Originaire de Cracovie, le quintette polonais Omasta frappe fort avec Hits Different (2026), un deuxième album nourri d’influences funk, hip-hop et néo-soul. Du pain béni pour les amateurs de J Dilla et de Herbie Hancock, qui retrouveront les rythmes souples et les couleurs vaporeuses qui faisaient le charme de leur première parution.

Omasta affiche sur Hits Differents (2026) une cohésion remarquable

Rarement associée au genre, la Pologne constitue pourtant un terreau fertile pour le jazz qui voit apparaître ses premiers héros dans les années 1960, notamment avec Krzysztof Komeda et Tomasz Stańko. Plus récemment, plusieurs artistes se sont illustrés à l’international, comme Marcin Wasilewski, Maciej Obara, ou encore l’excellent et inclassable Raphael Rogiński, attestant de la vitalité d’une scène dans laquelle Omasta s’est taillé une place de choix. Soudée par un calendrier de concerts chargé, la formation cracovienne continue de prendre du galon, les musiciens affichant sur Hits Different (2026) une cohésion remarquable avec neuf nouveaux titres dont la simplicité apparente cache pourtant des arrangements méticuleusement construits.

Jane Doe, Morrown – un peu statique

Dès Jane Doe, la trompette de Paweł Kowalik tisse une mélodie planante et toute en longueur, surplombant les accords soul et chaleureux du pianiste Bruno Sikorski. Morrow accentue la filiation hip hop avec ses rythmes subtilement décalés à la J Dilla, ses nappes de Fender Rhodes enveloppantes et son duo de vents et de synthés insistants. À prime abord accrocheuses, notamment par leur atmosphère et leur attitude, les pièces peinent cependant à se développer en raison de compositions parfois assez statiques. Un cadre que les musiciens font heureusement éclater pour la suite, notamment avec le piano et la basse qui s’animent davantage, et les vents qui multiplient les échanges incisifs dans une fusion nettement plus audacieuse.

Pillow Talk, Honda Del Sol, Trespass – un suite qui s’éclate

Avec Pillow Talk, le quintette retrouve l’équilibre entre souplesse et attitude. La batterie de Wojciech Roman installe un balancement enivrant, traversé de rim shots savoureux, pendant que les synthés pavent la voie au sax électronique d’Antoni Blumhoff. Honda Del Sol prolonge cette atmosphère avec ses longs traits de trompette qui dominent un paysage animé par les claviers. Plus généreuse, Trespass met le pied au tapis avec ses accents funk, ses rythmes appuyés et ses claviers débridés. La flûte ajoute également une légèreté salutaire aux arrangements denses, confirmant que le quintette brille surtout lorsqu’il fait varier les timbres et l’intensité.

Beginner’s Luck, Cracktown, Thin Walls, In Your Face et Missed Call – entre détente et intensité

La dernière partie de l’album retrouve l’équilibre entre détente et intensité, Beginner’s Luck cultivant un style dans le sillage de Herbie Hancock, alors que Cracktown replace la basse et les claviers au cœur des échanges. Thin Walls installe quant à elle une ambiance bluesy et tamisée, enrichie de transitions rythmiques parfaitement exécutées. L’ouverture contemplative d’In Your Face cède progressivement le pas à des tensions plus vives, soutenues par le piano et des rythmes hip hop lourds. Enfin, Missed Call associe étroitement la batterie au sax électronique, jouant encore une fois avec les contrastes et les poussées d’intensité à travers lesquelles Omasta affirme le mieux sa singularité.

Somme toute une très belle découverte qui, sans réinventer la roue, confirme hors de tout doute l’élan d’une formation qui a assurément tout ce qu’il faut pour percer sur la scène internationale.

