Valérie Lacombe, batteuse et compositrice bien établie sur la scène jazz de Montréal depuis plusieurs années, sera entourée d’une excellente formation pour cet événement qui aura lieu le 29 avril prochain à partir de 20 h au Cabaret Lion d’Or. Ce concert de lancement de State of Garden and Shadow (2026)  qui s’inscrit dans le cadre de la Journée internationale du Jazz 2026 à Montréal promet une soirée enlevante ou le public pourra découvrir la musique unique de Valérie Lacombe. Exceptionnellement notre bon plan jazz de la semaine est doublé d’une entrevue avec la musicienne.

State Of Garden And Shadow (2026) – une nouvelle étape dans son parcours musical

Valérie Lacombe est une batteuse et compositrice de jazz basée à Montréal. Elle a complété une maîtrise en jazz performance à l’Université McGill et c’est à ce moment qu’elle a composé les pièces de son tout nouvel album, State Of Garden And Shadow (2026). Cet album, enregistré en 2024, regroupe des compositions originales ainsi qu’une reprise d’une pièce du grand saxophoniste Benny Golson. Valérie Lacombe, qui peut être entendue plus récemment avec l’excellent collectif Ostara Project, affirme une nouvelle étape dans son parcours musical en tant que leader et compositrice avec ce premier album.

Un ensemble « chordless » avec Camille Thurman, Caoilainn Power et Mike De Masi

Le groupe pour le concert du 29 avril, qui ressemble beaucoup à celui de l’enregistrement, sera formé de Valérie Lacombe à la batterie et aux compositions, Camille Thurman au saxophone ténor, Caoilainn Power au saxophone alto et Mike De Masi à la contrebasse, qui remplace le contrebassiste Ira Coleman qui a enregistré l’album. La formation, qui inclut deux saxophonistes et aucun instrument harmonique comme le piano et la guitare, propose une instrumentation de type « chordless » qui est de plus en plus populaire dans le jazz contemporain.

En effet, Valérie Lacombe dit avoir été influencée par les albums d’Elvin Jones qui adoptent cette instrumentation lors de la composition de pièces. Cette musique combine une forte direction rythmique apportée par la batterie et la contrebasse ainsi qu’une grande liberté harmonique et mélodique dans les improvisations des deux instruments à vent.

Le Cabaret Lion d’Or va donc accueillir Valérie Lacombe et son quartet pour ce lancement d’album très prometteur. L’ambiance feutrée de cette salle va certainement se porter à merveille à cette représentation organisée par Divertissement Mercier et Martine Labbé.

Samuel Lechasseur : samuel.lechasseur@mail.mcgill.ca

Samuel Lechasseur est un guitariste actif sur la scène jazz montréalaise. En plus de sa carrière d’instrumentiste et de compositeur, il est également passionné par l’enseignement de la guitare et de la musique. Il a complété des études en guitare jazz à l’Université de Montréal et à l’Université McGill. Il délaisse sa guitare préférée depuis janvier 2025 quelques instants pour le clavier afin de nous proposer dorénavant chaque semaine notre suggestion de la semaine : le bon plan jazz.

Entrevue : Valérie parle de State of Garden and Shadow (2026) avec Charlotte Désilets

Charlotte Désilets : Ton album State of Garden and Shadow (2026) est sorti ce matin, je l’ai écouté, c’est magnifique.

Valérie Lacombe : Je me sens super bien. Ça fait deux ans que j’ai enregistré cet album-là. Je suis contente que finalement il soit en ligne et que tout le monde puisse l’écouter.

Charlotte Désilets : C’est quoi le contexte de State of Garden and Shadow (2026) ?

Valérie Lacombe : C’était mon projet de thèse de maîtrise à McGill.

Charlotte Désilets : Qu’est-ce qui a fait que ça prenne deux ans avant de le partager ?

Valérie Lacombe : Je pense que j’y suis allée une étape à la fois, puis je me suis laissé le temps que ça a pris. Ça a pris deux ans, pis c’est correct.

Charlotte Désilets : Parles-moi d’avantage de State of Garden and Shadow…

Valérie Lacombe : Le titre a été inspiré par une lecture que j’avais faite pendant ma maîtrise à McGill. C’est un livre de Clarice Lispector. C’est une petite nouvelle qu’elle a écrite après une séparation. C’est un texte tourmenté, comme une ligne de pensée continue. Elle parlait du fait de devoir prendre un moment pour elle pour se rebâtir, puis travailler à mettre de l’attention sur les choses qu’elle voulait travailler. Prendre un moment pour réfléchir puis bâtir quelque chose de nouveau. Quand j’ai lu ça, je me suis vraiment reconnue.

À McGill, quand j’ai dû composer une heure de musique originale, c’était la première fois que je découvrais un peu les sons qui venaient à moi, mon esthétique de composition et tout. J’ai senti qu’une étape nécessaire avait été de prendre du recul, de me créer un espace où je pouvais couper ce qui se passait autour de moi, me concentrer sur la composition. Puis ça m’avait vraiment frappé, cette phrase-là dans le livre : State of Garden and Shadow, illustration de travailler à cultiver un jardin. Ça prend du temps, c’est beaucoup de travail, mais il y a tellement de beauté qui en ressort. Tu plantes des graines, tu sais pas trop vraiment où ça va aller… il y a une espèce de magie qui ressort de tout ça. J’avais connecté avec cette image-là, puis je l’ai gardée. Je sais pas si ça te fait ça toi aussi, mais pour moi les titres se présentent souvent d’eux-mêmes, s’imposent d’eux-mêmes. Des fois, à un certain stade de la création, il y a comme un titre qui apparaît, puis c’est comme bon, ça va être ça.

Charlotte Désilets : Plus souvent, le titre vient-il d’une source d’inspiration externe ou de l’émotion que tu voulais mettre dans la chanson ?

