Pour bien conclure cette année 2025, place à la chanteuse/bassiste Marie-Soleil Lambert et sa formation, le sextet Sun Fantasia et leur nouvel album Anastasia (2025). Avoir de la suite dans les idées, c’est vraiment une excellente chose, puisque nous en sommes à une troisième album particulièrement réussi. Autrement dit, des essences de notes bleues accessibles à tous et à toutes.

Sun Fantasia, un jazz dynamique et son linéaire tout en intégrant des accents actuels

En écoutant sa voix, j’ai pensé à la Suissesse Monica Zetterlund, qui a fait des merveilles aux côtés du regretté pianiste Bill Evans. Voici un jazz dynamique et non linéaire, qui évoque la formation Double-Six, tout en intégrant des accents actuels. J’ai également découvert la flûtiste Adelina Steimetz, qui explore des accents à la « Jethro Tull ».

Above The Hills – Anastasia s’aventure dans d’autres genres

Cependant, Anastasia s’aventure dans d’autres genres, allant parfois vers des sonorités plus évocatrices ou poétiques, comme vous pourrez facilement le remarquer avec Above The Hills. L’introduction des claviers Moog dans cette composition lui confère un aspect rétro, mêlant harmonieusement le jazz à la pop des années 1970.

Abertica / Anastasia / Above The Hills / For Another Bite / Blue Wizard, Pt. I / Blue Wizard, Pt. II / Mount Fori / Dark Red

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Un disque à géométrie variable qui « tire » dans toutes les directions

Un disque à géométrie variable qui « tire » dans toutes les directions, pour notre plus grand plaisir. Ses accents funk avec une voix très « soul » se marient parfaitement avec les thèmes annoncés, comme dans : Blue Wizard Pt.I et Blue Wizard Pt.II vous feront taper du pied. On y trouve également des scats magnifiques, des vocalises parfaitement placées, soutenues par des musiciens qui maîtrisent leur art. Soit : le pianiste Sam Fortin, le contrebassiste Sean Burke , le guitariste Loïk Martin et le batteur Loïc du Sablon.

Dans un style plus classique, Mount Fori met en valeur le talent de la chanteuse. Sa voix virevoltante, ses modulations, son phrasé captivant et son équipe irréprochable offrent une cohérence parfaite. Nous saluons également la performance de la flûtiste.

La composition Dark Red est tout aussi enlevante, avec un petit côté funky. Avec la surmultiplication de la voix (bel effet technologique), nous retrouvons des élans du tandem Michel Legrand/Jacques Demy. Comme quoi, rien ne se perd, rien ne se crée : il suffit de trouver les bons ingrédients. Soulignons une fois de plus les prouesses vocales de la chanteuse, qui n’en est pas à son coup d’essai.

Marie-Soleil Lambert – voix et compositions
Adelina Steinmetz – flute
Loik Martin – guitare
Sam Fortin – piano
Sean Burke – contrebasse
Loic Du Sablon – batterie

En bref, Anastasia (2025) de Sun Fantasia est tout simplement magnifique et c’est un cadeau exquis à offrir.

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Heyday – RJ Leblanc @ Studio Fast Forward en concert de NDG (30 janvier 2025)

Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique jazz a Ted Audio et La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

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Révélée en 2016 par son impressionnante reprise de Tears in Heaven qui cumule à ce jour plus de 3,3 millions de vues sur les réseaux sociaux, la bassiste et compositrice franco-polonaise Kinga Glyk dévoilait récemment un sixième album, Real Life (2024). Porté par la co-production de Michael League (Snarky Puppy), ce nouvel opus navigue entre funk et fusion, s’inspirant fortement de légendaires figures du jazz des années 1980 telles que Return to Forever, Herbie Hancock et Weather Report. Les influences et sonorités se mêlent et entrent en résonance pour dessiner un jazz aux accents à la fois européens et américains, transcendant les étiquettes. La collaboration avec des musiciens d’exception tels que Casey Benjamin et Robert Searight confère à l’album une richesse texturale unique, où la basse de Glyk s’impose à la fois comme socle rythmique et fil narratif.

Real Life : Fast Life, Who Cares

En ouverture, Fast Life s’impose comme une fusion de claviers funky et de lignes de basse fluides où les mélodies de Kinga Glyk se fondent dans des explorations texturales riches. Ce morceau illustre à merveille la maîtrise de l’art de la tension et du relâchement, offrant une entrée en matière aussi groovy qu’expressive. Who Cares brille également par son groove irrésistible, inversant cette fois les rôles traditionnels entre mélodiste et section rythmique pour tisser un récit musical expressif.

