Avec Franky Freedom II (2026), le batteur et producteur François Laliberté signe un deuxième album particulièrement ambitieux, proposant une fusion à la croisée du jazz contemporain et d’un large spectre de musiques électroniques. En concert de lancement le 29 mai @ la Sotterenea.

Entouré d’une pléiade de musicien·nes de très haut calibre : Robin Mullarkey, Evan Marien et Mark Lettieri

Entouré d’une pléiade de musicien·nes de très haut calibre, incluant Robin Mullarkey (Jacob Collier, Steven Wilson), Evan Marien (Tigran Hamasyan, Wayne Krantz) et Mark Lettieri (Snarky Puppy), le batteur évite habilement l’effet vitrine, la proposition musicale tenant avant tout par la cohérence de sa vision. Laliberté semble avoir trouvé la recette d’une fusion réussie, capable de traverser les genres sans tomber dans l’excès ni la démonstration gratuite.

FFII, D&B DTGF  – mélodies planantes, batterie furieusement funky

Après une courte intro vaguement holdsworthienne, FFII donne le coup d’envoi avec un condensé de tout ce que l’album a à offrir : mélodies planantes, batterie furieusement groovy, basse chirurgicale, synthés enveloppants. L’ensemble avance avec momentum et finesse, donnant immédiatement envie de monter le son. D&B DTGF prolonge cette lancée en accentuant le côté électro, avec des couleurs EDM, lo-fi, voire même dubstep par moments. Guillaume Carpentier s’en donne à cœur joie, livrant un solo de saxophone fougueux sur une trame rythmique survoltée et très détaillée, mettant en valeur la production particulièrement léchée.

Like a Dream, Kyosai, For Ralph 

La voix de Mel Pacifico charme d’emblée sur Like a Dream, portée par la guitare funky et millimétrée de Mark Lettieri. L’ensemble flirte avec une future funk rêveuse, enrichie d’harmonies vocales soignées et d’un groove qui ne lâche jamais le morceau. Kyosai vient créer un contraste intéressant avec la guitare angulaire et nerveuse de Lorenzo Ceci, sur un rythme fortement syncopé, alors que la voix de Mel Pacifico s’y fond avec naturel. Puis For Ralph met le bassiste Gary Willis à l’avant-plan avec un son solo de basse sans frettes passant d’un lyrisme fluide et contemplatif à une finale explosive.

Closer, OUI, Popcorn, Moment

La dernière partie de l’album s’ouvre avec Closer, qui offre enfin à François Laliberté l’espace nécessaire pour ouvrir les vannes le temps d’un break de batterie ravageur, aussitôt relayé par un autre superbe solo de Gary Willis. Plus loin, OUI met de l’avant le saxophoniste Julien Fillion sur une pièce courte mais chargée à bloc, tout en creusant davantage le côté électro de l’album avec des textures plus lourdes et saturées. Popcorn emprunte ensuite une voie plus pop, portée avec aplomb par la voix puissante de Léonie Gray, avant que Moment ne vienne clore l’album sans grande pompe, presque en suspension.

Franky Freedom II – un régal du début à la fin

Un régal du début à la fin, Franky Freedom II (2026) impressionne autant par l’assurance que par la maturité de la vision de François Laliberté, sans compter les performances de très haut vol d’une impressionnante brochette d’artistes invités. Un album qui possède tout ce qu’il faut pour trouver son public bien au-delà du seul cercle des amateur·rices de jazz, ce qui est déjà en soi une réussite.

Dans la foulée des récents projets d’artistes comme Carl Mayotte, Julien Fillion et Rémi Cormier, voire Angine de Poitrine si on élargit quelque peu le scope, la scène musicale québécoise apparaît aujourd’hui en excellente posture sur le terrain créatif.