Valérie Lacombe : Dans le fond, la musique, je ne l’ai pas composée à partir d’un sentiment ou d’un concept. J’ai travaillé avec Kevin Dean; c’était mon superviseur de thèse. Puis je lui ai dit « Ça fait des années que je suis des cours de théorie, puis d’harmonie et tout, mais je ne sens pas que j’ai les outils nécessaires pour composer un album complet. » Puis lui, il m’a donné une méthode qui était excellente, que je vais garder toute ma vie pour composer. Il m’a dit, « Enregistre des voice memos sur ton téléphone, de mélodies que tu entends. Puis ensuite, tu vas transcrire les mélodies qui sont sur ton téléphone, celles que t’aimes. Plus tard, celles qui sont de ton goût, tu vas les transcrire. De là, tu vas travailler à aller chercher une ligne de basse, puis l’harmonie et tout ça. » Mais il m’a fait réaliser que si je prenais le temps d’écouter, de me poser, puis d’écouter les sons que j’entendais, j’avais accès à beaucoup de mélodies, beaucoup, beaucoup de musique. Ça a été un processus super enrichissant pour moi, puis vraiment valorisant. J’écoutais ce que j’entendais, puis, de la mélodie se formait un monde. Par après, je pouvais y attacher des émotions, des sentiments. Pour la plupart de l’album, ce sont des thèmes qui me touchaient, avec lesquels j’étais vraiment comme familière à ce moment-là dans ma vie.

Charlotte Désilets : Comme quels thèmes ?

Valérie Lacombe : La construction artistique, l’identité artistique, le travail, la relation entre la lumière puis la noirceur, ça c’est comme un concept auquel j’ai pensé aussi pendant la pandémie. J’avais lu un livre de Rebecca Solnit, ça s’appelle Hope in the Dark, puis il y avait une belle image d’appréciation pour la noirceur dans le sens où ça représente l’inconnu et donc peut-être quelque chose de formidable. J’ai trouvé ça intéressant de constater que ce qui est ressorti de l’album, c’est de la noirceur, mais aussi beaucoup de couleurs, de lumières…

Charlotte Désilets : La littérature, ça l’enrichit beaucoup ta pratique, on dirait ?

Valérie Lacombe : Ouais, ça me nourrit comme personne, puis comme artiste. Les mots, ça m’a toujours fascinée. Même quand j’ai commencé à jouer de la batterie, je disais que c’était parce que ce langage musical-là me servait plus que les mots. Puis je pense que c’est parce que j’ai tellement lu des auteurs, des autrices extraordinaires que j’ai toujours été un peu frustrée avec ma façon de communiquer avec les mots. Mais à la batterie, en jazz, là je sentais que je pouvais m’exprimer avec plus de facilité.

Charlotte Désilets : Est-ce que tu as déjà fait ou pensé faire des collaborations avec des auteurs, ou bien pensé à toi-même insérer de la poésie dans tes pièces ?

Valérie Lacombe : Pas encore, mais je serais pas étonnée qu’un jour, ces deux mondes convergent. Même chose pour l’art visuel. J’aime quand l’art est représenté de façon générale.

Charlotte Désilets : Retournons à ton album qui est sorti aujourd’hui. Tu te prépares à le jouer en tournée ?

Valérie Lacombe : Oui, je vais faire une tournée à travers le pays. Ça, c’est une idée qui m’était venue, ça doit faire plus que deux ans, où je me suis vue dans une voiture _ j’ai même pas de voiture moi-même _ à conduire à travers le pays, puis engager des musiciens locaux…Cette idée-là m’est restée, c’est comme devenu…Un but pour moi. Puis là, ça s’est finalement concrétisé. Je me suis dit, peu importe si j’ai du financement ou pas, je me lance et je le fais. Je m’étais dit que j’allais dormir dans la voiture s’il le fallait pour éviter de payer un hôtel. Mais finalement, j’ai eu une bourse du Conseil des arts du Canada pour financer la tournée.

Donc c’est ça, je vais jouer à Gatineau, à Ottawa, à Toronto, à Kitchener-Waterloo, Winnipeg, Regina, Calgary, Edmonton, Vancouver. Je vais partir le 11 mai, puis je vais arriver à Vancouver en début juin, puis je vais revenir en avion le 5 juin. Je vais jouer avec des musiciens locaux. Je trouve ça vraiment plaisant de me dire que des musiciens que j’admire à travers le pays vont connaître mes compositions originales. J’ai vraiment hâte de les rencontrer, puis de voir comment mes pièces vont évoluer, changer avec tous ces différents groupes avec qui je vais jouer.

Charlotte Désilets : Tu avais de très bons musiciens quand t’as enregistré l’album. Est-ce que tu peux me parler des personnes que t’as choisies pour jouer avec toi ? Quel son voulais-tu qu’ils amènent sur cet album-là ?

Valérie Lacombe : Quand j’ai composé l’album, j’écoutais beaucoup, beaucoup d’Elvin Jones, Jazz Machine, les albums qu’Elvin Jones avait fait avec Dave Lehman, puis les albums où il n’y avait pas d’instruments à accords. Déjà là, c’était comme une esthétique que je recherchais. Je savais que je voulais composer pour deux saxophones, contrebasse et batterie.

Et puis Caoilainn Power, celle qui joue de l’alto sur mon album, ça fait des années, depuis le début que j’ai des projets en tant que leader, que je cherche à l’engager. Je travaille avec elle parce que j’adore son son, puis ça adonne qu’elle a écouté beaucoup de musique avec cette configuration-là: deux saxophones, contrebasse et batterie. C’est sûr que je voulais travailler avec elle. Puis, Camille Thurman et Ira Coleman, ce sont deux artistes qui m’ont motivée à retourner à McGill pour faire ma maîtrise. Darrell Green aussi, avec qui j’ai étudié à la batterie.

Ce sont des idoles qui comprennent l’esthétique que je recherche. Donc je me suis dit, « bon, je vais leur demander. Puis si j’ai l’occasion d’enregistrer avec eux, ça va être formidable. » Puis ils on dit «oui». Puis l’enregistrement s’est super bien passé. Tu le sens quand tu travailles avec des vrais professionnels. C’est tellement fluide. L’enregistrement a duré une journée et demie. Il n’y avait pas beaucoup de questions, tout le monde savait quoi faire, tout le monde savait quel son apporter. On avait Darrell Green qui a produit l’album, qui était avec nous en studio. Ça a été super plaisant, vraiment le fun.

Charlotte Désilets : Est-ce que t’as continué à composer depuis ? Est-ce que t’es en train de créer d’autres projets ou t’es plus en jachère ?

Valérie Lacombe : Ben là, je sens que le puit se remplit. J’ai des idées, je ne sais pas trop dans quelle direction je vais aller. J’ai enregistré quelques voice memos pour un prochain projet. À suivre, je pense que je vais me mettre là-dessus quand je vais revenir de ma tournée de lancement. Je vais faire une tournée avec Ostara aussi, la tournée des festivals. Quand tout ça, ça va être terminé, je vais m’installer au piano puis je vais travailler sur le prochain album, mais je suis vraiment rendue accro à composer de la musique originale. Fait que c’est certain que les prochains albums vont avoir en majorité. Comme, la plupart des pièces que je vais enregistrer sur mes prochains albums vont être des compositions originales aussi.