The Friend You Call

The Friend You Call révèle ensuite des influences folkloriques, avec une introduction marquée par une superbe mélodie d’accords qui installe une atmosphère à la fois lumineuse et introspective. L’influence du jazz européen, incarnée par les solos lyriques de Caleb McCampbell et Nicholas Semrad, imprègne l’ensemble de l’album, témoignant de la capacité de Kinga Glyk à peindre des paysages sonores profondément évocateurs.

That Right There, Sadness Does Not Last Forever

That Right There démarre en trombe avec la basse en avant-plan, rappelant l’énergie brute du pionnier de la basse funk, Larry Graham. Le mélange explosif de synthés saturés est ponctué de solos de Julian Pollack et Nicholas Semrad qui confèrent vitalité et spontanéité à l’ensemble. Sadness Does Not Last Forever s’ouvre quant à elle de manière très solennelle, le morceau gagnant progressivement en intensité avec l’arrivée de percussions entraînantes soutenues par un synthé aux accents futuristes à la Joe Zawinul.

Real Life (2024) témoin du talent de Kinga Glyk et sa capacité à ajouter une touche très personnelle à un genre musical bien souvent surfait.

En définitive, Real Life (2024) ne se contente pas de simplement définir Kinga Glyk en tant que bassiste virtuose. Grâce à des compositions sophistiquées, une narrativité émouvante et une fusion harmonieuse d’une grande variété de styles, Real Life (2024) témoigne non seulement du talent exceptionnel de Kinga Glyk, mais également de sa capacité à ajouter une touche très personnelle à un genre musical bien souvent surfait.

http://kingaglyk.pl
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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Il est également impliqué au Centre de musique canadienne du QC. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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À ses côtés sur Evergreen, Julius Rodriguez rassemble une impressionnante armada de musiciens invités, incluant les saxophonistes Nicole McCabe, Chris Lewis et Emilio Modeste, les trompettistes Alonzo Demetrius et Keyon Harrold, ainsi que Nate Mercereau à la guitare synthé et au sampler.

Mission Statement

Fortement inspirée par la fusion de Herbie Hancock, l’ouverture Mission Statement trace une ligne mélodique au clavier, soutenue par une boucle de synthétiseur éthérée et une ligne de basse dynamique qui s’entrelacent et culminent en vibrants solos de piano et de saxophone. Si les textures déployées par le claviériste puisent également dans le rock progressif et la fusion, son style de composition et son talent pour les mélodies accrocheuses relèvent davantage de la pop contemporaine, du R&B et de la soul.

Road Rage, Love Everlasting, Around the World et Run to It

Ces influences se manifestent notamment dans la ballade électro-soul Road Rage, avec ses voix puissantes et chargées d’effets. On retrouve également la ballade langoureuse Love Everlasting avec le trompettiste Keyon Harrold, le morceau infusé d’acid-jazz des années 1990 Around the World et l’hymne gospel aux sonorités de Hammond B3 Run to It (The CP Song).

Mission Statement / Funmi’s Groove / Around The World / Road Rage (avec Jay Adlher) / Many Times / Rise and Shine / Run To It (The CP Song) / Love Everlasting (avec Keyon Harrold) / Stars Talk (avec Nate Mercereau) / Champion’s Call (avec Georgia Anne Muldrow)

Rise and Shine

Sur Rise and Shine, Julius Rodriguez s’empare de la guitare acoustique pour créer une chanson folk intime, empreinte d’harmonies jazz subtiles et ponctuée par une mélodie de clavier à la Stevie Wonder.

Evergreen, l’univers musical de Julius Rodriguez

Bien qu’une telle diversité de genres et de styles puisse donner l’impression qu’Evergreen (2024) est difficile à saisir, Julius Rodriguez parvient malgré tout à maintenir une vision d’ensemble cohérente. Il construit un univers musical à partir de ses influences, créant ainsi une œuvre à la fois soniquement expansive et musicalement unifiée.

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Il est également impliqué au Centre de musique canadienne du QC. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Room 4 – guitare et tuba produisent des textures riches et variées

Jazz, funk et rock avec un soupçon d’électro savamment dosé, Room 4 (2024) prend rapidement des allures de laboratoire d’exploration où les musiciens laissent libre cours à leurs élans créatifs. L’instrumentation spartiate ne limite en rien la portée des arrangements, la combinaison de guitare et de tuba agrémentée d’effets électroniques produisant des textures riches et variées à partir desquelles les musiciens étalent toute leur virtuosité.