1. FFII (mettant en vedette Gary Willis) / Gary Willis (basse), Loik Martin (guitare), Guillaume Carpentier (saxophone)
2. D&B DTGF (mettant en vedette Guillaume Carpentier) / Robin Mullarkey (basse), Guillaume Carpentier (saxophone), Loik Martin (guitare).
3. Like a Dream (mettant en vedette Mark Lettieri et Mel Pacifico) / Mark Lettieri (guitare), Mel Pacifico (voix & co-écriture), Robin Mullarkey (basse).
4. Kyosai (mettant en vedette Mel Pacifico et Lorenzo Ceci) / Mel Pacifico (voix), Lorenzo Ceci (guitare), Robin Mullarkey (basse).
5. For Ralph (mettant en vedette Gary Willis) / Gary Willis (basse), Guillaume Carpentier (saxophone), Loik Martin (guitare).
6. Closer (mettant en vedette Evan Marien et Mel Pacifico) / Evan Marien (basse), Mel Pacifico (voix & co-écriture), Johan Modrin (guitare).
7. OUI (mettant en vedette Julien Fillion) / Julien Fillion (saxophone), Robin Mullarkey (basse).
8. Popcorn (mettant en vedette Léonie Gray) / Léonie Gray (voix & écriture), Johan Modrin (guitare), Robin Mullarkey (basse).
9. Cowabunga / Johan Modrin (guitare), Robin Mullarkey (basse).
10. Moment (mettant en vedette Mel Pacifico) / Mel Pacifico (voix & co-écriture), Robin Mullarkey (basse).

Franky Freedom II (2026)

François Laliberté – batterie, compositions / réalisation
Mel Pacifico – voix
Guillaume Carpentier – saxophone
Gabrielle Gélinas – basse
Loik Martin – guitare
Mark Lettieri – guitare (invité spécial)

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Franky Freedom II – concert de lancement : vendredi 29 mai 19 h 30 @ Sotterenea – 4848 St-Laurent

Un concert de lancement est prévu le 29 mai @ Sotterenea avec Mel Pacifico (voix), Guillaume Carpentier (sax), Gabrielle Gélinas (basse), Loik Martin (guitare) et son invité spécial Mark Lettieri (guitare). Ce concert sera d’ailleurs un plateau double avec Franky Freedom en 1e et le Mark Lettieri Group (Snarky Puppy) en 2e.

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Crédit photo : Oli Campeau

Louis Cole – Quality over Opinion (2022)

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Can You Hear The Birds ? (2026) est le quatrième album de Gentiane MG, pianiste et compositrice. Comme nous la suivons depuis ses débuts, il est juste de dire que notre enthousiasme est toujours aussi vif, car elle ne se laisse pas influencer par les tendances ou les vents dominants pour que sa popularité dépasse ses espérances.

Can You Hear The Birds ? (2026) – finesse et profondeur des compositions

Après avoir écouté attentivement cet enregistrement deux fois, il est clair que la finesse, la précision horlogère et la profondeur des compositions sont bien là.

Avec le contrebassiste Levi Dover et le batteur Mark Nelson, elle cultive à sa manière l’art du trio,

S’il vous plaît, ne pensez pas que c’est du jazz pour les intellectuels, comme je l’entends trop souvent dire. Certes, nous retrouvons l’influence du légendaire Keith Jarrett, ce qui s’avère en tout point précieux. Soutenue par le contrebassiste Levi Dover ainsi que le batteur Mark Nelson, elle cultive à sa manière l’art du trio, un peu comme le fit une autre légende, le pianiste Bill Evans.

Chapeau aussi aux preneurs de son qui ont réussi à capturer la chaleur et la résonance du piano, comme s’il était juste à côté de vous.

Two Lives One Heart ouvre essentiellement la danse : l’inspiration est constante

Nous allons maintenant aborder cette nouveauté qui se décline avec huit plages aussi créatives les unes que les autres. Avec notre interprète, rien ne sera laissé au hasard, comme l’indique Two Lives One Heart, qui ouvre essentiellement la danse. L’articulation est parfaite, flottant dans une atmosphère poétique captivante. L’inspiration constante de cet artiste est nourrie par les deux acolytes qui tissent un écrin pour cette « poète » musicale que nous admirons tant. Répétons-le deux fois : nous l’admirons énormément.

Dans Can You Hear The Birds ? le piano se transforme en passerelle

Dans Can You Hear The Birds ?, le piano se transforme en passerelle, trouvant des influences tant dans la musique classique que dans le jazz. Nous pensons parfois à Ahmad Jamal. Le charme est indéniable et il est accentué par une tension qui évoque les contours de l’âme. Soulignons l’apport du contrebassiste Levi Dover.