Charlotte Désilets : Ton concert de lancement, tu vas le faire à Montréal, au Lion d’Or, c’est ça?

Valérie Lacombe : Ouais, au Lion d’Or. Ça, c’est cool parce que c’est un événement qui est produit par Divertissement Mercier. C’est Alain Mercier qui est derrière ça. Puis, c’est Il est en collaboration avec Martine Labbé, donc c’est une coproduction. Puis l’événement, c’est pour célébrer la Journée internationale du jazz. C’est un événement qui est célébré comme à l’échelle mondiale depuis, je pense que c’est dans les années 2000, ça a débuté, je ne suis pas certaine de l’année exacte. À chaque année, Alain Mercier organise un événement dans le cadre de cette journée-là. Puis cette année, c’est lui qui m’a contactée. Il m’a dit «J’ai entendu dire que t’avais un projet». Ça a bien tombé, parce que l’album est sorti aujourd’hui mi-avril, puis le spectacle pour la Journée internationale du jazz, ça va être le 29 avril. Donc j’ai eu beaucoup de chance là-dedans, puis son équipe m’a beaucoup aidée avec le lancement. Aller chercher des entrevues et tout ça. Donc oui, j’ai bien hâte. Puis Camille Thurman va être présente, Caoilainn Power aussi, puis ça va être Mike De Masi à la contrebasse, puisque Ira Coleman ne pouvait pas être avec nous, mais on va jouer l’album dans son intégralité avec quelques autres pièces.

Charlotte Désilets : J’ai très hâte de voir ça, puis j’espère que le public de sortiesjazznights.com va être présent aussi pour cette belle soirée-là. Merci beaucoup pour le temps et pour avoir partagé tes idées, ton processus inspirant.

Valérie Lacombe : Merci à toi!

Charlotte Désilets : charlotte.desilets@gmail.com

La chanteuse de jazz et comédienne Charlotte Désilets nous raconte les passionnants concerts et ses rencontres avec les artistes de la grande famille du jazz.

State of Garden and Shadow (2026) @ Lion d’Or

Valérie Lacombe – batterie
Camille Thurman – saxophone tenor (invitée spéciale)
Caoilainn Power – saxophone alto
Mike de Masi – contrebasse

Mercredi 29 avril 2026
Cabaret Lion d’Or
1676 Rue Ontario E
Montréal
20h (ouverture des portes – 19h)

billetterie

l’événement facebook

Pour en savoir plus :

Alain Mercier
514-802-2400
info@divertissementmercier.com

photo : Flore de Ris
graphisme : Clarice Hana

Place aux Jazzwomen @ la Journée internationale du jazz (30 avril 2025)

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Anke Helfrich est une pianiste allemande qui sera en mini-tournée canadienne de cinq jours en passant par l’Upstairs le 24 juin, ainsi qu’au Jazz Room de Waterloo et le Festival de Jazz d’Ottawa. J’ai voulu en savoir plus sur la musicienne et sa musique, voici donc notre entrevue zoom (et transcription) où elle nous parle de We’ll Rise (2023) en nomination au German Jazz Awards, ses influences et inspirations, les femmes et le jazz, la croisière jazz, ses musiciens, quelques artistes avec qui elle aimerait jouer et ce qu’elle nous prépare pour le 24 juin.

Claude Thibault : Bonjour Anke, pourrais-tu te présenter à nos lecteurs ?

Anke Helfrich : Je m’appelle Anke Helfrich, je suis pianiste et compositrice, je vis en Allemagne et j’ai plusieurs albums a mon actif en tant que leader. J’étais en nomination dans la catégorie album de l’année au German Jazz Awards pour We’ll Rise (2023), mon dernier album. Je suis heureuse de faire ce que je fait et j’enseigne la musique.

Claude Thibault : Bravo pour cette nomination de We’ll Rise. Sur certaines des pistes de We’ll Rise on peut entendre la batteure Terri Lyne Carrington parler du legs de la pianiste Geri Allen et j’assume que Geri a eu un impact sur toi et ta musique…

Anke Helfrich : En fait tout l’album est dédié aux femmes pionnières et inspirantes du jazz. Il y a quelques années j’ai fait une émission de radio et dans la recherche j’ai découvert plusieurs pianistes que je ne connaissais pas, comme Terry Pollard, et plusieurs autres, et ça m’a inspirée. J’ai dédié plusieurs de mes concerts à ces femmes pionnières. Sur mon album Dedication (2015) plusieurs pièces sont dédiés à des musiciens masculins qui m’avaient inspirés, mais en y pensant je me suis dit que ça prenait des modèles féminins. Geri Allen a été une de mes influences premières, elle qui a été la première femme que je voyais en concert pendant mes études musicales. Elle jouait avec Steve Coleman et Five Elements. Ça m’a inspirée de la voir jouer des odd meters aux claviers en tout confiance. Plus tard au Pays-Bas pendant mes études je l’ai entendue avec son groupe jouer ses compositions, elle qui puise dans la tradition mais qui également dans la musique d’aujourd’hui dans son style à elle. C’était étonnant de la voir diriger son groupe au piano avec beaucoup de rythme et une grande indépendance des deux mains. Je l’ai vue plusieurs fois et ça m’a bouleversée.

Claude Thibault : Donc, l’influence pour vous n’était pas seulement sa musique, mais aussi comment elle a évoluée sur la scène…

Anke Helfrich : Oui, spécialement à cette époque. Aujourd’hui les choses changent lentement et il y a plus d’ouverture pour les femmes musiciennes. Mais dans le passé c’était un peu différent, il n’y avait pas beaucoup de femmes en jazz. J’avais vu la pianiste italienne Rita Marcotulli avec le band de Dewey Redman et elle était en pleine confiance dans ses interactions avec les autres musiciens. Si t’est une femme et tu veut être acceptée tu doit jouer vraiment bien. Je suis impressionnée d’entendre d’autres femmes pianistes et comment elle se comportent sur scène et avec les autres musiciens. Je sais aussi que comme musicienne plus âgée plusieurs jeunes musiciennes me suivent, transcrivent mes pièces et me remercient d’avoir été là, ce qui les encouragent, comme moi je l’ai été. Pour revenir a Geri Allen elle-même a été inspirée en grandissant à Pittsburgh par Terry Pollard qui a jouée avec Terry Gibbs dans une époque de ségrégation, elle qui était la seule femme noire dans le groupe d’hommes blanc. Elle devait rentrer dans le club par une autre porte, ne pouvait pas parler avec le public etc. Et pourtant elle swinguait tellement. Elle était superbe.