Jane Doe / Morrow / OG-Shock / Pillow Talk / Honda Del Sol / Trespass / Beginner’s Luck / Cracktown / Thin Walls / In Your Face / Missed Call

bandcamp

Paweł Kowalik – trompette, Fender Rhodes (B2)
Antoni Blumhoff – saxophone soprano, Roland Aerophone
Bruno Sikorki – piano, Fender Rhodes, synthés
Wojciech Roman – basse
Nikodem Wikieł – batterie

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Le quatuor TransQueb revient avec Maelstrom (2026), un deuxième album qui tient largement sa place dans la florissante scène du jazz fusion québécois.

TransQueb trace sa propre route

Si le genre connaît une certaine renaissance chez nous depuis quelques années, notamment avec des artistes comme Carl Mayotte, François Laliberté, Misc ou encore Julien Fillion, le quatuor TransQueb trace sa propre route en faisant cohabiter les sonorités d’Uzeb et de Return to Forever avec le rock progressif de Soft Machine et de Yes; certains passages évoquent même Harmonium.

Dans la continuité de l’excellent Station (2022), TransQueb continue de faire dialoguer jazz, rock progressif et mélodies accrocheuses

Formé dans la région de Drummondville et maintenant actif dans celle de Québec, le quatuor rassemble Nicolas Gosselin (batterie), Jeffrey Gagnon (guitare), Maude Gauthier (saxophones) et Raphaël Côté (basse, synthé), avec Francis Grégoire, qui les rejoint ponctuellement au piano. Dans la continuité de l’excellent Station (2022), TransQueb continue de faire dialoguer jazz, rock progressif et mélodies accrocheuses, avec une énergie collective qui donne sa force à l’ensemble.

Dunes et Résonances

Dès Dunes, les accords limpides et les lignes mélodiques expressives installent une fusion généreuse, portée par des ruptures et virages qui évoquent le rock progressif sans alourdir l’écoute. Résonances s’ouvre sur un motif obstiné de saxophone, puis s’étire en une mélodie souple sur une rythmique remarquablement assurée. La pièce glisse ensuite vers des couleurs psychédéliques, où la guitare de Jeffrey Gagnon prend le relais. Dans Les Cloches d’Ahuntsic, les bifurcations se multiplient, mais le saxophone garde le cap, porté par la complicité du groupe qui rend ces détours aussi naturels que captivants.

Galion d’Argent, Pt. 1 et Galion d’Argent, Pt. 2

Première partie d’un triptyque, Galion d’Argent, Pt. 1 change drastiquement d’échelle. Une pulsation discrète précède une guitare à douze cordes, dont la sonorité rappelle le rock progressif des années 1970 et, par moments, le lyrisme sublime d’Harmonium. La deuxième partie (Galion d’Argent, Pt. 2) prolonge cette mélancolie avant qu’un swing plus vif ne la traverse. Le calme revient en fin de pièce, laissant au saxophone tout le loisir de déployer son expressivité.

Galion d’Argent, Pt. 3

La troisième partie (Galion d’Argent, Pt. 3) rompt avec cette retenue, le saxophone devenant à la fois mordant et aérien, entraîné par un rythme ternaire lumineux. Un solo de basse fretless mène le triptyque vers une conclusion particulièrement satisfaisante. L’album tient sa promesse : les idées tourbillonnent, les atmosphères se transforment et TransQueb conserve, d’un bout à l’autre, le plaisir manifeste de jouer ensemble.

Raphaël Côté – basse, bouzouki, synth bass
Nicolas Gosselin – batterie, percussions
Maude Gauthier – saxophones
Jeffrey Gagnon – guitare, lapsteel
Francis Grégoire – claviers (absent sur la photo)

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Batteuse, productrice, pédagogue et activiste, Terri Lyne Carrington mène sa barque depuis plus de quatre décennies, raflant quatre Grammys au passage, dont le premier en 2014 fait d’elle la première femme récompensée pour le meilleur album de jazz instrumental. On la retrouve entourée du collectif Social Science pour Trip the Night Fantastic (2026), deuxième album du collectif après l’excellent Waiting Game (2019).