Standing On a Cloud évoque la trame sonore d’un roman policier

Avec Standing On a Cloud, Gentiane MG nous propose une balade qui évoque la trame sonore d’un roman policier. On y trouve l’attente du détective, ses questionnements. Tout cela représente un travail d’équipe remarquable.

Tomber comme un papillon – une composition énigmatique

Nous terminerons avec Tomber comme un papillon, une composition énigmatique avec des silences évocateurs. Tout réside dans la ponctuation, la souplesse du jeu et la complexité de la figure rythmique d’ou émane un fort sentiment lyrique.

Un disque remarquable qui séduira tant les mélomanes de jazz que les amateurs de musique en général.

Gentiane MG : piano et compositions
Levi Dover : contrebasse
Mark Nelson : batterie

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Christophe Rodriguez

Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Gentiane MG au FIJM 2023 : envoûtante

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Deuxième volet du projet Side-Eye amorcé en 2021, Side-Eye III+ (2026) confirme la longévité de Pat Metheny, un monument de la guitare jazz qui, malgré les années, demeure d’une vivacité créative impressionnante et pleinement ancré dans son temps.

Side-Eye III+ – une sythèse ambitieuse entre l’héritage immédiatement reconnaissable de Pat Metheny et une palette sonore élargie

Misant sur la collaboration avec une nouvelle génération de musiciens, le projet voit Pat Metheny évoluer en trio aux côtés du claviériste Chris Fishman et du batteur Joe Dyson, ainsi qu’une quinzaine d’invités dont la harpiste Brandee Younger et un ensemble vocal dirigé par Mark Kibble. Publié sur sa propre étiquette Uniquity Music, l’album mise sur une synthèse ambitieuse entre l’héritage immédiatement reconnaissable du Pat Metheny Group, et une palette sonore élargie mêlant jazz, gospel, textures orchestrales et électros.

In On It, Don’t Look Down

Dès les premières mesures de In On It, la patte du guitariste s’impose avec des lignes de guitare aériennes et une dynamique rythmique fluide portée par Joe Dyson et le percussionniste Luis Conte. La pièce évolue par contrastes, alternant moments suspendus et montées d’intensité, tout comme Don’t Look Down qui prolonge cette esthétique proche des grandes heures du Pat Metheny Group. L’ensemble gagne même par moment une dimension quasi symphonique, où les textures vocales et électros créent une impression d’élévation continue, tout en conservant un ancrage évident dans l’univers du guitariste.

Make a New World, Urban and Western et SE-O

Mais le cœur de l’album repose sur un minutieux travail rythmique et textural, comme sur Make a New World avec ses longs développements où improvisation et écriture se répondent. À l’inverse, Urban and Western et SE-O tirent pleinement parti de l’énergie collective avec ses grooves bluesy, orgue Hammond et envolées gospel qui insufflent une énergie nouvelle au jeu du guitariste. Le batteur Joe Dyson s’y distingue particulièrement avec son jeu rythmique souple et réactif qui permet à la guitare de naviguer librement entre tension et relâchement.

Our Old Street, So Far So Good

Les moments plus introspectifs, comme Our Old Street ou So Far So Good, révèlent une autre facette du projet avec la guitare acoustique qui installe une atmosphère plus contemplative, subtilement enrichie par la harpe et les nappes vocales. Pourtant, malgré la richesse des différents timbres apportés par les musiciens invités, plusieurs instruments demeurent discrets dans l’ensemble, voire sous-exploités. Certains ou certaines verront d’ailleurs une contradiction entre cet élan collectif revendiqué par Side-Eye III+ (2026) et la présence dominante de Pat Metheny.

Malgré cela, l’album n’en reste pas moins extrêmement abouti, confirmant la vitalité d’un artiste toujours en quête de renouvellement, sans jamais renier son identité.

