basse
Nicola Viccaro – batterie

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Arnaud G. Veydarier est un guitariste formé en musicologie à l’Université de Montréal. Son parcours reflète un intérêt profond pour le jazz, la musique contemporaine et les croisements entre musique et urbanité. Après plusieurs années passées à œuvrer dans le milieu culturel, il se consacre désormais à l’urbanisme, tout en continuant de prendre la scène au sein de divers ensembles. Vous pouvez le retrouver ici toutes les deux semaines dans ses critiques d’albums où il explore les nouvelles formes du jazz contemporain. Pour voir toutes ses chroniques, c’est ici

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Ce quartette composé de Tomer Cohen à la guitare, John Roney au piano, Itai Eliezri à la contrebasse et Kulusé Souriant à la batterie se produira pour 4 spectacles à travers le Québec du 16 au 23 août. Cette mini-tournée débutera au Upstairs à Montréal et prendra fin au Bar Ste-Angèle de Québec avec des arrêts au Café-Bar Zénob à Trois-Rivières et au CEM de Chicoutimi.

Tomer Cohen – un guitariste et compositeur américano-israélien

Tomer Cohen est un guitariste et compositeur américano-israélien né aux États-Unis en 1996. Après avoir étudié le jazz au Israeli Conservatory of Music à Tel-Aviv, il s’est établi à New York afin de poursuivre sa formation à la New School of Jazz and Contemporary Music. Il s’est rapidement établi en tant qu’instrumentiste sur la scène new-yorkaise avec des performances dans plusieurs salles de concert et des collaborations avec des artistes de renom comme Ben Wendel et Omer Avital.

Not The Same River (2021) et Story of a Traveler (2025)

Son premier album Not The Same River (2021), qui a été enregistré en formule trio avec le bassiste Matt Penman et le batteur Obed Calvaire, a été acclamé par la critique et lui a permis de présenter sa musique aux États-Unis, au Mexique, en Belgique, au Royaume-Uni et en Israël. Cet album réunit les diverses influences du guitariste, de la musique du Moyen-Orient au jazz new-yorkais en passant par le folk et le rock. Son deuxième album, Story of a Traveler (2025), met quant à lui en vedette Shai Maestro, Cyrille Obermüller et Gert-Jan Dreesen.

Avec John Roney, Itai Eliezri et Kulusé Souriant

Le groupe va performer des compositions originales de chacun de ses membres sélectionnés spécialement pour l’occasion. Tomer Cohen sera rejoint par le pianiste John Roney, un nom bien connu de la scène montréalaise, en plus d’anciens acolytes, le contrebassiste Itai Eliezri et le batteur Kulusé Souriant.

Ce quartette formé spontanément à l’occasion de cette tournée québécoise saura sans doute délivrer une musique très spontanée et enlevante, une bonne opportunité de découvrir des artistes d’ici et d’ailleurs et d’être témoin de leur complicité lors d’une de ces 4 dates différentes à travers le Québec.

Tomer Cohen 4tet

Tomer Cohen – guitare
John Roney – piano
Itai Eliezri – contrebasse
Kulusé Souriant – batterie

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Montréal : Samedi le 16 août – Upstairs (19h30 et 21h45)
Trois-Rivières : Dimanche le 17 août – Café-Bar Zénob (17h) en trio sans John Roney
Chicoutimi : 22 août – CEM (20h)
Québec : 23 août – Bar Ste-Angèle (21h)

Samuel Lechasseur : samuel.lechasseur@mail.mcgill.ca

Samuel Lechasseur est un guitariste actif sur la scène jazz montréalaise. En plus de sa carrière d’instrumentiste et de compositeur, il est également passionné par l’enseignement de la guitare et de la musique. Il a complété des études en guitare jazz à l’Université de Montréal et à l’Université McGill. Il délaisse sa guitare préférée depuis janvier 2025 quelques instants pour le clavier afin de nous proposer dorénavant chaque semaine notre suggestion de la semaine : le bon plan jazz.