Treize nouveaux titres croisant jazz, soul, R&B, hip-hop et influences world music

Entourée du guitariste Matthew Stevens, du pianiste Aaron Parks et du multi-instrumentiste Morgan Guerin, Terri Lyne Carrington accueille une impressionnante brochette de chanteurs, poètes et rappeurs au fil de treize nouveaux titres croisant jazz, soul, R&B, hip-hop et influences world music. Fidèle à elle-même, la batteuse se saisit des urgences de notre époque, des luttes sociales à la crise climatique, pour faire de ce nouvel album un espace collectif de réflexion et de résistance, autant qu’une célébration de la création vivante et partagée.

Autonomy Song constitue le cœur battant de l’album

Très touchante, Autonomy Song constitue le cœur battant de l’album. Déjouant les codes attendus de l’hymne militant, Terri Lyne Carrington drappe d’une soul chaleureuse sa prise de parole pour les droits reproductifs et la liberté face aux violences conjugales. La voix souple de Ledisi et les interventions poétiques de J. Ivy et Tarriona Ball se mêlent aux arpèges lumineux de Brandee Younger, transformant la gravité du sujet en un élan émancipateur puissant, sans jamais diluer le propos. Le morceau touche à quelque chose d’intime, presque charnel, tout en réussissant à nous faire danser, réfléchir et ressentir en même temps.

Identity Song avec Michael Mayo

Le regard s’élargit ensuite quelque peu avec Identity Song, Abolition Song et Solidarity Song. La première, portée par la voix angélique de Michael Mayo et le slam engagé de Nappy Nina, tacle l’enjeu des identités de genre avec finesse et empathie, loin des slogans abstraits et des formules toutes faites. La deuxième associe Kassa Overall à la voix d’Angela Davis pour jeter un regard cru sur le milieu carcéral, l’héritage esclavagiste et la justice transformatrice, alors que la troisième met en scène sur un ton mordant les fractures de classes, d’origines et d’idéologies.

Dans chaque cas, les arrangements foisonnants demeurent limpides, mêlant satire, prise de parole militante et improvisation qui se répondent naturellement. Il ne s’agit donc pas de sermonner, mais plutôt d’orchestrer de véritables conversations musicales à travers une diversité de registres, conférant au projet une intensité dramatique et une réelle force de frappe.

Blues Song (These Poems) superpose un groove souple, la parole d’Aja Monet et les textes de June Jordan

Pet Song prête aux animaux maltraités la voix compatissante du rappeur Khemist et lie leur souffrance à une réflexion plus vaste sur la violence et la souveraineté. Plus marquant encore, Blues Song (These Poems) superpose un groove souple, la parole d’Aja Monet et les textes de June Jordan dans des arrangements denses, mais jamais encombrés.

Pour finir, Reckoning Song – un funk puissant qui appel à passer du constat à l’action politique

Pour finir, Reckoning Song clôt Trip the Night Fantastic (2026) par un funk puissant qui appel à passer du constat à l’action politique, une finale qui résume à elle seule la démarche d’un album ambitieux et profondément collectif, où la prise de position, le partage et l’engagement de soi ne sont pas un simple décor, mais constituent le fondement même de l’acte de création musicale.

Riddim Song / Identity Song / Autonomy Song / Climate Song / Children’s Song / Step Song / Forest Song / Solidarity Song / Prayer Song / Abolition Song / Pet Song / Blues Song (These Poems) / Reckoning Song

Artistes invités : Fatoumata Diawara, Aaron Parks, Morgan Guerin, Michael Mayo, Brandee Younger, Nappy Nina, Tarriona « Tank » Ball, Ledisi, J. Ivy, Kokayi, Matthew Stevens, Morgan Guerin, Christie Dashiell, Lizz Wri, Vuyo Sotas, Miki Howard, Marc Ribot, Larry Goldings, Arooj Aftab, Moor Mother, Rashaan Carter, Kassa Overall, Debo Ray, Angela Davis, Mat, Debo Ray, Ian Michael, Kh, Safa, et Debo Ray.