Pat Metheny – guitare
Chris Fishman – claviers
Joe Dyson – batterie
Daryl Johns – basse
Brandee Younger – harpe
Luis Conte – percussions
Vincent Peirani – accordéon

Ensemble vocal – direction Mark Kibble

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Pat Metheny – Side-Eye NYC (V1.IV)

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Le but de tout chroniqueur et, en plus, de Sortiesjazznights.com (SJN), est de donner un coup de pouce aux aspirantes et aux aspirants. Si ma mémoire est bonne, j’ai entendu Maude Fortier pour la première fois l’année dernière lors de la fête annuelle/jam session de SJN @ La Sala Rossa. Maude Fortier, artiste passionnée, vient de se lancer dans l’arène musicale avec cette nouvelle création, Echoes of Change (2026), inspirée par son travail acharné.

Maude Fortier – un attaque tranchante et un modernisme

Elle réussit habilement à faire le pont entre les « anciens » et un modernisme léger. Dès la première écoute, on perçoit l’influence du professeur et musicien Remi Bolduc (bravo !) ainsi que de Phil Woods. Le son est arrondi, l’attaque est tranchante, avec juste ce qu’il faut de swing pour nous remplir de joie. Il est important de souligner l’absence d’académisme.

Echos of Change – avec August McKinney Juno Hamilton et Julian Ferrer

Entouré d’August McKinney au piano, de Juno Hamilton à la contrebasse ainsi que de Julian Ferrer à la batterie, notre altiste présente de brillantes compositions, dont la pièce-titre Echos of Change. Cette pièce est un morceau roboratif et bien équilibré qui met en lumière notre artiste sans pour autant reléguer ses collègues à l’arrière-plan, leur offrant plutôt un écrin élégant.

Lennie By Starlight et Lennie Tristano

Tandis que sur Lennie By Starlight, on remarque une inspiration provenant du pianiste et compositeur Lennie Tristano. Une sonorité décontractée, semblable à celle de l’altiste Phil Woods, que nous considérons comme une influence majeure sur Maude Fortier.

My One and Only Love – une interprétation poétique de l’altiste Maude Fortier

Voici venu ce standard, sublimé jadis par John Coltrane et la voix du baryton Johnny Hartman : My One and Only Love. Sans être méchants, nous
« l’attendions au passage ». Pour donner un peu plus de substance à cette immense composition, elle va chercher les accents graves de son instrument avec une intelligence certaine. Sans « démonter » la structure, elle puise au cœur de cette composition en se faisant un peu parkérienne.

Ce fut donc une très belle surprise, sans qu’on sente l’apprentissage, et bravo au jeune pianiste qui accompagne pas à pas l’interprétation poétique de l’altiste.

Uncertain Times – bop et up-tempo

Nous conclurons sur Uncertain Times. Cette composition se déroule en rythme à des moments incertains. Il s’agit d’un excellent morceau très bop dans son essence, « up tempo » qui met en vedette le pianiste August McKinney. Le swing est constant avec de brillants chorus qui témoignent d’une certaine imagination. De beaux jours s’annoncent pour cette jeune interprète, qui ne sont pas légion dans le monde de la musique bleue.

Espérons que le Festival International de Jazz de Montréal, ou d’autres festivals, prendront sous son aile cette jazzwomen en devenir.

Memories Of BSP / Lennie By Starlight / Réverbère / Jackie’s Way / Inner Voice / My One and Only Love / Better Luck Next Time / Uncertain Times

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En concert @ Cabaret Chic Le Balcon

Mercredi 22 avril @ 19 h : billetterie
Cabaret Chic Le Balcon
463 Rue Sainte-Catherine Ouest

Maude Fortier – saxophones
August McKinney – piano
Juno Hamilton – contrebasse
Julien Ferrer – batterie
Najib Fenaoui – voix

Photos : Brad Hurley

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Sous la fine plume de notre plus fidèle chroniqueur, découvrez les meilleurs albums et livres jazz du Québec et de la planète. Christophe écrit également une chronique culturelle a La Métropole et est l’auteur du livre Les grands noms du jazz.

Plongez dans l’univers vibrant d’Echoes of Change (2026) de Maude Fortier @ Cabaret Chic Le Balcon (25 mars)

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Paru le 6 mars dernier, le quatrième album solo du brillant bassiste et compositeur Carl Mayotte prolonge son ancrage dans le jazz fusion, tout en affirmant une palette musicale plus personnelle et définie. Porté par des arrangements léchés et des performances musicales de haut vol, Claude (2026) nous plonge dans un voyage intime et touchant, traversé par les thèmes du deuil et de la reconstruction. Un concert de lancement aura lieu @ Lion d’Or le 3 avril.

