Duke Pearson – Tender Feelin’s (Blue Note, 1959)

J’ai fait la découverte de Duke Pearson il y a quelques années grâce aux albums de Donald Byrd, notamment The Cat Walk, Fuego, Byrd In Flight et At The Half Note Café (Vol. 1 & 2) sur lesquels il joue un bon rôle de sideman. Je n’avais toutefois pas pris le temps d’écouter ses albums en tant que leader avant l’année passée. Les deux albums en trio qu’il a enregistrés pour Blue Note avec Gene Taylor à la contrebasse et Lex Humphries à la batterie sont parmi mes préférés. Ils ont tous deux été enregistrés à la fin de 1959 et s’intitulent Profile et Tender Feelin’s. Quoique enregistré en 1959 l’album est sorti en 1960.

Un style d’improvisation influencé par l’oreille qu’il a développé en jouant des instruments monophoniques

Duke Pearson a joué du mellophone (type de cor en forme de trompette, utilisé dans les fanfares ou en big band), du cor baryton et de la trompette avant de se dédier au piano. Comme de nombreux autres pianistes de jazz, son style d’improvisation est probablement influencé par l’oreille qu’il a développé en jouant des instruments monophoniques. L’avantage de jouer de cette façon au piano est que le clavier permet de jouer des lignes monodiques comprenant de plus grands intervalles et de micro-transpositions à des tempos plus élevés que si on essayait de les jouer sur un cuivre. Ses solos sur Bluebird Of Happiness (Jan Peerce) et I Love You (Cole Porter) en sont de bons exemples.

Les autres titres sur l’album sont I’m A Fool To Want You (Joel Herron, Jack Wolf, Frank Sinatra) avec une superbe introduction jouée à l’archet par Gene Taylor, When Sunny Gets Blue (Marvin Fisher, Jack Segal), The Golden Striker (John Lewis) et On Green Dolphin Street (Bronislaw Kaper, Ned Washington). D’après les liner notes de Leonard Feather, le dernier morceau, un blues intitulé 3AM, n’était pas prévu : Duke se serait remis au piano alors qu’il était tard et que tout le monde s’apprêtait à quitter le studio de Rudy Van Gelder.

Pour finir, et puisque je mentionne Van Gelder : le son de cet album est exceptionnel. Les instruments sont parfaitement séparés, le son du piano est chaud et plein de détails, la contrebasse est ronde et bien définie, et la batterie est claire, les cymbales crisp.

Count Basie – Count Basie And The Kansas City 7 (Impulse!, 1962)

Montréal est une ville où la danse swing est très populaire. Si vous faites partie de cette communauté et que vous ne le connaissez pas, Count Basie and the Kansas City 7 vous plaira sans doute plus que les deux autres albums dont je vous parle aujourd’hui.

Count Basie en format « mini big band »

Count Basie, célèbre pour son big band, joue ici dans un format que l’on pourrait appeler « mini big band » puisqu’on ne retrouve que huit des seize à dix-huit musiciens généralement présents. Malgré cette réduction du personnel, les éléments essentiels qui créent l’identité de sa musique demeurent inchangés : le swing, la solidité du beat (mention spéciale à Eddie Jones à la contrebasse !), la simplicité des solos et des thèmes, le bon goût, le son, et la légèreté (écoutez le solo de Count Basie sur Count’s Place).

Les pièces sont concises et efficaces, c’est une musique faite pour danser, qui se pense en sections (blocs de 8 ou de 16 mesures en général) et parfois même en riffs joués par différents membres de l’orchestre.

Un bon batteur est celui qu’on ne remarque pas tout de suite

Avec Count Basie et Eddie Jones, Freddie Green à la guitare et Sonny Payne à la batterie complètent la section rythmique. Il existe un dicton qui dit qu’un bon batteur est celui qu’on ne remarque pas tout de suite. C’est exactement ce qui se passe sur cet enregistrement : Sonny Payne ne prend que quelques très courts solos, mais accompli un travail d’accompagnement remarquable sur l’ensemble de l’album. Les autres musiciens de l’orchestre sont : Thad Jones à la trompette, Frank Wess à la flûte et flûte alto, Frank Foster au saxophone ténor et à la clarinette, et Eric Dixon au saxophone ténor, à la flûte et à la clarinette.