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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Enregistré en seulement quatre heures, Straight08 (2026) voit trois géants de la scène contemporaine, Sam Barsh (claviers), Keyon Harrold (trompette) et Mark Guiliana (batterie), rendre hommage à la mythique boîte à rythmes TR-808.

Straight08 (2026) – un hommage à la la boite à rythmes TR-808

Accessoire incontournable des premières vagues du hip-hop, de Run-DMC et Public Enemy à Kanye West, la boite à rythmes TR-808 s’est rapidement imposée au-delà du genre, trouvant sa place dans l’électro des années 1980 comme chez Marvin Gaye, Phil Collins, les Talking Heads, New Order, ou encore Madonna. Le trio conjugue ainsi des influences jazz, hip-hop, r’n’b et électro, sans sacrifier la spontanéité et l’improvisation qui demeurent centrales. Malgré une instrumentation épurée, les onze nouveaux titres demeurent remarquablement riches et fouillés, portés par la complicité de musiciens qui se connaissent depuis des lustres, leurs routes ayant notamment croisé celles de Kendrick Lamar ou Anderson .Paak.

Todd 4 et Little Sunflower

Dès Todd 4, le concept prend tout son sens. La basse synthé de Sam Barsh et la batterie de Mark Guiliana installent une pulsation massive, alors que Keyon Harrold fait virevolter sa trompette au-dessus tout en souplesse. Le Rhodes saturé prend ensuite le relais sans jamais abandonner la basse, toujours parfaitement cadrée avec la batterie. Avec Little Sunflower, cette mixture moderne se confronte au répertoire, chaque instrument évoluant en toute complémentarité au fil d’une relecture particulièrement élégante du standard de Freddie Hubbard.

Fergumette Park et Todd 5

Plus loin, le trio modifie subtilement la formule avec Fergumette Park qui part d’un groove subtilement swingé et d’une ligne de basse bien pesante, avant de laisser le trompettiste déployer des lignes mélodiques lumineuses. Largement improvisée, Todd 5 ralentit la cadence avec ses claviers abrasifs et sa trompette mélancolique qui se fondent l’un dans l’autre à la perfection. La pièce éponyme joue elle aussi sur les contrastes, passant de rythmiques compactes à des passages plus aérés. C’est précisément cette capacité à générer des paysages sonores denses et variés à partir d’une instrumentation aussi minimaliste qui empêche la formule de devenir redondante, voire un simple exercice de style.

Keys to the Suburb, The Corrugation et Green Chimneys

Keys to the Suburb et The Corrugation ramènent le groove au premier plan, avec une batterie particulièrement incisive et des claviers qui ajoutent des couches rythmiques aussi insistantes qu’accrocheuses. La seconde permet également d’entendre la complicité exceptionnelle des musiciens, entre qui les idées et motifs circulent librement, donnant l’impression que la musique se construit sous nos oreilles. Même les références à Thelonious Monk dans Green Chimneys s’intègrent naturellement dans cet univers très singulier. Et c’est précisément la grande réussite de Straight08 (2026), qui trouve avec brio ce difficile équilibre entre respect du vocabulaire jazz et création d’un style unique, à la fois minimaliste, dynamique et très vivant.

Sam Barsh – claviers
Keyon Harrold – trompette
Mark Guiliana – batterie

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Sans renoncer à leur langage expérimental, Mary Halvorson et  Ambrose Akinmusire privilégient une approche intimiste qui laisse libre cours aux conversations musicales

Après plusieurs tentatives d’enregistrement avortées, les deux étoiles de l’avant-garde new-yorkaise se retrouvent enfin en duo, formule qu’ils connaissent bien pour l’avoir explorée aux côtés de Bill Frisell et Marc Ribot pour l’une, et de Dave Holland pour l’autre. Il en résulte neuf nouveaux titres très atmosphériques qui misent sur un équilibre subtil entre virtuosité et intuition. Sans renoncer à leur langage expérimental, le duo privilégie une approche intimiste qui laisse libre cours aux conversations musicales et à l’exploration timbrale.