Claude (2026) – 7 nouveau titres

De retour d’une tournée dans l’Ouest canadien, qui sera bientôt prolongée au Québec et en Europe, le bassiste livre sept nouveaux titres où métriques irrégulières, harmonies complexes et solos vertigineux s’articulent avec une étonnante fluidité. Entouré de ses complices de toujours, Stéphane Chamberland (batterie), Damien-Jade Cyr (saxophones, claviers), Gabriel Cyr (guitare) et Francis Grégoire (claviers), le bassiste livre un album d’une grande sensibilité, entre ombre et lumière.

Loretteville, Comment te dire adieu

L’album s’ouvre sur Loretteville, entrée en la matière rafraîchissante aux mélodies angulaires finement réparties entre guitare, saxophone et synthétiseurs, révélant les talents d’arrangeur du bassiste. La pièce bifurque vers un segment prog-rock aux distants accents de Tribal Tech, porté par un furieux solo de Damien-Jade Cyr, avant de se poser sur un superbe solo de basse. Comment te dire adieu prolonge cette émotion avec de très beaux enchaînements d’accords mêlant des influences jazz, pop et indie, le tout culminant sur un solo de guitare particulièrement bien senti.

Studio 56, London Underground, 4 novembre

Avec Studio 56, les musiciens installent une ambiance plus douce et tamisée, qui démarre sur un solo de basse mélancolique et monte peu à peu en intensité, jusqu’à un solo de guitare virtuose mais jamais excessif. London Underground revisite des codes plus classiques de la fusion, tout en conservant la patte de Carl Mayotte dans ses textures et ses dynamiques. La ballade 4 novembre apporte quant à elle un beau contraste en mi-parcours d’album, avec ses rythmes ternaires contemplatifs et aériens.

La leçon, Claude

Les deux dernières pièces de Claude (2026) explorent des couleurs quelque peu différentes, à commencer par La leçon qui rappelle l’affinité de Mayotte pour le registre latin, qu’il a déjà abordé sur Carnaval (2023), ainsi que sur TRE (2023) du guitariste Rodrigo Simoes. Enfin, la pièce éponyme clôt l’album en véritable ode au rock des années 1970, nourrie de l’énergie de Hendrix à travers de fantastiques envolées de guitare et d’orgue. Ce final à la fois puissant et chargé d’émotion scelle un album riche et parfaitement exécuté, confirmant l’évolution d’un artiste qu’on prend plaisir à entendre trouver sa voie, album après album.

Carl Mayotte – basse, guitare, effets, compositions
Gabriel Cyr – guitares
Francis Grégoire – claviers
Damien-Jade Cyr – saxophones, flûte et percussions auxiliaires
Stéphane Chamberland – batterie

Loretteville / Comme te dire adieu / Studio 56 / London Underground / 4 novembre / La leçon / Claude

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Carl Mayotte lance Claude (2026) @ Lion d’Or (3 avril)

Cabaret Lion d’Or
1676, rue Ontario Est,
Montréal, QC

Vendredi 3 avril 2026 @ 20 h
ouverture des portes : 19 h
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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Carl Mayotte lance Claude (2026) @ Lion d’Or (3 avril)

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Bien que le jazz-rock ou le style fusion ne soient pas mon style de prédilection, j’ai été agréablement surpris lors de la sortie de leur premier album, L’abîme (2021). Pour ce deuxième opus, L’abîme II (2026), ma réaction reste la même.

Ces jeunes artistes ne se contentent pas de reproduire le style de la mythique formation Weather Report ou de Miles Davis durant ses années électriques. En toile de fond, il est facile de reconnaître tous les éléments qui ont caractérisé Uzeb, un groupe qui fera l’objet d’un documentaire lors de l’édition 2026 du Festival International de Jazz de Montréal.