Enfin, Count Basie nous fait la surprise de jouer de l’orgue sur I Want A Little Girl, ce qui est assez rare et donne une couleur spéciale à ce morceau. L’album est aussi enregistré chez Van Gelder, le son est superbe et correspond parfaitement au style et à l’esprit de l’orchestre.

Terry Gibbs Quartet – Take It From Me (Impulse!, 1964)

Deux des musiciens de cet album sont encore en vie : le guitariste Kenny Burrell, âgé de 93 ans, et le vibraphoniste Terry Gibbs, qui a fêté son 100ème anniversaire en octobre dernier ! Je cherchais un album où la guitare et le vibraphone peuvent être entendus côte à côte. Selon moi, les timbres de ses deux instruments harmoniques sont très différents mais se marient très bien. Cet enregistrement est idéal pour le réaliser.

Kenny Burrell est un accompagnateur exceptionnel

Sur le premier morceau, Take It From Me, ainsi que sur 8 Lbs., 10 Oz., vous pourrez entendre les deux musiciens jouer les thèmes à l’unisson. Sur les autres morceaux, Kenny Burrell accompagne généralement les mélodies en jouant des motifs et accords qui leur répondent et les mettent en valeur, comme sur El Fatso, Oge, ou Pauline’s Place où il joue de beaux accords suspendus qui apportent une touche de modernité entre les premières phrases du thème. Kenny Burrell est un accompagnateur exceptionnel ; ses interventions semblent presque écrites, comme si elles faisaient partie intégrante des compositions.

Terry Gibbs fait preuve d’une grande inventivité

De son côté, Terry Gibbs fait preuve d’une grande inventivité dans les sons qu’il produit avec son instrument. Notez comme il étouffe certaines notes avec un maillet tout en les jouant avec l’autre (sur le thème de Oge par exemple). Il semble également être très conscient de l’endroit où il frappe les lames du vibraphone (plus ou moins près de la corde), ce qui lui permet de contrôler la résonance de ses notes. En plus du vibraphone, Terry Gibbs joue de la batterie. Avec le piano, c’est presque comme un double pour les vibraphonistes. C’est peut-être une des raisons pour lesquelles son time-feel est impeccable.

L’album comprend six compositions originales du vibraphoniste et deux standards bien connus : All The Things You Are (Jerome Kern, Oscar Hammerstein II) interprété en valse, et Honeysuckle Rose (Fats Waller, Andy Razaf).

Pour soutenir les deux doyens, on retrouve l’imperturbable Sam Jones à la contrebasse et Louis Hayes à la batterie. Les deux musiciens ont énormément joué et enregistré ensemble avant cette date : impossible de ne pas swinger avec ces deux-là !

Si vous souhaitez en apprendre davantage sur Terry Gibbs, je vous recommande cette entrevue avec Les Tomkins.

Baptiste Lejeune : baptiste.beats@gmail.com

Baptiste Lejeune est un batteur franco-canadien qui a étudié le jazz et la musique classique au Conservatoire de Paris, à l’Université McGill à Montréal, et au Tribeca Jazz Institute, à New York. Il se produit régulièrement sur la scène montréalaise et québécoise, enseigne à l’École de Jazz de Montréal et collectionne les disques de jazz. Sa chronique de 3 albums vintage de jazz est mensuelle.

3 albums vintage de jazz : Just Us (1960) Gettin’ Together! (1960) The Tender Gender (1966)

3 albums vintage de jazz : Another Git Together (1962) Meet Oliver Nelson (1959) Cliff Craft (1957)

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Maggie’s Back In Town !! (1961) – Howard McGhee

Le trompettiste Howard McGhee n’est pas un nom qui vient tout de suite à l’esprit lorsque l’on pense aux musiciens de jazz bebop et hard bop des années 50 et 60. Cela vient peut-être du fait de ses collaborations plus étroites avec les musiciens de jazz dit West Coast alors que l’origine du genre était plutôt New York. Pourtant, la musique d’Howard McGhee (ou Maggie, comme l’appelait ses proches) ne diffère pas fondamentalement de ce qui se faisait alors sur la côte est : le swing, le langage du blues, la clarté de ses idées et l’articulation en constituent les mêmes ingrédients.