Traditionnellement cantonné aux basses, le tubiste surprend par son utilisation non orthodoxe de l’instrument, celui-ci n’hésitant pas à explorer le registre supérieur du tuba pour donner la répartie au guitariste. Ses lignes mélodiques surprennent également par leur articulation à la fois souple et précise, rivalisant de virtuosité avec le guitariste.

Kinetic / Trailblazer / Em Tempo Real / Dança Fantasma / Coconut Cartoon / Nebula’ s Awakening / Interstellar Vibe / Pedro Virtuoso Poeta Errante / Rhythmic Rebellion

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La complexité et la spontanéité des interactions et la sophistication des arrangements renvoient indéniablement à l’essence du jazz

Si l’album affiche globalement une empreinte rock marquée, la complexité et la spontanéité des interactions et la sophistication des arrangements renvoient indéniablement à l’essence du jazz. Les influences se fondent entre elles pour former un tout équilibré, alors que la fluidité avec laquelle les transitions texturales s’opèrent ne fait que renforcer la proposition artistique de TGB. Ajoutez à la recette le groove impeccable du batteur Alexandre Frazão, et il n’en faut pas moins pour convaincre les détracteurs du jazz fusion les plus endurcis.

Dans son ensemble, Room 4 (2024) constitue une vraie bouffée d’air frais pour un genre qui se cantonne encore trop souvent aux formules prévisibles et aux réinterprétations stéréotypées.

Mário Delgado – guitare électrique
Sérgio Carolino – tuba
Alexandre Frazão – batterie

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Entouré d’une pléiade de musiciens talentueux, dont Kamasi Washington, Cory Henry et Robert Searight, Terrace Martin saisit cette opportunité pour revisiter les moments forts de sa carrière et rendre hommage aux figures qui l’ont marqué. Les références à son exceptionnel parcours musical sont nombreuses, comme How Much A Dollar Cost, un clin d’œil au titre de Kendrick Lamar paru sur To Pimp A Butterfly (2015) sur lequel Martin a par ailleurs collaboré. Dans ce nouveau contexte, la chanson préserve son essence méditative, tout en offrant une narration plus fluide et lyrique. The Voice Of King Nipsey se présente quant à elle comme un hommage poignant à la légende de Crenshaw, Nipsey Hussle. D’autres moments marquants incluent l’entraînante pièce d’ouverture 24th & Lake et l’enflammée Sweeter, toutes deux mettant en évidence la capacité des artistes à se laisser guider par la musique.

Tout au long de l’album, Terrace Martin et ses collaborateurs créent une atmosphère sonore singulière et imaginative, comme en témoigne Valdez Off Crenshaw. Cette dernière met en valeur les talents de Washington, Henry et Searight, évoquant la sensation d’une brise estivale. Collaborant aussi bien avec des artistes établis que de talents émergents, tels que l’organiste Larry Goldings et le guitariste Nir Felder, Terrace Martin parvient à façonner un univers musical invitant dans lequel n’importe quel amateur de jazz trouve vite ses repères. Ceci dit, Terrace Martin ne se contente pas de revisiter son propre parcours musical. Il le réimagine et le magnifie, tirant judicieusement parti du talent de ses collaborateurs.

Au final, Curly (2023) s’impose comme un véritable cours magistral de virtuosité musicale et un fascinant périple personnel à travers le jazz .

24th & Lake / Bromali / Final Thought / How Much A Dollar Cost / Sweeter (Extended Version) / Valdez Off Crenshaw / Untitled 5 / Blue Monday / The Voice of King Nipsey

Terrace Martin – saxophones, synth
Kamasi Washington – saxophones
Cory Henry – claviers, orgue
Larry Goldings – piano
Nir Felder – guitare
Robert ‘Sput’ Searight – batterie

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Incantation (2022) sur ACT

À tout juste dix-neuf ans, Emma Rawicz réalise un premier album autoproduit, Incantation (2022), celle-ci affichant un talent précoce et une assurance hors du commun pour une musicienne de cet âge. Alors encore étudiante en dernière année d’étude au conservatoire de Londres, sa première parution sort sur l’étiquette allemande ACT, un havre de stars du jazz où la jeune virtuose affiche ses couleurs sans détour, mariant le saxophone de la vieille école au panache des ténors post-bop, de Joe Henderson à Chris Potter.