L’ouverture, Prelude in the Ash, constitue une entrée en matière plutôt accessible

L’ouverture, Prelude in the Ash, constitue une entrée en matière plutôt accessible, surtout considérant la suite. Introduite à la trompette, la pièce installe un air de mélancholie que la guitare, simple mais très expressive, vient progressivement enrichir de motifs délicats, de glissements harmoniques et de subtils glitchs mélodiques. Minimaliste mais particulièrement efficace, ce premier dialogue évite le sentimentalisme bonbon avec ses couleurs instables qui donnent presque l’impression que la pièce se déconstruit progressivement, avant de se recomposer à la toute fin. Cette fébrilité annonce l’esthétique générale de l’album, où chaque thème semble pouvoir basculer à tout moment.

L’un des moments forts de l’album, Soundcheck, pousse encore plus loin cette approche

La suite se révèle tout aussi ambivalente, comme This Vivid qui rompt brusquement avec le calme initial en intégrant des effets, des boucles vocales, des cris et des textures électroniques qui transportent les musiciens en territoire plus expérimental. L’un des moments forts de l’album, Soundcheck, pousse encore plus loin cette approche en superposant des mélodies de trompette aux accords sinueux de Mary Halvorson, faisant émerger un dialogue qui se fraie un chemin malgré le chaos apparent. Plus largement, les deux musiciens poussent leurs instruments dans leurs derniers retranchements, chaque son semblant se démultiplier et se réinventer sans cesse.

Slo-Mo Neon Luminate Hoverings, conclut l’album dans une atmosphère cinématographique

L’album alterne ensuite entre ballades intimistes et paysages sonores abstraits. Tangled Pretty et Blood and Sand mêlent mélodies tortueuses et harmonies impressionnistes, alors que la finale, Slo-Mo Neon Luminate Hoverings, conclut l’album dans une atmosphère cinématographique où les textures se déploient avec une lenteur hypnotique. Refusant le caractère purement contemplatif parfois associé au jazz contemporain, Mary Halvorson et Ambrose Akinmusire préfèrent cultiver l’art de la surprise, chaque motif étant susceptible de se fissurer, de se transformer ou de prendre une direction inattendue.

Au final, Slo-Mo Neon Luminate Hoverings (2026) demeure étrangement accessible pour un album de jazz expérimental, notamment grâce à sa remarquable cohésion stylistique, la complicité du duo nourrissant une musique à la fois inventive et très vivante.

Prelude in the Ash / This Vivid / Nice to meet you again for the first time / Soundcheck / Watersmoke / Tangled Pretty / Ofo / Blood & Sand / Slo-Mo Neon Luminate Hoverings

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Ambrose Akimusire – trompette

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Mary Halvorson – guitare

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Mary Halvorson – About Ghosts (2025) – l’album #3 de 2025 d’Arnaud G. Veydarier

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Né de la rencontre impromptue entre Kiefer, CARRTOONS et Nate Smith, le collectif FATHERS livre un premier album éponyme tout à fait à l’image de ses constituants, entre jazz, hip-hop et néo-soul.

D’une rencontre au FIJM 2023 à l’étiquette Blue Note avec Kenny Beats

Réunis pour la première fois lors de la résidence de Nate Smith au Festival International de Jazz de Montréal en 2023 (voir notre captation vidéo), les trois musiciens ont rapidement développé une complicité qui s’est prolongée sur scène avant de prendre forme en studio. Ce qui ne devait être qu’un simple essai technique dans le studio fraîchement aménagé du producteur Kenny Beats, s’est finalement transformé en deux journées d’improvisation, donnant naissance à un premier album sur l’étiquette Blue Note. Cette spontanéité transparaît par ailleurs sur l’ensemble de l’album, où la production méticuleuse de Kenny Beats préserve toute la fraîcheur et le naturel des échanges.