Howard McGhee, Phineas Newborn, Jr., Leroy Vinnegar et Shelly Manne

Sur cet album, l’orchestre comprend Phineas Newborn, Jr. au piano, Leroy Vinnegar, un de mes bassistes préférés, à la contrebasse et Shelly Manne à la batterie. Phineas Newborn, pianiste au jeu unique et quelque peu controversé comme le montrent les critiques après la publication de ses premiers albums, n’a fait que quelques apparitions en tant que sideman, c’est donc là une bonne occasion d’écouter son jeu d’accompagnateur avec ce titre. Je vous invite néanmoins à écouter attentivement ses solos sur Maggie’s Back In Town et Sunset Eyes, deux morceaux du saxophoniste Teddy Edwards.

Vous pourrez aussi entendre l’orchestre sur différents standards comme Willow Weep For Me (Ann Ronell), Softly As In The Morning Sunrise (Oscar Hammerstein II et Sigmund Romberg) et Summertime (George et Ira Gershwin). La tracklist comporte aussi Brownie Speaks, un rhythm changes de Clifford Brown.

All Members (1961) – Don Sleet Quintet

J’ai réalisé le mois dernier que la plupart des musiciens et amateurs de jazz que je connais ne sont pas familiers avec le trompettiste Don Sleet. J’ai moi-même découvert Don il y a seulement deux ans grâce au batteur Kenny Washington. Kenny est l’un des instructeurs du Tribeca Jazz Institute, à New York où j’ai étudié. Depuis la découverte de cet album, j’ai toujours voulu me procurer le disque et c’est maintenant chose faite : Nick Osicka, collectionneur et fondateur de la Foire Aux Vinyles Plateau, m’a récemment vendu un superbe exemplaire. J’en profite pour vous informer que la prochaine édition de cet événement se déroulera le 26 avril 2025 à l’Église Saint-Denis, au 454 Laurier Avenue Est, à Montréal.

Don Sleet, Jimmy Heath, Wynton Kelly, Jimmy Cobb et Ron Carter

L’album comporte des compositions des deux soufflants de l’orchestre : Don Sleet (trompette) et Jimmy Heath (saxophone ténor), deux standards bien connus, et deux compositions de Clifford Jordan dont je vous ai parlé dans ma première chronique. On retrouve au piano Wynton Kelly, accompagnateur hors pair, comme vous le constaterez entre autres sur The Hearing (Clifford Jordan).

Par ailleurs, Il s’agit de l’un des rares albums de cette période qui permet d’entendre Ron Carter improviser à l’archet, et surtout, avec le batteur Jimmy Cobb. Je me demande pourquoi ces deux musiciens n’ont pas enregistré davantage ensemble, car leur synchronicité est excellente. C’est un album assez rare et méconnu pour des raisons que j’ignore. Alors, pour reprendre les mots du batteur Kenny Washington, don’t sleep on Don Sleet!

Black Orchid (1962) – The 3 Sounds

Vous commencez sans doute à avoir une bonne idée de mes goûts musicaux et savez que le piano trio est une formation que j’apprécie particulièrement. J’ai donc choisi ce titre car je sais que The 3 Sounds est aussi un groupe qui échappe bien souvent à l’attention des jazzophiles. Curieux pour un groupe qui a enregistré un grand nombre d’albums pour Blue Note, Verve et Mercury ! Le personnel comporte le swingissime Gene Harris au piano, soutenu par une section rythmique forte et tranquille : Andrew Simpkins à la contrebasse et Bill Dowdy à la batterie.

Gene Harris, Andrew Simpkins et Bill Dowdy

Le choix des morceaux est un facteur primordial lors d’une performance musicale ou de la réalisation d’un album et ce groupe ne m’a jamais déçu en la matière. La sélection toujours bien pensée met en avant d’excellentes compositions même lorsqu’elles sont obscures. Vous pourrez notamment entendre Black Orchid (Cal Tjader), A Foggy Day (George et Ira Gershwin), Saucer Eyes (Randy Weston) et, si vous écoutez les bonus tracks uniquement, Azule Serape (Victor Feldman). 

Les prises sont assez courtes et l’atmosphère qui se dégage de l’album est calme et soyeuse : l’album plaira sans doute aux amateurs du trio de Red Garland. Une bonne façon de commencer l’année avec style et simplicité.

Baptiste Lejeune : baptiste.beats@gmail.com

Baptiste Lejeune est un batteur franco-canadien qui a étudié le jazz et la musique classique au Conservatoire de Paris, à l’Université McGill à Montréal, et au Tribeca Jazz Institute, à New York. Il se produit régulièrement sur la scène montréalaise et québécoise, enseigne à l’École de Jazz de Montréal et collectionne les disques de jazz. Sa chronique de 3 albums vintage de jazz est mensuelle.