Claude Thibault : Tu part dans quelques jours sur une croisière jazz, parles-nous de cette expérience…

Anke Helfrich : C’est la première fois avec cette croisière mais j’en ai fait une autre de 7 jours il y a quelques années avec mon trio. Il y avait tellement de musiciens a bord, une centaine, en fait plus que les passagers réguliers. Et il y avait beaucoup de légendes allemandes du jazz avec qui j’ai grandi, c’était mes pairs. Et on socialisait beaucoup et on racontait des histoires sur le fameux Victor Borge. On jouait de la musique toute la journée et on jammait. C’était super. Cette fois-ci ça sera différent il y a moins de musiciens mais il y aura Gregory Porter et une autre chanteuse. J’espère pouvoir rencontrer Gregory qui m’avait présentée au German Jazz Awards. Ça va être super de me réunir avec les musiciens de mon trio en préparation en quelque sorte pour notre mini-tournée canadienne. Il y aura aussi beaucoup d’amis alors je suis excitée.

Claude Thibault : Parlons justement de tes musiciens…

Anke Helfrich : Je connais le contrebassiste Dietmar Fuhr depuis une tournée espagnole dans les années 90 et le batteur Jens Düppe peu de temps après. Donc on se connait très bien. Même si on ne s’est pas vus depuis des mois lorsque nous jouons ensemble tout se place et tout reviens. Il y a une grande écoute et une grande confiance entre nous. Le contrebassiste possède une excellent maitrise de l’archet, ce qui fait pleurer ma mère chaque fois car il est si créatif, tout comme le batteur Jens Düppe d’ailleurs. Ça va être super. Nous voici en trio :

Claude Thibault : Anke dans tes rêves les plus fous avec quels musiciens/musiciennes vivant ou pas avec qui tu aimerais jouer ?

Anke Helfrich : Bonne question. La pianiste Geri Allen, c’est sur. Pour voir comment elle interagit et échangerait musicalement. Ça serait extra. Je dois dire que je me sens déjà assez privilégiée d’avoir jouée avec tous les artistes que j’ai rencontré. La batteure Terri Lynne Carrington aussi. Elle est si généreuse comme personne et musicalement. Le guitariste Jim Hall que j’écoutais quand j’étais très jeune. Et que j’ai rencontré dans la années 90 aux ateliers jazz et résidences de Banff. Ça été 4 semaines de pur bonheur dans les Rocheuses. On jouait jour et nuit. John Scofield est aussi un des mes héros. Mais il y en plein d’autres. Aussi le saxophoniste Bradford Marsalis que j’adore.

Claude Thibault : Alors le 24 juin au Upstairs tu nous prépares quoi ?

Anke Helrich : La musique de We’ll Rise (2023), dédiée aux femmes. Mais aussi d’autres pièces, une dédiée à New York, une pièce up-tempo, un peu monkish. Aussi Invictus pièces de mon album Dedication (2015), une pièce dédiée à Nelson Mandela. Je vais aussi réciter un peu de poésie de William Ernest Henley et de Maya Angelou sur ma musique. J’ai une pièce dédiée à l’artiste Frida Kahlo inspirée de son journal personnel dans lequel elle parle de couleurs et d’émotions ou j’associe les accords sur les couleurs, c’est un peu free. Mais aussi du swing pour le bon public du Upstairs. Quelque chose comme ça.

Claude Thibault : merci Anke !

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Anke Helfrich Trio

Anke Helfrich – piano
Dietmar Fuhr – contrebasse
Jens Düppe – batterie

Dietmar Fuhr, Anke Helfrich et Jens Düppe

Mardi le 24 juin @ 19h30, 20h45 et 22h

Upstairs
1254 Mackay
514-931-6808 – réservations téléphoniques de 9 h à 17 h
réservations en ligne

Rêves et bleus de la chanteuse Charlotte Désilets @ Upstairs (22 juin 2025)

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Entrevue : Chico Pinheiro @ Dièse Onze

Claude Thibault : Bonjour Chico, comment la musique a-t-elle commencée pour toi a 6 ans ?

Chico Pinheiro : Ma mère jouait du piano et de la guitare pour le plaisir. Elle joue encore mais pas autant qu’avant. La musique a toujours été au cœur de notre famille. Mes soeurs et moi avons été exposés a une grande variété de genres, que ce soit le choro ou le MPB (Musica Popular Brasileira), ainsi que le classique, le rock, le rock progressif, et le jazz. Mes premières obsessions musicales : The Beatles et Jimi Hendrix. Adolescent j’ai découvert des groupes comme Yes et je suis intéressé d’avantage a la musique brésilienne. Ensuite c’était le jazz et le classique, plus spécifiquement Miles Davis, John Coltrane, Weather Report, Pat Metheny, Chopin, Heitor Villa-Lobos, Debussy, Ravel, Mahler, la Seconde école de Vienne (que j’adore – Schoenberg, Berg, et Webern), et ainsi de suite. A six ans j’ai « volé la guitare »  de ma mère et j’ai commencé a jouer en autodidacte. Elle m’a donné ma première guitare a sept ans et je n’ai jamais arrêté depuis.

Claude Thibault : Ta musique c’est la rencontre de la musique brésilienne, du jazz et du classique – qu’est-ce que t’aime dans chacune de ses musiques ?

Chico Pinheiro : Très bonne question. Chacun de ces genres apporte quelque chose que me fascine et je crois que ça se retrouve intuitivement et organiquement dans ma musique. La musique brésilienne se démarque par des harmonies très sophistiquées, et cela bien avant la bossa nova. Pixinguinha, par exemple, le père du choro, a été fortement influencé par la musique classique européenne. On parle de la période autour du 21ième siècle. Son influence se fait sentir dans les quatorze choros de Villa Lobos. Villa aimait Pixinguinha. Et Villa a grandement influencé Tom Jobim, qui est le père harmonique de le bossa nova, avec la contribution de la guitare rythmique de João Gilberto. Le rythme de la musique brésilienne, avec toutes ses variations et ses harmoniques, est singulière, et très différente. Sans oublier Clube da Esquina, les sambas de Noel, Nelson Cavaquinho, et Cartola, etc. Les textes de la musique brésiliennes ont toujours eu une certaine profondeur, surtout avec des gens comme Aldir Blanc, Paulo César Pinheiro, Cacaso, Fernando Brant, etc. Le jazz m’a toujours influencé avec son bagage de finesse, de finition, de sophistication, de spontanéité, mais surtout dans sa quête incessante de la liberté. Le blues quand a lui, est fondamental et un monde en soi. La musique classique m’influence en termes de direction de la voix, ses harmonies, surtout en composition. Mais c’est important de se souvenir que tous ces genres, incluant le rock et le prog rock, la pop, la R&B, etc…ont des intersections, et ce sont ses intersections qui m’intéressent.