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Vous aimez le jazz brésilien ? Venez entendre Samuel Bonnet (guitare), Tariq Amery (flûte/sax), Claude Thibault (guitare/voix/percussions), Christophe de Blois (basse) et Orlando Cabrera (percussions) jouer quelques classiques du répertoire ainsi que quelques morceaux moins connus @ La Petite Marche jeudi le 7 août @ 21 h 30.

Samuel Bonnet – guitare

De formation classique et jazz, la musique du guitariste Samuel Bonnet se situe à la croisée de plusieurs univers musicaux, quelque part entre la résonance naturelle des cordes nylon de la guitare classique et l’improvisation jazz. A travers sa musique, il nous raconte son histoire intime et personnelle en dialogue permanent avec ses racines plurielles. Avec son trio il lançait récemment Live! In Harmony!, son 5e album en tant que leader. Pour ce projet il se tourne vers une de ces passions musicales : le jazz brésilien.

Tariq Amery – flûte et saxophone

Flûtiste et saxophoniste originaire de London (ON), Tariq Amery est actuellement basé à Montréal. Diplômé en musique de l’Université Carleton à Ottawa, il a étudié de manière approfondie l’interprétation et la composition avec des professeurs privés spécialisés dans divers styles. Il a également étudié avec le guitariste Roddy Elias, Robert Cram de l’Orchestre du Centre national des Arts, le lauréat du prix Juno Jesse Stewart et Christopher Lee de l’Orchestre philharmonique de Toronto, Jane Bunnett, Dave Liebman ainsi que le flûtiste Greg Patillo. Il a joué dans plusieurs festivals et plus récemment a suivi des formations avec George Garzone, Jerry Bergonzi et Ari Hoenig, afin de passer du temps a New York.

Claude Thibault – voix, guitare et percussions

Vous connaissez peut-être la magazine sortiesjazznights.com. Celui qui est derrière ce magazine de 22 ans, Claude Thibault, est également musicien et vous l’entendrez chanter, à la guitare et aux percussions. Il a partagé la scène avec plusieurs artistes du Québec, dans des jams ainsi qu’au party annuel de sortiesjazznights.com, LA rencontre du milieu jazz du Québec.

Christophe De Blois – basse

Le bassiste Christophe De Blois manie la basse avec un groove et un feel qu’on remarque dès les premiers instants. À l’aise autant en jazz qu’en musique du monde et autres genres on peut l’entendre avec le populaire La Tribu Salsa Band et l’Alhambra Band, et plusieurs autres groupes. Celui a qui a complété ses études @ CEGEP Marie-Victorin avec brio se joint à ce projet avec enthousiasme.

Orlando Cabrera – percussions

Natif de Bayamon, Puerto Rico le percussionniste Orlando Cabrera est spécialisé en musique latine. Il joue depuis l’âge de 9 ans dans plusieurs genres musicaux incluant le folklore sud-américain, la salsa, la samba et le jazz. Avec plus de 25 enregistrements à son actif il a collaboré avec le reputé groupe latino-américain Sotavento, la vocaliste jazz Janet Planet, le groupe manouche Harmonious Wail, et plusieurs auteurs-compositeurs d’Amérique Latine tels que Guillermo Anderson (Honduras), Romulo Castro (Panama) et Pedro Villagra (Chile). Il joue actuellement avec Off Brasil, un groupe montréalais.

500 Miles High
A Felicidade
Blue Bossa
Dolphin Dance
Eu Vim Da Bahia
Giant Steps
How Insensitive
Incompatibilad de Genios
Preta Porter de Tafeta
Riff à Claude
Triste
Zingaro

Le jazz brésilien de Samuel Bonnet Tariq Amery Claude Thibault Christophe de Blois Orlando Cabrera @ La Petite Marche

Jeudi le 7 août @ 21 h 30 – contribution volontaire suggérée : 10$

l’événement Facebook

La Petite Marche
5035 St-Denis
514-842-1994

photo : Jean-Pierre Dubé

Samuel Bonnet Trio – Live In Harmony (2025)

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Avec Multiverse (2025), le guitariste montréalais Nicolas Ferron signe un premier album très prometteur à la tête d’un organ trio composé de Jonathan Cayer à l’orgue et de Louis-Vincent Hamel à la batterie. Actif depuis plusieurs années sur la scène jazz montréalaise aux côtés de figures comme Rémi-Jean Leblanc et Benjamin Deschamps, le guitariste dévoile ici une plume affirmée, un jeu précis et un univers sonore très personnel.