3 albums vintage de jazz : Just Us (1960) Gettin’ Together! (1960) The Tender Gender (1966)

3 albums vintage de jazz : Another Git Together (1962) Meet Oliver Nelson (1959) Cliff Craft (1957)

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The Roy Haynes Trio – Just Us (New Jazz, 1960)

On dit souvent d’une coïncidence qu’elle est drôle. Ce n’est malheureusement pas le cas de celle qui est arrivée le 12 novembre dernier. Le matin même, je recevais cet album du Japon et décidai, alors que je l’écoutais, de l’ajouter à ma prochaine chronique. Dans l’après-midi de cette même journée, nous apprenions la mort du légendaire batteur Roy Haynes… Nous portons trop souvent une attention particulière à certains musiciens après leur décès. Ce n’en n’est pas la raison aujourd’hui.

Avec Richard Wyands (piano) et Eddie De Haas (contrebasse)

Le piano trio est une formation qui m’a toujours particulièrement attirée pour de nombreuses raisons, principalement l’interplay, la plus grande place qu’occupe chaque instrument, les possibilités d’arrangement, et le groove, sans doute plus facile à trouver et maintenir à trois qu’à six ou sept musiciens. Outre Roy Haynes à la batterie, le personnel sur cet album comporte Richard Wyands au piano et Eddie De Haas, un contrebassiste américain au nom néerlandais, né en Indonésie en 1930.

Con Alma, Sweet And Lovely

La sélection de cet album comporte sept morceaux dont trois standards, un original de Curtis Fuller, Con Alma de Dizzy Gillespie, et deux morceaux de Roy Haynes et Richard Wyands. Les arrangements sont bien pensés et exécutés à merveille. La version de Sweet And Lovely est parmi mes préférées : écoutez comment Richard Wyands harmonise la mélodie.

En plus d’un son très reconnaissable, on retrouve toujours chez Roy Haynes une excitation liée à une impression d’urgence, de note jouée in extremis. Il en tirait probablement son surnom « Snap Crackle ». La version de Speak Low et ses solos sur Down Home, Con Alma et Well Now en sont de bons exemples.

Selon moi, c’est un excellent album qui mérite autant d’attention que We Three (New Jazz, 1959), le fameux album trio du pianiste Phineas Newborn, comparable à celui-ci et qui met également Roy Haynes en vedette.

Paul Gonsalves – Gettin’ Together! (Jazzland, 1960)

Le saxophoniste Paul Gonsalves est surtout connu pour son travail (et devrais-je mentionner sa célèbre sieste sur Perdido ?) avec le big band de Duke Ellington. Sa musique en tant que leader est, je pense, moins connue : l’album fait donc partie de mes suggestions ce mois-ci de nos albums vintage de jazz.

Avec Wynton Kelly (piano), Sam Jones (contrebasse), Jimmy Cobb (batterie) et Nat Adderley (cornet)

La section rythmique comporte Wynton Kelly au piano, Sam Jones à la contrebasse et Jimmy Cobb à la batterie. Agréable surprise. Nat Adderley est aussi présent sur cinq des huit morceaux.

Yesterdays, I Cover The Waterfront, I Surrender, Dear

Leur sélection est judicieuse. Trois standards, dont Yesterdays, et deux que l’on entend trop rarement à Montréal : I Cover The Waterfront et I Surrender, Dear. Les amateurs de blues seront par ailleurs ravis car l’album en compte trois : Walkin’ de Richard Carpenter, (rendu célèbre par Miles Davis), J. And B. Blues (Joe Livramento), et Low Gravy (lent et mineur, composé par Jelly Roll Morton). Deux originaux également : le titre éponyme, composé par le poète et chanteur Babs Gonzales et Hard Groove, un original de Paul Gonsalves.

J’espère que le son du saxophoniste vous plaira par sa chaleur (vous comprendrez dès les premières notes du premier morceau) et son intonation. Comme la plupart des titres de Riverside/Jazzland, l’album est très bien enregistré et mixé, et swing de A à Z, comme le laissait deviner les crédits. Un contraste musical très intéressant se dégage du groupe : Paul Gonsalves est un musicien suave, et la section rythmique, plus dynamique, lui apporte une énergie exceptionnelle.

Le saxophoniste a enregistré une vingtaine d’albums en tant que leader que je vous invite à aller écouter si vous en voulez davantage.