Hugo Blouin, Alex Dodier, Gabriel Genest, Jean-Philippe Godbout et Jonathan Turgeon

Dans cet album, rien n’a changé. On y retrouve les mêmes musiciens : Hugo Blouin à la contrebasse, Alex Dodier, flûtes et saxophones, Gabriel Genest, saxophone ténor et clarinette basse, Jean-Philippe Godbout, batterie, et Jonathan Turgeon au Fender Rhodes.

Ivresse cosmique et Faire voler les samares

Le travail de fond est évident sur les sept pistes, allant bien au delà du jazz classique. Combiné à une exceptionnelle densité, comme vous pourrez le constater dans Ivresse cosmique. L’entrelacement des vents plonge l’auditeur justement dans un vent cosmique qui se tient admirablement.

Nous pourrions en écrire tout autant sur Faire voler les samares qui évoque tout l’univers de Weather Report. La basse chantante s’entremêle avec la fureur des saxophonistes, sans oublier le métronomique batteur qui, en plus de maintenir le tempo, souffle des braises sur ses camarades.

Bestiaire et l’étroitesse des liens qui unissent ce quintette

Si vous appréciez les balades, nous vous suggérons vivement de découvrir Bestiaire. Ce poème musical éthéré met en scène la clarinette basse, un instrument rare maîtrisé avec brio par Eric Dolphy et Illinois Jacquet (écoutez son fascinant Round Midnight). Cette performance démontre l’étroitesse des liens qui unissent ce quintette, chaque musicien s’appropriant les solos avec une efficacité et une intelligence remarquables.

Nous vous recommandons chaleureusement L’abîme II (2026), qui est une forme d’écriture collaborative brillante et spontanée.

Jonathan Turgeon – Rhodes et compositions
Alex Dodier (AKA Dodz) – flûte et saxophones
Gabriel Genest – saxophone ténor et clarinette basse
Hugo Blouin – contrebasse
Jean-Philippe Godbout – batterie

Pied de vent / Corvus / Trickster / Ivresse cosmique / Faire voler les samares / Bestiaire / Forillon

L’abîme II (2026) sur bandcamp

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Christophe Rodriguez

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Photo : Richard Gingras

L’abîme II (2026) en live : deux soirs pour plonger – Sherbrooke (12 fév) et Montréal (15 fév)

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Formidable improvisateur qui défie les étiquettes, Tigran Hamasyan prolonge avec Manifeste (2026) une démarche artistique affranchie des carcans stylistiques. Pianiste virtuose et compositeur visionnaire, il entremêle jazz, rock progressif, musiques électroniques et traditions arméniennes au fil de quatorze nouveaux titres conçus comme une suite spirituelle.

Manifeste (2026) – une musique à vivre comme un rituel

Enregistré entre 2023 et 2025, Manifeste (2026) rassemble un large ensemble incluant section rythmique redoutable, chœur et instruments folkloriques, déployant une vaste palette de couleurs et de dynamiques propres à l’univers singulier du pianiste. Une musique à vivre comme un rituel, traversée par les thèmes de l’identité, de la mémoire et de la transformation intérieure.

Prelude for All Seekers condense déjà l’esthétique de l’album

L’ouverture, Prelude for All Seekers, condense déjà l’esthétique de l’album avec ses motifs répétitifs au piano et sa pulsation insistante, oscillant entre contemplation et déferlement rythmique. Yerevan Sunrise prolonge cette tension en jouant sur une mélodie fragmentée et portée par un balancement rythmique instable, avant que n’entre en scène une basse électrique massive. Le jeu du pianiste est tantôt percutant, tantôt chantant, tandis que ses sifflements et vocalises introduisent une dimension humaine et fragile, le tout s’inscrivant dans une quête éminemment introspective.

D’autres pièces affirment une atmosphère plus méditative, comme One Body, One Blood

D’autres pièces affirment une atmosphère plus méditative, comme One Body, One Blood avec ses nappes vocales hantées, presque liturgiques, qui évoluent vers une énergie plus vive sans jamais perdre en gravité. Seven Sorrows baigne dans une atmosphère sombre et suspendue, où textures électroniques et improvisation pianistique dialoguent avec élégance. Les pièces dédiées, comme Years Passing (For Akram) ou A Window from One Heart to Another (For Rumi), ouvrent quant à elles un espace plus intime avec leur instrumentation traditionnelle, tissant des ponts entre traditions arméniennes, mystique soufie et jazz contemporain.