Loin des clichés du trio d’orgue, généralement axé funk, soul et swing, Multiverse (2025) propose un répertoire original, traversé d’influences aussi variées qu’Aaron Parks, Marc Ribot, Ornette Coleman ou même Pink Floyd. La musique est aussi exigeante que fluide, au croisement de couleurs vintage, de structures progressives et d’atmosphères enveloppantes.

Multiverse – vélocité rythmique, guitare agile et précise

Le trio impose le ton dès la première pièce, Multiverse : vélocité rythmique, guitare agile et précise, sonorités vintage au service d’un langage résolument moderne. La fusion opère entre structures progressives, harmonies audacieuses et une formule organ trio qui fonctionne hors des codes du jazz classique. Ici, pas de revival, mais une vision ancrée dans le présent, assumée et résolument contemporaine.

Valencia, une ballade élégante et introspective

Le tempo ralentit quelque peu avec Valencia, une ballade élégante et introspective qui met en lumière la touche délicate et expressive du guitariste. La conclusion en chord melody révèle une vraie sensibilité artistique, loin de la démonstration et toute en finesse. Shiitake enchaîne dans la même veine, avec une légère montée en intensité sous l’impulsion d’un solo de guitare qui s’épanouit avec fluidité, nuances et lyrisme, témoignant d’un sens aigu de la mélodie et d’une grande liberté dans l’économie de moyens.

Complot, Mithridate et Muffin au son

Changement d’atmosphère sur Complot, morceau abrasif où transparaissent les influences de Marc Ribot, voire des premiers albums du Mahavishnu Orchestra. L’organiste s’y déchaîne dans des improvisations effervescentes et parfaitement exécutées. Suit Mithridate, balade lente et brumeuse à la poésie étrange, presque surréaliste, digne d’un générique de Twin Peaks, alors que Muffin au son surprend par la superposition de rythmique punk-rock, de mélodies et de progressions pop, ponctué d’improvisation très intense. Un ovni sonore aussi déroutant qu’intriguant.

Multiverse / Valencia / Shiitake / Complot / Mithridate / Muffin au Son / Éveil / Un peu confus

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Jonathan Cayer Nicolas Ferron Louis-Vincent Hamel

À chaque écoute de Multiverse (2025), de nouvelles subtilités se révèlent

L’album se clôt finalement sur Éveil et Un peu confus, deux pièces qui prolongent l’ambivalence sonore du projet : entre tension inquiétante et lyrisme suspendu, atmosphères troubles et mélodies lumineuses. À chaque écoute de Multiverse (2025), de nouvelles subtilités se révèlent, témoignant de la richesse de l’écriture et de l’inventivité des arrangements.

Porté par une direction artistique forte et un répertoire original aux antipodes du jazz revival, ce trio mené par le Montréalais Nicolas Ferron redéfinit les contours du format organ trio avec une audace et une maîtrise impressionnantes.

Jonathan Cayer – orgue B3
Nicolas Ferron – guitare
Louis-Vincent Hamel – batterie

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est un guitariste formé en musicologie à l’Université de Montréal. Son parcours reflète un intérêt profond pour le jazz, la musique contemporaine et les croisements entre musique et urbanité. Après plusieurs années passées à œuvrer dans le milieu culturel, il se consacre désormais à l’urbanisme, tout en continuant de prendre la scène au sein de divers ensembles. Vous pouvez le retrouver ici toutes les deux semaines dans ses critiques d’albums où il explore les nouvelles formes du jazz contemporain. Pour voir toutes ses chroniques, c’est ici

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Le BdelaS PsychJazz Septet dirigé par le guitariste Louis Beaudoin-de la Sablonnière lancera l’album Modern Jazz (2025) le dimanche le 8 juin au Quai des brumes de la rue St-Denis. Ça sera suivi en 2e partie d’une prestation prestation électro par le multi-instrumentiste Hugo Mayrand, Louis Thibault et Philippe Girard et Antoine Pelegrin.