Claude Thibault : Tu a joué avec une foule d’excellents musiciens sur tes projets, tels que Lenine, Chico Cesar et Joao Gilberto ainsi que sur d’autres projets de Placido Domingo a Kurt Elling…qu’est-ce que t’apprécie dans ces collaborations musicales ?

Chico Pinheiro : Une autre bonne question. Je crois que quand je collabore avec n’importe quel artiste, peu importe le genre, je tente de le mettre très a l’aise. Pas pour l’orienter dans une espace aride et sans risque mais au contraire le mettre à l’aise de prendre des risques et de plonger tête première dans l’interaction musicale qui se passe. Ça semble peut-être simple sur papier mais dans la vraie vie c’est autre chose. Écouter et réagir en conséquence demande beaucoup de temps, de bagage culturel et au delà de tout ça un réel désir de vouloir entendre ce que l’autre personne peut contribuer. J’ai aucun problème avec aucun genre : je suis loin d’être un jazz snob et je crois que ça aide d’écouter mes collègues en studio comme sur scène et de voir la beauté qu’ils créent. Je tente toujours de réagir afin que ce que nous créons ensemble soit riche en intentions, avec un sens, et que ça connecte avec le public. Le public est capable d’avoir une bien plus grande écoute qu’on le pense. Ils sentent absolument tout ce qui se passe sur scène, même s’ils ont aucunes connaissances académiques pour juger ; les oreilles mentent pas. Quand quelque chose de spécial se passe, le public embarque, toujours.

Claude Thibault : Tu sera en concert ce vendredi 29 mars @ Dièse Onze en sextet. Quel sera ton répertoire ?

Chico Pinheiro : Exactement. Le répertoire sera un mix de mes albums, parsemé de certains standards brésiliens et jazz. Djavan, Shorter, Corea. Et, qui sait, un thème pourrait voir le jour et se retrouver dans le répertoire ?

Claude Thibault : Parlons des musiciens du groupe. Avec Vitor Cabral (batterie) Manoel Vieira (piano) Jean-Pierre Zanella (sax) Joâo Lenhari (trompette) et Frédéric Alarie (contrebasse) – Tu as déjà joué beaucoup avec Vitor et tu as passé la semaine en classes de maîtres à l’Université de Montréal avec la plupart des autres…quelques mots sur cette formation…

Chico Pinheiro : Ça sera une première avec ce groupe le 29. Manoel, Jean-Pierre, João, et Frédéric se connaissent déjà. Comme je suis là depuis quelques jours on a eu le temps de connecter entre les répétitions. C’est le genre de choses qui arrivent souvent. Quand je suis invité avec des big bands ou des orchestres partout sur la planète, la connexion doit se faire rapidement, et ça ça me donne beaucoup d’énergie. Je connais bien Vitor Cabral avec qui j’ai partagé la scène a plusieurs reprises au Brésil, et j’ai toujours aimé nos rencontres. C’est un musicien d’exception avec un style et une créativité singulière sur son instrument. En janvier au Brésil on a enregistré sur l’album du grand bassiste brésilien Jorge Helder. J’ai hâte d’y être avec Vitor, Manoel et son groupe @ Dièse.

Claude Thibault : Qu’est-ce que t’aime de l’enseignement et des classes de maître ?

Chico Pinheiro : Ce que j’aime le plus des classes de maîtres c’est l’occasion d’échanger des idées et des concepts avec autant de musiciens et des étudiants de toutes sortes de provenances et de milieux. J’enseigne la guitare @ New School of Manhattan depuis un certain temps et de plus en plus je m’aperçois que comme enseignant on devient aussi un étudiant. C’est la réalité. La curiosité est un élément fondamental et essentiel pour un artiste.

Claude Thibault : Qu’est-ce que t’aime le plus de jouer de la musique ?

Chico Pinheiro : Jouer de la musique sur scène ou en studio, ou créer tout simplement de la musique a toujours été une expérience transcendantale pour moi. C’est une expérience qui la pouvoir de me transporter a des endroits inattendus, mentalement et émotivement. Lorsque ça arrive, je suis complètement satisfait et libéré, et ça, ça n’a pas de prix. Je crois que spécialement aujourd’hui, avec l’abondance d’information et de distractions que nous vivons, pouvoir s’engager dans ce genre d’expérience est incroyablement enrichissant. C’est le moment de prendre un pause du rythme accéléré de cette vie et de se reconnecter a nous-même et nos émotions. C’est quelque chose que je n’ai jamais et que je ne prendrai jamais pour acquis.

Claude Thibault : Parles-nous de ta superbe guitare rouge…

Chico Pinheiro : Elle est magnifique ? Cette guitare est très spéciale. Elle a été conçue pour un des pionnier de la guitare archtop aux États-Unis, Bon Benedetto, et construite par l’équipe de Damon Mailand. Ces guitares sont méticuleusement assemblées à la main avec beaucoup de soin et d’attention. C’est le summum de la lutherie artisanale. Cet instrument  a été fabriqué spécialement pour moi. Tout ça a commencé quand Howard Paul, le patron de la boite était a un concert que j’ai donné avec mon 4tet a Savannah, en Georgie, ou l’usine Benedetto est située. On avait discuté d’une possible collaboration. Ils ont construit l’instrument et depuis 2012 je suis leur porte-étendard. La guitare est parfaite pour mon style. Elle dégage un superbe son acoustique, qui lorsque jumelé avec le pickup, crée un incroyable équilibre de dynamiques, de douceur et de puissance. Elle a tout ce dont j’ai besoin d’une guitare.

Claude Thibault : Qu’est-ce que t’aimerais ajouter au sujet du concert de ce vendredi ?

Chico Pinheiro : J’ai très hâte et suis fébrile. Je suis sur que ça sera quelque chose de spécial. J’ai hâte de vous voir tous a ce concert.