Eye Level, Patchwork, et Pearl – un des moments forts de FATHERS

L’album s’ouvre avec Eye Level et Patchwork, posant les bases de la recette musicale du trio : la basse mélodique de CARRTOONS en constant dialogue avec les claviers de Kiefer, alors que Nate Smith construit ses rythmes avec la précision redoutable et le sens du groove unique qu’on lui connaît. Les motifs mélodiques courts, répétés et transformés, rappellent parfois l’esthétique des mixtapes ou du sampling propres au hip-hop. Cette approche atteint son sommet avec Pearl, dont les accents latins et la fluidité des lignes mélodiques en font un des moments forts de l’album.

The Leak, Tomorrow Again et Stub

L’album adopte parfois un ton plus contemplatif, comme sur The Leak avec son tempo ralenti qui met en valeur les variations millimétrées du groove, laissant davantage d’espace aux longues lignes de basse et aux textures atmosphériques de synthés. Tomorrow, Again poursuit dans cette veine intimiste avec sa mélodie très épurée, soutenue par un combo basse-batterie qui ancre solidement l’ensemble. À l’inverse, Stub concentre toute son énergie autour d’un motif bref et percutant où les synthés et la batterie adoptent la rigueur programmatique d’une boîte à rythmes, alors qu’il s’agit toujours d’une performance live.

Front Yard et Figure 8

La conclusion de l’album confirme la personnalité unique du projet. Front Yard s’appuie sur une ligne de basse autour de laquelle les autres gravitent avec légèreté, évoquant pleinement la sensation d’une jam session. Enfin, Figure 8 densifie progressivement son matériau mélodique en superposant piano acoustique, synthés et effets électroniques jusqu’à un final lumineux.

Parfois un peu répétitif dans sa facture, FATHERS (2026) n’en demeure pas moins une proposition musicale originale

Parfois un peu répétitif dans sa facture, FATHERS (2026) n’en demeure pas moins une proposition musicale foncièrement originale qui voit trois superbes musiciens revisiter les codes du trio de piano en l’ouvrant au hip-hop et à l’électro, insufflant un vent de fraîcheur à l’un des formats les plus emblématiques de l’histoire du jazz.

Eye Level / Patchwork / Pearl / Stub / The Leak / Tomorrow Again / Front Yard / Figure 8

Kiefer – claviers
CARRTOONS – basse
Nate Smith – batterie
Kenny Beats – producteur

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Kiefer – When There’s Love Around (2022)

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Poète, militante et musicienne basée à Los Angeles, Aja Monet lançait récemment The Color of Rain (2026), approfondissant l’univers poétique et surréaliste esquissé sur son premier album paru en 2023 et nommé aux Grammy Awards.

Entourée de la géniale bassiste et productrice Meshell Ndegeocello, du batteur Justin Brown et d’un collectif de musicien·nes réunissant notamment Burniss Travis, Josh Johnson, Georgia Anne Muldrow, Novena Carmel et Ambrose Akinmusire, la poète livre quinze nouveaux titres à la croisée du spoken word, du jazz spirituel et de la soul, en ne négligeant pas le côté expérimental qui fait sa marque. Plus « musical » que ses parutions précédentes, The Color of Rain (2026) ne se contente pas de mettre en musique ses textes, il les prolonge et leur confère plus de profondeur expressive.

say it with your chest invite et hollyweird

Dès l’ouverture, say it with your chest invite à la prise de parole engagée. Les cuivres feutrés, les claviers et les percussions soutiennent une voix qui tient autant de l’incantation que de la poésie. Plus loin, hollyweird brosse un portrait sublimé de Los Angeles, entre showbusiness et saturation médiatique. La poète y déploie un flot d’images qui traduisent l’absurdité de notre époque et la difficulté de trouver un sens dans un monde où le vacarme médiatique perpétuel étouffe l’essentiel. Sous sa plume, les enjeux sociaux deviennent une expérience sensorielle, sans jamais sacrifier la musicalité.

for the Congo, skinfolk, melting clocks et every media minute

On retrouve le cœur du propos de l’album dans for the Congo, où des percussions et des chœurs hypnotisants portent une réflexion sur les rapports de domination, la violence et notre complicité collective. Plutôt que de se livrer à un discours militant traditionnel, Aja Monet privilégie l’émotion et le poids des mots, à travers la répétition et l’interpellation directe. À l’inverse, skinfolk célèbre la beauté et la résilience dans une ambiance douce et lumineuse, soutenue par la harpe et des harmonies chaleureuses. Entre ces deux extrêmes, melting clocks explore notre rapport au temps au fil d’une réflexion sur la mémoire, alors qu’every media minute traduit l’épuisement mental engendré par le flux incessant d’informations et d’images qui envahit notre quotidien.