Le prolifique Louis Beaudoin-de la Sablonnière nous propose Modern Jazz (2025), un 7ᵉ album de sa série GENRES. Cette collection est caractérisée par des éléments récurrents – mélodies, rythmes, accords et sonorités – mais chaque album possède sa propre identité stylistique. Dans les précédents, il a exploré, entre autres, le black métal, la chanson française, le krautrock et la musique ambiante.

Modern Jazz (2025) est un opus de jazz moderne, et un retour à ses racines musicales. Comme le suggèrent les titres de l’album, il est influencé par des compositeurs de jazz ayant brillamment intégré des éléments de musique classique moderne, tels que Muhal Richard Abrams, John Zorn, Anna Webber et George Russell.

Charles Mingus – Muhal Richard Abrams / George Russell – Ingebrigt Haker-Flaten / Henry Threadgill – Miles Davis / Tim Berne / John Zorn – Anna Webber

bandcamp

BdelaS PsychJazz Septet lance Modern Jazz (2025)

Louis Beaudoin-de la Sablonnière – guitare
Louis Thibault – guitare
Philippe Girard – guitare
Gabriel Genest – saxophone ténor
Alex Dodier – saxophone alto, synthés, effets
David Meunier-Roy – basse
Maude Bastien – batterie

Le lancement sera suivi d’une prestation électro par le multi-instrumentiste Hugo Mayrand qui sera accompagné de Louis Thibault et Philippe Girard aux guitares et Antoine Pelegrin à la basse.

Dimanche le 8 juin @ 21 h

Quai des brumes
4481 St-Denis
514-499-1278

l’événement Facebook

Marcia et Solarium @ Quai des Brumes (17 sept 2024)

Image : Alex Dodier

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La guitariste Christine Tassan et la flûtiste Marie-Véronique Bourque annoncent l’album Bruissement boréal (2025), à paraître en formats physique et numérique ce vendredi 9 mai et en concert, une semaine plus tard, le vendredi le 16 mai au Ministère. Ce projet inusité, porté par deux musiciennes chevronnées, célèbre la nature en sons et en silences, en vibrations et en souffle. Avec son instrumentation atypique — la flûte et la guitare y tissent des dialogues d’une rare subtilité dans le paysage jazz — Bruissement boréal se démarque dès les premières notes.

Du murmure des prairies aux échos de la forêt, Christine Tassan et Marie-Véronique Bourque célèbrent les sons de la nature sur leur nouvel album: Bruissement boréal

Établies l’une au Québec et l’autre en Saskatchewan, Christine et Marie-Véronique ont composé ce disque en faisant fi des 3000 km les séparant, portées par une même écoute sensible du monde qui les entoure. Nées de fragments sonores et vidéos captés dans leurs paysages respectifs (oiseaux, vent, bruissements d’arbres ou chants de grenouilles), les pièces de Bruissement boréal mêlent improvisation, swing et textures naturelles, dans un jazz à la fois raffiné, ludique et profondément organique.

L’idée a germé en mai 2023 avec un défi un peu fou, mais profondément inspirant: composer cinq morceaux en cinq heures, à distance, en se laissant guider par les sons extérieurs de leurs coins de pays respectifs. Cette correspondance musicale fertile a mené à la création de 13 compositions, que les deux artistes ont peaufinées lors d’une résidence au Domaine Forget de Charlevoix, en janvier 2024. C’est là que l’album Bruissement boréal (2025) a pris forme, avec l’ajout de deux musiciens de haut calibre, David Meunier-Roy à la contrebasse et Olivier Bussières à la batterie et aux percussions.