Manifeste (2026) s’achève avec National Repentance Anthem

À l’inverse, Tigran Hamasyan assume également une esthétique plus abrasive sur des pièces comme Dardahan, Ultradance ou A Eye (The Digital Leviathan), où rythmiques complexes, basse et batterie quasi métal exacerbent la tension. L’album s’achève avec National Repentance Anthem, pièce solennelle portée par un chœur de chambre, où piano épuré et harmonies graves concluent l’album sur une note de recueillement.

Exigeant et très dense, Manifeste (2026) ne cède jamais à la facilité, mais offre à qui prend le temps une expérience profondément immersive et cathartique. Les inconditionnels seront en terrain connu, retrouvant tout le flair mélodique, la précision rythmique et l’écriture très progressive qui font la force de ce formidable pianiste.

Prelude For All Seekers / Yerevan Sunrise / Manifeste / One Body, One Blood / Seven Sorrows / Years Passing (For Akram) / Dardahan / War Time Poem / The Fire Child (Vahagn Is Born) / Ultradance / Per Mané (Eb Venice song) / Window From One Heart To Another (For Rumi) / A Eye (The Digital Leviathan) / National Repentance Anthem

Tigran Hamasyan – piano, synthés, basse synthé, voix, sifflage et programmation de batterie
Marc Karapetian – basse
Evan Marien – basse
Arthur Hnatek – batterie, électroniques et programmation de batterie
Arman Mnatsakanyan – batterie
Matt Garstka – batterie
Nate Wood – batterie

Yerevan State Chamber Choir – dirigé par Kristina Voskanyan

Daniel Melkonyan – trompette
Nick Llerandi – guitare
Artyom Manukyanon – violoncelle
Asta Mamikonyan – voix
Hamin Honari – daf (tambour à main)
Yessai Karapetian – blul (flute traditionnelle)

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Tigran Hamasyan – Red Hail (2021)

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Daniel Green, étudiant en saxophone alto à l’Université Schulich de musique de l’Université Mc Gill et saxophoniste de formation, présente Roots and Branches (2026) une œuvre multidirectionnelle qui rassemble des musiciens de tout Montréal ainsi que des collègues d’Amsterdam.

Three Reflections iii.

Ceux qui cherchent du swing devront fouiller ailleurs, car Roots and Branches (2026) se veut une longue méditation qui demande une certaine acclimatation. Après deux écoutes attentives, il est clair que l’influence du célèbre Gil Evans est perceptible, ainsi que des structures provenant de la Norvège et de la Finlande, comme vous pourrez le vérifier avec Three Reflections iii.

Duality of Cedar

Est-ce que c’est mon style préféré ? Eh bien, ça dépends. Je reconnais l’écriture, l’alchimie et la contribution des voix, mais il est primordial d’être dans un état d’esprit particulier pour apprécier pleinement le voyage. Bien que l’album ne soit pas monotone, il aurait bénéficié d’un peu plus de muscle. Nous nous sommes un peu rattrapés avec Duality of Cedar.

Sur Roots and Branches (2026), Daniel Green a su faire ressentir la profondeur de son art

Bien que les idées soient les mêmes, le disque est moderne dans son essence, combinant les ambiguïtés harmoniques à la manière de l’album phare de Georges Russel, Ezz-thetics (1961). Sur Roots and Branches (2026), notre jeune saxophoniste a su faire ressentir la profondeur et l’exigence de son art. Nous avons perçu toute la densité du métier ; il ne manque désormais qu’une touche d’audace supplémentaire pour nous faire véritablement vibrer et transformer cette belle promesse en un moment de pure joie.

On perçoit la réelle volonté artistique de Daniel Green, portée par une démarche réfléchie qui cherche à raconter des histoires avec rigueur et connaissance. Avec un soupçon de panache supplémentaire ou une écriture encore plus audacieuse, cette intention déjà claire pourrait gagner en éclat et révéler tout son potentiel.