Chroma – la saxophoniste étale ses talents de compositrice que son flair d’improvisatrice

Avec Chroma (2023), la saxophoniste étale aussi bien ses vastes talents de compositrice que son flair d’improvisatrice, tout en laissant à ses collaborateurs la latitude nécessaire pour faire leur marque dans un univers compositionnel en pleine effervescence. Ivo Neame (piano), Ant Law (guitare), Conor Chaplin (basse), Asaf Sirkis (batterie) et Immy Churchill (chant) accompagnent avec brio la jeune saxophoniste au fil d’un voyage ponctué d’harmonies denses et des lignes mélodiques anguleuses. Ceci dit, c’est sans doute le ténor d’Emma Rawicz qui offre la palette de couleurs la plus éclatante de toutes, passant sans effort de phrases lyriques envolées à des flots rapides et à des grognements musclés.

Phlox, Xanadu I, Rangwall, Xanadu II et Viridian

Inspiré par les techniques vocales de la musique classique indienne, le morceau d’ouverture Phlox projette d’emblée les couleurs world qui donnent le ton au reste de l’album. La mélodie entre ensuite en scène, évoquant la mélodie angulaire du standard d’Eddie Harris Freedom Jazz Dance. Xanadu I change d’humeur et de tempo du tout au tout, celle-ci s’apparentant davantage à une ballade contemplative au cours de laquelle la saxophoniste explore le délicat registre supérieur de son ténor sur des accords de piano lumineux.

Vient ensuite Rangwali, une pièce partageant des affinités stylistiques avec Chick Corea, notamment avec ses rythmes latins, ses lignes de clavier intriquées et ses mélodies mêlant voix et flûte à l’unisson. Parmi les moments forts de Chroma (2023), notons Xanadu II en ses accents de free jazz à la fois féroces et parfaitement maîtrisés, ainsi que la superbe Viridian pour son côté plus traditionnel, toutes deux illustrant les contrastes saisissants qui parcourent l’album de bout en bout.

Phlox / Xanadu / Rangwali / Xanadu II / Middle Ground / Xanadu III / Intro to Viridian / Viridian / Falu

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Emma Rawicz – saxophone ténor et clarinette basse
Ivo Neame – piano
Ant Law – guitare
Conor Chaplin – basse élecrique et contrebasse
Asaf Sirkis – batterie et voix
Immy Churchill – voix

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L’album s’ouvre dans l’atmosphère rêveuse et décalée de Landed. La chaleur et l’énergie du groupe s’imposent aussitôt à nous, contrastant avec le jazz-funk futuriste à la Herbie Hancock de la pièce suivante, Pawnshop. D’une piste à l’autre, l’instrumentation fait écho au récit en se transformant subtilement au gré de l’avancement de la possession. La riche palette de couleurs employées accorde une grande place à la trompette, au saxophone et à la flûte, conférant à la fois une épaisseur et une douceur aux textures sonores.

The Master Wore a White Robe évoque le caractère typiquement londonien du jazz anglais, alors que les lignes virtuoses du flûtiste Joe Melnicove installe une ambiance légère et entraînante sur Palms. La première moitié de l’album s’achève sur la lumineuse pièce éponyme, ramenant le funk à l’avant-plan aux sons du clavier de Yoni Mayraz. La seconde moitié s’ouvre sur 1999, une escapade enjouée qui fait la part belle aux vents et à la batterie. Le rythme entre ensuite en territoire drum n’ bass sur International Plots, la batterie de Roy Reemy donnant la repartie au saxophone de Matan Vardipour. South Star puise à nouveau dans le caractère mystique de l’album alors que la trompette de Roy Zuzovsky glisse subtilement vers The Biggest Fear, un final sombre et pensif.

Landed / Pawnshop / The Master Wore a White Robe / Palms / Dybbuk Tse! / 1999 / As We Entered Jericho / International Plot / Painkillers / South Star /
The Biggest Fear

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Talent précoce, Alain Caron se produit en concert dès l’âge de onze ans

Talent précoce, Alain Caron se produit en concert dès l’âge de onze ans au sein de diverses formations blues et rock avant de découvrir le jazz au son du légendaire pianiste Oscar Peterson. La rencontre avec le guitariste Michel Cusson en 1977 scelle le destin du jeune prodige et mène quelques années plus tard à la création du trio UZEB, monument du jazz fusion au Québec. De 1981 à 1990, UZEB endisque une dizaine d’albums en plus d’enchaîner les tournées aux quatre coins du monde, le trio se taillant ainsi une place parmi les grands noms du jazz-fusion.