Bruissement boréal (2025) : à la fois zen, dansant et virtuose

Christine et Marie-Véronique déploient toute leur sensibilité sur des titres invitant à la contemplation tranquille (Aurore boréale, Les nuages de Sutton), tout en impressionnant par leur virtuosité sur des morceaux de swing et de samba énergiques (Pépions en chœur, Les rayons de l’automne, Rainettes dans la nuit). Elles s’offrent au passage un blues façon Roland Kirk en hommage aux oies sauvages (Le blues du lac Wascana), avant de se laisser emporter par un groove jazz-funk inspiré du chant des grenouilles (Ça croasse en masse).

Hormis sur la touchante pièce finale (Le roulis des galets), qu’elles interprètent en duo, Christine et Marie-Véronique sont appuyées tout en finesse par les talentueux David Meunier-Roy et Olivier Bussières. Majoritairement instrumental (à l’exception d’un humoristique Dialogue entre sauterelles), Bruissement boréal incarne un jazz à la fois accessible et de haute voltige.

Bruissement boréal (2025) sur toutes les plateformes

Christine Tassan et Marie-Véronique Bourque – Bruissement boréal en concert le 16 mai

Bruissement boréal prendra vie sur scène lors d’un spectacle de lancement présenté le 16 mai au Ministère, à Montréal. Christine Tassan et Marie-Véronique Bourque y seront entourées des mêmes musiciens que sur l’album, pour offrir l’œuvre en formule quatuor.

Vendredi le 16 mai – ouverture des portes 19 h / concert 20 h

Billets en présence : https://lepointdevente.com/billets/mns250516001
Billets en virtuel : https://lepointdevente.com/billets/mns250516002

Le Ministère
4521 rue St-Laurent
514-666-2326

Olivier Bussières – percussions
Marie-Véronique Bourque – flûte
Christine Tassan – guitare
David Meunier-Roy – contrebasse / basse électrique
(de gauche à droite)

Christine Tassan et Marie-Véronique Bourque – une belle rencontre Qué – Sask

La guitariste Christine Tassan et la flûtiste Marie-Véronique Bourque se distinguent par leurs carrières solos impressionnantes, tant au Canada qu’à l’étranger. Reconnues pour leur talent en tant qu’autrices, compositrices et interprètes, de même que pour l’audace dont elles font preuve en sortant des sentiers battus, elles ont accumulé de nombreuses distinctions au fil des ans.

Reconnue comme une figure incontournable du jazz manouche, Christine Tassan parcourt le monde depuis plus de vingt ans avec son groupe Christine Tassan et les Imposteures dont le plus récent album, Sur la route, est paru en 2024. Plusieurs fois nominé à l’ADISQ et aux Prix Opus, le groupe a remporté le Prix Opus du meilleur album jazz de l’année en 2017 pour l’album Entre Félix et Django. En 2020, en parallèle des Imposteures, Christine sort Voyage intérieur, un album de compositions aux sonorités bebop, enregistré en quintette, avec lequel elle se retrouve en nomination aux Junos, à l’ADISQ, au GAMIQ et aux Prix Opus.

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De son côté, Marie-Véronique Bourque s’est distinguée à l’international aux compétitions International Songwriting Competition 2024, à la NFA Jazz Flute Big Band Competition et à l’Unsigned Only Competition 2019.  Elle a de plus été nominée aux Trille Or 2023 et aux Saskatchewan Music Awards 2018 et 2021.  Ses albums Entre Québec & Saskatchewan (2021) et Une porte s’ouvre (2018) ont été classés parmi les cinq meilleurs albums de l’année en Saskatchewan et figurent sur les palmarès nationaux de jazz !Earshot.

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Photos : Sylviane Robini

Christine Tassan et les Imposteures – Sur la route (2024)

Christine Tassan Quintette – Voyage Intérieur (2020)

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