I Came to the Poem et indigo

L’album révèle également une facette plus intime de l’artiste, notamment sur working class musicians, une des pièces les plus accessibles où Aja Monet évoque avec tendresse les sentiments de précarité, de persévérance et de solidarité du milieu artistique. I Came to the Poem, presque totalement dépouillée de musique, rappelle la puissance de sa voix et son attachement profond à la poésie. En fin de parcours, indigo clôt l’album sur une note lumineuse, où amour et esprit apparaissent comme autant de refuges face aux angoisses du monde d’aujourd’hui.

say it with your chest / elsewhere (avec Meshell Ndegeocello et Georgia Anne Muldrow) / withness / hollyweird / skinfolk / for the Congo / i came to the poem / to sister (avec Ganavya et Brandee Younger) / i know that i don’t know / working class musicians / love is a choosing (avec Mereba) / song of myself / melting clocks (avec Mick Jenkins et Vic Mensa) / every media minute / indigo

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La force et la virulence du message de The Color of Rain (2026) trouvent leur équilibre dans des moments de grâce qui invitent autant à s’indigner qu’à renouer avec sa propre sensibilité. À ne pas manquer, et à voir en spectacle le 4 juillet prochain au Studio TD dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal.

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Guitariste parmi les plus célébrés de sa génération, Julian Lage poursuit son parcours chez Blue Note avec Scenes From Above (2026), son cinquième album sur le mythique label.

Le guitariste s’entoure pour l’occasion d’une nouvelle formation incluant le bassiste Jorge Roeder, le claviériste John Medeski et le batteur Kenny Wollesen, auxquels se joint ponctuellement Patrick Warren au clavier et aux percussions. Conçu au fil de courts sprints de composition intensive et entièrement dédié à son père, Scenes From Above (2026) met de côté les élans post-bop de Speak to Me (2024) pour explorer un univers où se croisent jazz fusion, soul, musique de chambre et folklore américain.

Dès l’ouverture de Scenes From Above (2026) Opal installe une atmosphère lumineuse

Dès l’ouverture, Opal installe une atmosphère lumineuse et estivale. La guitare douce et lyrique de Julian Lage dialogue avec le clavier aérien de John Medeski, qui colore en retour chaque phrase musicale de nuances délicates. Red Elm prolonge cette ambiance avec sa ligne de basse hypnotique qui sert de point d’ancrage à un jazz empreint de soul. Le groupe privilégie ici la fluidité plutôt que la démonstration ostentatoire, laissant les textures se construire naturellement tout en mettant en valeur l’immense sens mélodique du guitariste.

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie avec son côté funk qui rappelle par moments l’esthétique unique du trio Medeski Martin & Wood, avec les claviers à l’avant-plan. Havens propose une ambiance plus contemplative, enrichie par les interventions de Patrick Warren et une instrumentation étoffée. Entre groove discret, percussions et nappes de claviers, le morceau arbore une dimension quasi cérémoniale et spirituelle. Plus loin, Solid Air et Storyville ouvrent la porte à des climats plus atmosphériques et à davantage de spontanéité, flirtant par moments avec le psychédélisme et l’improvisation libre.

Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue

La dernière partie de l’album est sans doute la plus convaincante, à commencer par Ocala qui séduit par son élégance acoustique et ses subtils accents de calypso, alors que Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue. Enfin, Something More clôt l’album sous forme de communion musicale empreinte d’espoir aux accents country.