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En studio @ 14 ans

Un superbe guitariste d’une grande fluidité qui possède une sonorité exceptionnelle, ce compositeur marie la musique brésilienne, le classique et le jazz, et a été nominé @ Grammy Awards en 2019 et 2020. Natif de São Paulo au Brésil, il commence la guitare a 6 ans et débute comme musicien de studio a 14 ans sur des enregistrements avec en premier des musiciens de sa ville natale, ensuite au Brésil et à l’international.

Un premier album en 2003 : Meia Noite Meio Dia

En 2002 il crée son premier groupe en tant que leader et enregistre Meia Noite Meio Dia (2003) qui se mérite un accueil enthousiaste des grands journaux et périodiques brésiliens, se hissant sur la liste de 10 meilleurs albums brésiliens de l’année avec la participation de Lenine, Ed Motta, Chico César et Maria Rita.

8 albums et une foule de collaborations

Aujourd’hui, avec 8 albums a son actif Chico Pinheiro est considéré comme un chef de file de la musique brésilienne et se démarque en tant que guitariste, compositeur et arrangeur.

Meia Noite Meio Dia (2003)
Chico Pinheiro (2005)
Nova (2007)
There’s a Storm Inside (2010)
Triz (2012)
Varanda – The Reunion Project (2017)

Au fil de ses projets comme leader il a également collaboré avec tous ces artistes : Placido Domingo, Brad Mehldau, Dave Grusin, Kenny Werner, Dianne Reeves, Kurt Elling, Danilo Pérez, Nnenna Freelon, Bob Mintzer, Herbie Hancock, Brian Blade (IJD), Ron Carter, Chris Potter, John Patitucci, Orpheus Chamber Orchestra, The Israel Chamber Orchestra, The Bob Mintzer Big Band, The Paris Jazz Big Band, The Swiss Jazz Orchestra, The Danish Radio Big Band, The Seasons Guitar Quartet with Anthony Wilson, Julian Lage & Steve Cardenas, Esperanza Spalding, Joyce, Ivan Lins, Rosa Passos, Dori Caymmi, Danilo Caymmi, João Donato, Johnny Alf, Chico César, Ed Motta, César Camargo Mariano, Elza Soares, Luciana Souza, Monarco, Mark Turner, Tom Scott, Joe Lovano, Terri Lyne Carrington et beaucoup plus…

Chico Pinheiro @ Dièse Onze

Chico Pinheiro – guitare
Joâo Lenhari – trompette
Jean-Pierre Zanella – saxophone
Manoel Vieira – piano
Frédéric Alarie – contrebasse
Vitor Cabral – batterie

Dièse Onze
4115A rue St-Denis
514-223-3543

réservations téléphoniques

Vendredi le 29 mars @ 19 h / 21 h 30

15$ – une prestation
25$ – deux prestations

Le Weekend brésilien du Dièse se poursuit avec Jean-Pierre Zanella, Vitor Abral, François Bourassa et Rémi-Jean LeBlanc le 30 mars.

Il était en concert @ Stowe Jazz Festival (25-27 août 2023) : FORQ, Chico Pinheiro et les sœurs Jensen

L’article entrevue : Chico Pinheiro @ Dièse Onze (29 mars) est apparu en premier sur sortiesJAZZnights.

J’ai eu l’occasion de rencontrer ceux qu’on surnomme Les Soeurs Guitares, c’est à dire le guitariste Sylvain Provost et le bassiste Norman Lachapelle, il y a quelques jours au Arousse de Ste-Thérèse. On discute de leurs sources musicales et de leur rencontre, la famille, les Laurentides, le jazz, leurs son respectifs, les instruments, ce qu’ils écoutent, et beaucoup plus.

Claude Thibault – Salut Sylvain Provost et Norman Lachapelle, on va commencer au tout début, vous êtes cousins, vous venez de Saint-Jovite et  Sainte-Agathe, comment la musique as-t-elle commencé pour chacun ?

Sylvain Provost – Norman a commencé avant moi, c’était mon premier professeur, quand j’ai commencé à jouer c’est lui qui m’a montré les rudiments de la guitare. A leur maison il y avait tout, des guitares, un piano, une orgue, une clarinette, un violoncelle, tout le kit. Son père c’était un super musicien, un accompagnateur et a un moment donné il m’a regardé évoluer et il a dit a mon père de m’acheter une guitare et comme de fait l’année après j’ai eu une guitare, une petite Suzuki, livrée à domicile par Steve’s lui-même (du magazin Steve’s), qui donnait des cours classique et qui faisait du ski-doo le père de Norman. Avec Norman on se revoyait au  partys de famille et c’est là qu’il m’a montré les premiers accords de guitare. J’ai commencé à jouer du rock en écoutant du Pagliaro, c’était notre dieu en 1973. Après ça on est tombé dans le progressif. J’écrivait mes tounes, comme Pag, mon inspiration. On avait aussi le côté mélodique qu’on a développé avec son père en jouant du Moustaki et des artistes comme ça.

Norman Lachapelle – On est cousins germains donc on se connait depuis les couches. Moi c’est mon père (Jean Lachapelle) qui m’a initié a la musique, même mon grand-père aussi jouait de la musique, il jouait du violon des reels et des gigues. Papa était semi-professionnel et jeune j’ai joué avec lui de la  basse. Papa c’était un touche a tout…J’avais 7 ans et j’ai commencé à jouer dans les messes a gogo, papa lui jouait de la guitare mais il était surtout pianiste, une gig par semaine. Ça c’était mes première années. On se voyait des les partys de famille et aux Fêtes puis a moment donné il m’a dit qu’il voulait jouer de la guitare. Avec le temps on est allé vers le progressif avec différents groupes dans les Laurentides mais on début on n’était que nous deux, dans le millieu des années 70. Ça fait donc 43 ans qu’on joue ensemble. Sylvain a toujours eu ses compos par contre dès le départ.

Claude Thibault  – Puis le jazz c’est arrivé comment la-dedans, c’est un qui a fait découvrir à l’autre ? comment ça s’est passé ?

Sylvain Provost – Le jazz, ça viens de son père. A un moment donné il nous ammené au Far Hills Inn voir Jerry Soethermans, un super bon pianiste et chanteur genre crooneur, il était connu et apprécié des musiciens de Montréal, y compris Vic Vogel et plusieurs autres. Il jouait Take Five et j’ai pogné la piqûre, la religion venait de changer de bord, je me souviens j’ai donné mes disques de rock, j’étais dans le jazz, j’étais rentré dans une nouvelle religion. Amalgame notre groupe de rock progressif qui se rapprochait du jazz jouait beaucoup a Mont Rolland et on appris à l’école de Mont Rolland qui avait une bonne réputation.