Kenny Burrell – The Tender Gender (Cadet, 1966)

Pour ce dernier titre de ma 2e chronique d’albums vintage de jazz, j’ai choisi quelque chose de plus groovy. C’est un des traits de Kenny Burrell, en plus de sa mélancolie, surtout depuis l’album Midnight Blue, bien connu des jazzophiles.

J’ai fait la découverte de cet album en fouillant dans sa discographie l’année dernière et il est devenu un de mes favoris. C’est un format un peu différent des albums dont j’ai parlé auparavant, car nous sommes en 1966. Les morceaux sont plus nombreux et donc plus courts (rappelons qu’il n’est possible de graver qu’une vingtaine de minutes de musique par face sur un 33 tours), mais semblent avoir été choisis avec une grande attention.

Avec Richard Wyands (piano), Martin Rivera (contrebasse) et Oliver Jackson (batterie)

La version de Girl Talk, une excellente composition de Neal Hefti et Bobby Troup, m’apporte une profonde satisfaction à chaque écoute. Le personnel comporte Kenny Burrell à la guitare, Richard Wyands, que je vous présentais plus haut, au piano, Martin Rivera à la contrebasse et Oliver Jackson à la batterie. L’élégance dont ils font preuve tout au long de l’album est exemplaire.

Mother-In-Law, Isabella, People, The Tender Gender, I’m Confessin’ (That I Love You)

Mes autres coups de cœur sur le disque sont Mother-In-Law, Isabella, People, et The Tender Gender. Aussi, l’arrangement de I’m Confessin’ (That I Love You) rafraîchit le morceau qui aura bientôt cent ans.

Il s’agit d’un album relativement doux, comme l’indique son titre, et plus accessible, mais qui vaut qu’on s’y penche attentivement. Vous ne serez pas déçus.

Attention : sur la plupart des plateformes d’écoute, l’album n’est uniquement disponible dans une compilation intitulée Soulero. The Tender Gender, dont je parle ici, ne constitue que la première moitié de cette compilation (pistes 1 à 10).

Baptiste Lejeune : baptiste.beats@gmail.com

Baptiste Lejeune est un batteur franco-canadien qui a étudié le jazz et la musique classique au Conservatoire de Paris, à l’Université McGill à Montréal, et au Tribeca Jazz Institute, à New York. Il se produit régulièrement sur la scène montréalaise et québécoise, enseigne à l’École de Jazz de Montréal et collectionne les disques de jazz. Sa chronique d’albums vintage de jazz est mensuelle.

Con Alma : The Oscar Peterson Trio – Live in Lugano, 1964

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Je suis ravi et très enthousiaste à l’idée de commencer cette nouvelle chronique mensuelle dans laquelle je proposerai aux lecteurs de découvrir, ou de redécouvrir, trois albums vintage de jazz qui, selon moi, sont passés plus ou moins inaperçus.

Pour cette première chronique albums jazz vintage je vous propose 3 albums: Another Git Together (1962) d’Art Farmer & Benny Golson Jazztet, Meet Oliver Nelson (1959) d’Oliver Nelson  et Cliff Craft (1957) de Clifford Jordan.

Art Farmer & Benny Golson Jazztet – Another Git Together (Mercury, 1962)

Nous disions au revoir au grand saxophoniste et compositeur Benny Golson le mois dernier. Bien que certaines de ses compositions soient devenues des standards du répertoire (je pense notamment à Stablemates, Whisper Not, Along Came Betty ou encore I Remember Clifford), une bonne partie de son œuvre reste encore trop méconnue. C’est le cas de certains des enregistrements qu’il a réalisés avec son collaborateur Art Farmer.

En 1959, les deux musiciens forment le Jazztet, un groupe qui a rassemblé de nombreuses légendes du genre telles que McCoy Tyner, Harold Mabern, Albert “Tootie” Heath, Cedar Walton, Buster Williams, Curtis Fuller, et Herbie Lewis, parmi d’autres.

Sur cet album, le personnel comprend Art Farmer à la trompette et au bugle, Benny Golson au saxophone ténor, Grachan Moncur III au trombonne, Harold Mabern au piano, Herbie Lewis à la contrebasse et Roy McCurdy, qui fêtera son 88ème anniversaire le mois prochain, à la batterie.