Scenes From Above (2026), un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière

Sans révolutionner le genre, Scenes From Above (2026) maintient son pouvoir de séduction au fil de neuf nouveaux titres qui parviennent à tirer le meilleur d’un groupe de musiciens aux profils bien différents. Julian Lage confirme une fois de plus son talent de bandleader et sa capacité à créer un espace d’écoute et de liberté collective, tout en opérant un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière.

Il sera d’ailleurs au Festival International de Jazz de Montréal le 4 juillet en duo avec Christian McBride.

Opal / Red Elm / Talking Drum / Havens / Night Shade / Solid Air / Ocala / Storyville / Something More

Julian Lage – guitare et compositions
John Medeski – orgue, claviers et piano
Jorge Roeder – basse
Kenny Wollensen – batterie

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Bitches Blues (2026) marque la deuxième parution du trio Hedvig Mollestad Weejuns, un projet réunissant la guitariste norvégienne Hedvig Mollestad, le claviériste Ståle Storløkken et le batteur Ole Mofjell.

Bitches Blues (2026) – une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation

Là où le premier album privilégiait les structures ouvertes et l’improvisation libre, ce nouvel opus adopte une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation. On navigue entre jazz-rock, rock progressif et psychédélique, voire apocalyptique par moment, mais l’ensemble conserve une fraîcheur et une spontanéité remarquables grâce à une dynamique collective particulièrement organique. Plutôt que de mettre constamment la guitariste au premier plan, elle se fond complètement dans le dialogue et les textures denses de l’ensemble.

On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis

La pièce-titre Bitches Blues ouvre l’album avec une énergie brute et menaçante. On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis auquel le titre de l’album fait écho : guitares saturées, orgue massif et batterie s’entrechoquent librement avant que le morceau ne se cristallise progressivement autour d’un groove plus solide. Les références au jazz fusion et au prog-rock des années 1970 sont évidentes, mais la pièce conserve une dimension plus libre et imprévisible, en hésitation constante entre contrôle et débordement. Même lorsque la musique semble sur le point de basculer dans le chaos, le trio retient toujours son élan pour mieux reconstruire la tension ensuite.

Kompet Blir et For A Moment I Thought I Could Hear You, plus contemplatifs

Le cœur de l’album repose toutefois sur ses morceaux plus contemplatifs. Kompet Blir ralentit considérablement le rythme avec une pulsation lourde et hypnotique sur laquelle flottent des lignes d’orgue fantomatiques. Une ambiance nocturne et inquiétante se développe, rappelant parfois certaines dérives psychédéliques du rock progressif. For A Moment I Thought I Could Hear You pousse encore plus loin l’introspection avec une guitare délicate et des accords d’orgue mélancoliques, presque liturgiques. Limite poursuit dans cette direction minimaliste avec ses textures sombres et ses développements très lents. C’est véritablement dans ces moments que le trio démontre sa cohésion et sa capacité remarquable à construire des climats immersifs.

Dynamax – l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale

Ce minimalisme rend d’ailleurs les moments plus agressifs de l’album encore plus efficaces. Dynamax débute dans une atmosphère lourde et ambiguë, avant d’exploser avec ses riffs insistants, ses montées d’orgue et ses rythmes extrêmement physiques. Le morceau illustre parfaitement l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale.

Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif

Enfin, Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif. La guitare flotte au-dessus d’une basse d’orgue grave et de cymbales ténues, créant une impression de tristesse plutôt qu’un véritable crescendo émotionnel. Bitches Blues (2026) réussit ainsi à transformer l’exubérance d’Hedvig Mollestad en une œuvre subtile, atmosphérique et collective. Sans conteste un de mes albums préférés de l’année jusqu’à maintenant.

Hedvig Mollestad – guitare
Ståle Storløkken – claviers, orgue et synthés
Ole Mofjell – batterie

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Bitches Blues / Kompet Blir / For A Moment I Thought I Could Hear You / Limite / Dynamax / Recollection Of Sorrow

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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