Norman Lachapelle – A 15-16 ans on était secondaire 3 et 4 de Mont Rolland et on s’est fait fouetter par des professeurs très rigoureux de Mont Rolland où il y avait une harmonie, un stage band, des bons musiciens.

Claude Thibault – C’est quoi que vous appréciez le plus dans le jeu de l’autre ? l’ouverture ? ses riffs ? le son ? un peu tout ça ?

Sylvain Provost – C’est difficile à dire mais je dirais tout ça mais surtout l’émotion. Quand je joue avec Norman on dirait que ma note a plus de sens car il m’appuie, c’est comme une ombre…c’est difficile à expliquer. Quand on joue une ballade on pourrait jouer cette pièce toute la soirée, on pourrait rester dans ce bain là, cette bienveillance là. Aussi on s’accepte comme on est et notre fragilité, notre enfance nous a soudée.

Norman Lachapelle – Tu l’a dit, c’est un peu tout ça. Notre objectif est le même, on s’en va à la même place, on veut se faire plaisir. Quand j’arrive avec une pièce j’aime bien comment il l’interprète, j’adore ça. Il va mettre son grain de sel et ça l’amène ailleurs et c’est toujours le fun. On a peut-être gardé un peu de notre naïveté de notre jeunesse et des Laurentides.

Claude Thibault  – Norman tu aimes beaucoup George Benson…

Sylvain Provost – J’adore son son et son soul, c’est naturel, mélodique, un chanteur incroyable, lui et Keith Jarret sont deux grandes inspirations. Avec Jarrett quand il part c’est viscéral, t’est rivé sur ton banc. Une note après l’autre.

Claude Thibault – Quels autres instruments auriez-vous aimer jouer en secret ?

Sylvain Provost – La trompette avec un son fantastique. Un son de bois…et doux.

Norman Lachapelle – Je raconte des fois qu’après ma femme, mes enfants, ma mère et mes bons amis, la personne la plus importante dans ma vie c’est le batteur, parce que je joue de la basse, et si ça marches pas avec le batteur ça va mal. C’est donc la batterie.

Claude Thibault  – Qu’est-ce que vous écoutez comme musique dans la vie de tous les jours ?

Sylvain Provost – Quand je fais le cuisine j’écoute l’émission de Stanley Péan (Quand le jazz est là), aussi dans des concerts avec ma blonde, du classique, du Mozart.

Norman Lachapelle – J’écoute pas tant de musique que ça, j’écoute la musique des projets qui s’en viennent question de me préparer, comme Jean-François Groulx au FIJM, et en auto un peu. A une époque j’écoutais du Coltrane, du Miles, un peu de tout.

Claude Thibault  – Les deux vous avez joué avec une foule d’excellent musiciens (Gilles Vigneault, Ariane Moffatt, Gerry Boulet, Sylvain Lelièvre, Oliver Jones, Garou, Roch Voisine, etc)…parlez-moi de moments WOW mais vraiment WOW! que vous auriez eu sur scène…

Sylvain Provost – Moi c’est avec Karen Young, Norman aussi c’est sur, et puis Normand Guilbeault, l’album Little Zab avec Yannick Rieu…c’était super ça.

Norman Lachapelle – Les tops moments positifs c’est arrivé quand je suis en forme, quand je connais le répertoire, me sens à l’aise, je suis en confiance, les autres musiciens aussis, un public qui écoute, le son est bon. Comme avec Sylvain il y eu des moments magiques, en trio avec Paul Brochu par exemple, avec Karen Young, 300 concerts avec Karen, quand j’ai commencé j’étais dans une période ou je voulais faire du jazz, après 10 ans de covers dans les hôtels des Laurentides, avec elle il y eu du monde de partout, des Africains, des Grecs, des Bulgares, j’avais pas le choix d’avoir du fun avec elle. Avec Michel Donato j’ai joué du piano a 19 ans, c’était quelque chose. Avec James Gelfand à l’Air Du Temps aussi. Il y aussi quand on a enregistré dans le studio de Bernard Ouellette, notre deuxième album, la pièce Les Chemins d’Ivoire, une ballade de Sylvain, on l’a enregistré trois fois et la vitesse et durée des trois enregistrements était parfaitement identique (6;12), sans métronome. C’est un bon feeling et on était bien connecté.

Claude Thibault – Et vos projets respectifs a venir ?

Sylvain Provost – On va jouer au en duo à la Salle Bourgie cet automne. J’ai un projet de duo électronique avec Frédéric Alarie qu’on va bientôt enregistrer. On va mélanger ça avec des tounes ben mélodiques, ça fait très crossover, l’enregistrement de Mystic Mind avec l’Orchestre national de jazz de Mtl, de Jean-Nicolas Trottier, un excellent compositeur.
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Sylvain Provost, guitare
Norman Lachapelle, basse

Claude Thibault, éditeur – contacter / Facebook

C’est pour soigner son blues post-FIJM 2002 (après toute cette extravagance musicale le quotidien en prenait un coup!) que Claude lançait le 1e janvier 2003 la toute première version de sortiesJAZZnights.com. 16 ans et quelques versions plus tard l’aventure et la mission de faire connaître le jazz d’ici se poursuit!

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Samuel Blais – La formation trio saxophone, contrebasse et batterie est l’une de mes préférées. Bien que je joue souvent en quatuor avec piano et que j’apprécie le soutien harmonique et les possibilités que l’instrument apporte, le trio sans accompagnement harmonique laisse beaucoup plus d’espace et de liberté aux musiciens. C’est peut-être aussi un type d’ensemble ou il y a plus de risque, puisque que la contrebasse et le saxophone sont deux instruments principalement monodique (1 seul son à la fois, donc pas d’accords). Ce risque me plait bien et entouré d’Alex et Alain, deux comparses de longue date, je ne peux que me réjouir à l’avance des chemins sinueux que nous prendrons puisque nous sommes à l’écoute l’un de l’autre.

CT – Tes compositions sont ancrés dans notre temps, fusionelles, un jazz d’aujourd’hui, une écriture un tantinet orchestral, avec peut-être un petit peu de NYC dans le tout, ouvertes et créatives…tes inspirations ? l’écriture te viens facilement ?