Slap chirurgical, récompenses et accolades

Reconnu pour son slap chirurgical et sa maîtrise des basses six cordes et fretless, Alain Caron figure sans contredit parmi les meilleurs bassistes électriques de sa génération. Pour preuve, des musiciens de calibre international tels que Mike Stern, Billy Cobham, Frank Gambale et Biréli Lagrène ont retenu ses services, mais aussi Diane Dufresne, Linda Lemay et Céline Dion. En parallèle, le bassiste mène une fructueuse carrière solo amorcée avec la parution de son premier album solo, Le Band (1993). Sept albums studio plus tard, la réputation d’Alain Caron n’est plus à faire, celui-ci cumulant également plusieurs récompenses et accolades, dont onze prix Félix et deux prix Oscar-Peterson, en plus d’avoir été élu meilleur bassiste huit années consécutives par le magazine Jazz Report.

Alain Caron à neuf sur scène @ Festi Jazz Mont-Tremblant

Alain Caron – basse
John Roney – piano
François Laliberté – batterie
Loik Martin – guitare
Rémi Cormier – trompette
David Carbonneau – trompette
Guillaume Carpentier – saxophone alto
Dany Roy – saxophone tenor
Patrice Luneau – saxophone bariton

Vendredi le 4 août @ 21 h

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Du mercredi 2 août au dimanche 6 août 2023 = 40 concerts gratuits – 115 artistes

Le Festi Jazz Mont-Tremblant déménage sur un nouveau site – l’Espace public de la Ville de Mont-Tremblant

Pour une première année, l’Espace public de la Ville de Mont-Tremblant (885 Rue de St Jovite) sera investi par le Festi Jazz Mont-Tremblant. Deux scènes ainsi que des boutiques d’alimentation et de produits dérivés y seront installées. Ce magnifique rendez-vous annuel situé au centre-ville (Saint-Jovite) est incontournable pour les amateurs issus des quatre coins du Québec et d’ailleurs. Le Festi Jazz Mont-Tremblant est l’unique festival 100 % jazz avec la mission de promouvoir les artistes d’ici. C’est un véritable rassemblement pour ces derniers.

Pour tout savoir : https://jazztremblant.com/

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Ariane Racicot, Samuel Bonnet, Rafael Zaldivar, Reno De Stefano et Gentiane MG @ Festi Jazz Mont-Tremblant (2-6 août 2023)

C’est la relève jazz @ Festi Jazz Mont-Tremblant : Bellbird, Modulix, Élisabeth Provencher, Flö et Matys Colpron (2-6 août 2023)

Rendez-vous au Festi Jazz Mont-Tremblant 2022 du 3 au 7 août

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Pour lire toutes nos critiques du FIJM 2023 : Sungazer, Tank and the Bangas, Genevieve Artadi, Gentiane MG, Melody Gardot, John Scofield, Hiromi et Houston Person

Hiromi au FIJM – une foule visiblement conquise d’avance

Présenté devant une foule visiblement conquise d’avance, le concert voyait Hiromi présenter Silver Lining Suite, une suite pour piano et quatuor à cordes en quatre mouvements inspirée de sa traversée du désert en période pandémique. Fidèle à elle-même, la pétillante musicienne en a mis plein la vue en offrant un spectacle de virtuosité empreint de sensibilité et d’allégresse, en conservant toujours le ton espiègle qui fait le personnage. Difficile de ne pas se laisser emporter par l’expressivité débordante d’une artiste qui maîtrise à perfection l’art de la nuance, le public la suivant sans effort à travers les hauts et bas d’une période de sa vie qu’on devine très éprouvante.

Une plume très structurée, progressive et toute en subtilité

Au niveau de l’écriture, on retrouve la plume très structurée, progressive et toute en subtilité à laquelle la pianiste nous a habitués sur Alive (2014) et Spark (2016), des émotions et atmosphères contrastantes se chevauchant bien souvent. Ses racines classiques se font toutefois davantage sentir, les influences romantiques et impressionnistes côtoyant ici des sonorités tziganes et klezmers dans un style évoquant par moment les Danses populaires roumaines de Bartók.

Une utilisation astucieuse du quatuor à cordes

Son utilisation astucieuse du quatuor à cordes est également remarquable, les musiciens déployant par moment de vibrantes toiles harmoniques et mélodiques pour ensuite se transformer en section de percussions rythmant les fulgurantes envolées improvisées de la pianiste.

Une soirée mémorable en compagnie de musiciens au sommet de leur art qui nous rappelle qu’en matière de jazz, les barrières de genre ne sont là que pour être brisées.

Hiromi et le quatuor PUBLIQuartet
Jeudi le 29 juin 2023 @  43e Festival International de Jazz de Montréal

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