Daniel Green – Roots and Branches (2026)

Daniel Green – saxophone alto, compositions
Sam Peetermans – voix
Diana Dzhabbar – saxophone alto, flûte
Pilvi Kokkonen (5-7) – trompette
Antonio Moreno (1-3) – trompette
Nick Adema (1-3) – trombone
Willy Bcw (5-7) – trombone
Salome Etter – clarinette basse
Francisco Garrido – guitare
Luca Sturny – guitare
Ida Alanen – piano
Ignacio Pintó – contrebasse
Chen Har-Even – batterie

Graphisme de la pochette : Sophie Grouev
photos : Isabella Perelman et Conor Nickerson

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Christophe Rodriguez

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Le Résonance ferme mais cherche une relève (2022)

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Plus de dix ans après l’excellent Sylva (2015), la joyeuse bande menée par le bassiste Michael League renoue avec le Metropole Orkest pour Somni (2025), cette fois sous la direction du chef et arrangeur Jules Buckley.

Somni (2025), c’est le rêve

Particulièrement ambitieux, l’album enregistré en public à Utrecht en janvier 2025 explore le thème du rêve en réunissant au total près de soixante-quinze interprètes au sein d’une masse orchestrale imposante, mais jamais étouffante. Composés par Michael League lors d’une retraite au Japon et orchestrés avec Jules Buckley, les huit titres de Somni (2025) s’apparentent moins à un enchaînement de morceaux distincts qu’à un continuum musical où jazz, funk, écriture symphonique et groove contemporain se fondent dans une expérience immersive.

Waves Upon Waves et As You Are But Not As You Were

L’ouverture Waves Upon Waves pose les bases de ce voyage onirique avec les cordes luxuriantes du Metropole Orkest, qui flottent au-dessus de claviers, de cuivres et de polyrythmies complexes. La musique hautement cinématographique de Snarky Puppy mise sur un art du contraste parfaitement maîtrisé et une écriture très structurée, tout en conservant l’énergie et la spontanéité de l’improvisation. Cette même logique se retrouve dans As You Are But Not As You Were, où un motif central circule entre marimbas, synthés, cordes et cuivres, évoquant la mécanique des rêves avec ses formes qui glissent et se métamorphosent constamment.

La face sombre de Somni (2025) avec Chimera et Recurrent

L’album révèle sa face sombre avec Chimera et Recurrent. Véritable cauchemar orchestral, la première accumule couches rythmiques, déflagrations de cuivres et distorsions électriques, jusqu’à un final vertigineux où quatre batteurs jouent simultanément en métriques différentes. Ce chaos est savamment contrôlé, flirtant avec la saturation totale sans jamais perdre le fil narratif. Pièce-fleuve de près de quatorze minutes, Recurrent transforme cette tension en jeu collectif avec son motif répété qui sert de plateforme d’envol à une succession de solos et d’échanges entre les musiciens, le tout culminant dans un impressionnant passage de relais entre les batteurs. C’est ici que Somni (2025) rappelle avec force combien le jazz live demeure une expérience physique, imprévisible et profondément collective.

Somni (2015) – sa plus grande force dans ses moments de retenue

Mais l’album trouve peut-être sa plus grande force dans ses moments de retenue. Between Worlds et Drift offrent des respirations méditatives, presque suspendues, où saxophone, piano, orgue et cordes dessinent des paysages nocturnes d’une grande beauté. Ces titres plus dépouillés révèlent un autre point fort : malgré l’ampleur de l’effectif, la musique sait se faire intime et introspective. L’album s’achève sur It Stays With You, une pièce émotive qui recompose toute la palette de l’album avant de s’éteindre doucement.

Un album qui porte bien son titre, en ne se contentant pas d’explorer la thématique du rêve, il en épouse la logique immersive, mouvante et incertaine. Comme toujours avec Snarky Puppy, c’est véritablement en concert que l’on prend la pleine mesure de l’expérience. Les musiciens seront en tournée européenne en juin et juillet, mais on peut toujours espérer qu’ils fassent un détour par le Festival International de jazz de Montréal cet été!

Waves Upon Waves / As You Are But Not As You Were / Chimera Between Worlds / Recurrent / Drift / Only Here and Nowhere Else / It Stays With You

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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