Samuel Blais – J’aime beaucoup écrire, j’écris très souvent, mais pas nécessairement en grande quantité. J’enregistre souvent des idées qui me passent par la tête quand je pratique ou encore je les notes dans mes cahiers. Lorsque vient le temps de faire un disque, j’ai déjà plusieurs éléments qui me guident dans la direction musicale voulu. J’ai fait des études au Conservatoire de musique de Montréal donc la musique classique est évidemment une grande influence. Sinon tout ce que j’ai pu voir et entendre en concert ou sur disque me sert d’inspiration, souvent parce que ça m’a touché, mais parfois aussi parce que ça m’a plu. L’écriture est aussi une façon de me définir comme musicien et comme artiste. Je me lance des défis à travers mes compositions et je prends aussi le temps de réfléchir à plusieurs idées, concepts, émotions, directions, etc…Les choix que je fais déterminent mon évolution et rendent mon approche de plus en plus personnelle.

CT – On peut s’attendre a quoi comme répertoire ? de la musique de tes albums Cycling et Equilibrium, des nouveautés ? quelques standards savamment choisis ?

Samuel Blais – Le répertoire comprendra plusieurs de mes compositions tirées de mes disque « Equilibrium », « New Angle » et « Cycling ». Nous jouerons aussi 2 pièces d’Alex Bellegarde et possiblement 1 ou 2 standards, si le temps nous le permet! J’aime jouer les compositions des autres membres du groupe même lorsque le concert est avec mon ensemble. C’est une belle façon d’explorer leur univers mais aussi d’apporter une autre couleur musicale au concert.

CT – Parlons de NYC ou tu t’est exilé pendant trois pour parfaire ta formation à la prestigieuse Manhattan School of Music avec en poche un BAC en jazz de l’Université McGill…tu voulais à la fois aller plus loin mais également t’imprégner de cette forte énergie musicale de NYC ?

Samuel Blais – New York est encore la capitale mondiale du jazz, même si l’étoile à peut-être pâli un peu depuis la dernière décennie pour plusieurs raisons. Je voulais donc y passer un maximum de temps sans trop mettre en veilleuse ma carrière à Montréal. Le niveau musical y est toujours incroyable et la meilleure façon de s’améliorer est de côtoyer les meilleurs. Je continue d’ailleurs d’y passer du temps quelques jours par année pour voir des amis, faire quelques concerts et aller en entendre bien sûr.

CT – Parlons saxophone, ton choix du saxophone alto et baryton m’intrigue, ça viens de ta formation classique ?

Samuel Blais – J’ai commencé mes études du saxophone sur l’alto, mais j’ai eu la chance de jouer du baryton dès l’âge de 16 ans. J’aime beaucoup le contraste entre les deux registres et sonorités des instruments, mais aussi le fait que les deux sont dans la même tonalité. Ça me permet de ne pas trop destabiliser mon oreille qui est en Mi bémol depuis déjà longtemps. (haha!)

CT – Quel autre instrument aimerais-tu jouer en secret ?

Samuel Blais – Je joue déjà plusieurs autres instruments, mais j’aimerais essayer le basson un de ses quatres.

CT – Est-ce que NYC est un passage obligé et incontournable pour tout musicien de jazz ?

Samuel Blais – Oui et non. Je crois que c’est incontournable d’aller y faire un tour et d’y passer du temps, mais peut-être qu’il n’est plus obligatoire d’aller y vivre pendant quelques années. Le musicien d’aujourd’hui a accès à presque tout en seulement quelques clics ce qui n’a pas toujours été le cas. L’enseignement de la musique y est aussi pour beaucoup. Le niveau des écoles et des professeurs sont plus élevés que jamais ce qui permet aux étudiants d’avoir une meilleure formation sans avoir à s’exiler.

CT – Tu as joué avec une brochette impressionante de musiciens (David Liebman, Greg Osby, Jim Black, Larry Grenadier, Donny McCaslin, Ari Hoenig, David Binney), tu pourrais nous décrire un moment vraiment WOW que tu aurais eu en jouant ?

Samuel Blais – J’en ai eu beaucoup trop pour les nommés tous haha! Mais les meilleurs moments sont toujours quand la musique se passe toute seule, comme si tout le monde réussi à connecter à la même énergie, s’en va dans la même direction.

CT – Tu écoutes quel musique ces jours-çi ?

Samuel Blais – Beaucoup de musique classique. Chopin, Bach, Rachmaninoff, Copland, Debussy, Ravel, Bartok, etc . Mais j’ai mis toute ma collection de musique sur une clé USB et je l’écoute souvent en mode aléatoire dans ma voiture.

CT – J’ai vu sur samuelblais.com que tu allais jouer à la Coupe Rogers (wow bravo!), comme le tennis c’est ta 2e passion en tant que joueur et prof tu restera concentré et ne sera pas tenté de prendre une raquette en août ?

Samuel Blais – Bien que je sois coach de tennis certifié Professionel de Club I par Tennis Canada, je ne pourrais pas jouer durant la coupe Rogers même si je le voulais (haha!). Tous les terrains sont évidemment reservés pour les joueurs inscrits au tournoi. Je vais peut-être essayer de battre mon record de vitesse au service par contre, il y a une section avec radar ou le public peut mesurer la vitesse de son service.

CT – Pour terminer tu donneras également une classe de maître au Festi Jazz (11h jeudi le 1e août) et tu enseigne également au Cégep de Joliette, c’est important pour toi de transmettre et de partager ta passion du jazz ?

Samuel Blais – Pas seulement la passion du jazz, mais de la musique tout court! Être musicien n’est pas seulement de jouer d’un instrument, c’est aussi faire connaître la musique et la partager. Nos gouvernements coupent dans les programmes du musique au secondaire et c’est une des pires choses qui puissent arriver culturellement pour notre société. Combien de nouvelles études prouvant les bienfaits de la musique devons-nous leur montrer? Et les bienfaits sont nombreux: plus de succès dans les études, meilleure concentration et discipline, dévelopement du cerveau et des aptitudes sociales, etc. J’ai la chance d’enseigner au Cegep et je veux pouvoir partager cette passion avec le plus de gens possible.

Samuel Blais Trio avec Alex Bellegarde et Alain Bourgois – Jeudi le 1e août 19h au Festi Jazz Mont-Tremblant / classe de maître jeudi le 1e août 11h

Photo : Randy Cole

Claude Thibault, éditeur – contacter / Facebook

C’est pour soigner son blues post-FIJM 2002 (après toute cette extravagance musicale le quotidien en prenait un coup!) que Claude lançait le 1e janvier 2003 la toute première version de sortiesJAZZnights.com. 16 ans et quelques versions plus tard l’aventure et la mission de faire connaître le jazz d’ici se poursuit!

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