Les 6 morceaux de l’album varient tonalités, grooves, tempi et atmosphères. On y retrouve deux standards, deux compositions de Benny Golson (dont Reggie, écrite pour son fils), une composition de Grachan Moncur III et le titre éponyme, co-composé par Jon Hendricks et Norwood “Pony” Poindexter. C’est un album très accessible par son mélodisme, l’interplay dont font preuve les musiciens, la qualité de l’improvisation et sa durée relativement courte (moins de 35 minutes). Un titre qui plaira particulièrement aux amateurs des Jazz Messengers.

Oliver Nelson – Meet Oliver Nelson (New Jazz, 1959)

J’ai découvert cet album au Upstairs, à Montréal, lors d’un concert auquel j’assistais. En effet, sa pochette y fait partie de la décoration. Dès la première écoute, j’étais stupéfait par la qualité de ce titre. D’abord, le personnel. On y retrouve Oliver Nelson au saxophone ténor, Kenny Dorham à la trompette, Ray Bryant au piano, Wendell Marshall à la contrebasse et Arthur Taylor à la batterie ! Ensuite, le son.

Si comme moi, vous êtes sensible à la qualité d’enregistrement de la musique que vous écoutez, alors vous ne serez pas déçu. La séparation des instruments, la profondeur, la définition, les dynamiques et la chaleur sont tous au rendez-vous sur cet album. Enfin, et surtout, la musique.

Avec un line-up pareil, on ne peut que s’attendre à un succès, et c’est bien le cas. Une véritable cohésion entre les musiciens est omniprésente, notamment grâce à l’accompagnement élégant de Ray Bryant et d’Arthur Taylor, et à l’espace que chaque soliste prend soin de laisser.

L’atmosphère qui s’en dégage est luxuriante. Les morceaux sont diversifiés : quatre compositions d’Oliver Nelson, Passion Flower de Billy Strayhorn et What’s New ?, un standard de Bob Haggart et Johnny Burke. L’album est noté quatre étoiles par Allmusic, Downbeat et Penguin. Je lui en donne cinq. Allez l’écouter !

Clifford Jordan – Cliff Craft (Blue Note, 1957)

Après une hésitation avec un autre album de Duke Jordan, j’ai finalement opté pour ce titre de Clifford Jordan. Depuis 2020, Le label Blue Note réédite des numéros de sa collection dans la série « Blue Note Classic Vinyl Series » et c’est pourquoi j’ai découvert cet album lors de ma visite hebdomadaire chez les disquaires de la rue Bernard.

Quelle agréable surprise de retrouver le trompettiste Art Farmer et le pianiste Sonny Clark en compagnie du batteur Louis Hayes et du contrebassiste George Tucker, que j’apprécie grandement depuis ma découverte des enregistrements d’Horace Parlan. Une section rythmique de rêve pour ce quatrième album de Cliff (le troisième pour Blue Note).

On a deux faces bien différenciées sur ce disque : la première comporte trois compositions originales, tandis qu’on retrouve Confirmation, Sophisticated Lady et Anthropology sur la seconde. C’est un choix intéressant qui permet de comparer son jeu sur ses propres morceaux, et trois pièces bien connues des amateurs de jazz. Le hit de l’album est probablement le morceau intitulé Laconia, qui était le deuxième nom de Clifford.

C’est une pièce au caractère calme mais qui semble cacher quelque chose de malicieux…

J’espère que vous apprécierez autant que moi le groove joué par Louis Hayes sur ce morceau. J’aimerais aussi apporter une attention spéciale à Sonny Clarke, qui nous offre une leçon d’improvisation à chaque solo.

En espérant que cette première chronique d’albums vintage de jazz vous a plu, et que la musique présentée vous séduira. Je vous dis à dans un mois pour d’autres recommandations. Merci pour votre lecture.

Bien à vous,

Baptiste Lejeune

Baptiste Lejeune : baptiste.beats@gmail.com

Baptiste Lejeune est un batteur franco-canadien qui a étudié le jazz et la musique classique au Conservatoire de Paris, à l’Université McGill à Montréal, et au Tribeca Jazz Institute, à New York. Il se produit régulièrement sur la scène montréalaise et québécoise, enseigne à l’École de Jazz de Montréal et collectionne les disques de jazz. Sa chronique d’albums vintage de jazz est mensuelle.

Con Alma : The Oscar Peterson Trio – Live in Lugano, 1964

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Horace Parlan – On The Spur Of The Moment (Blue Note, 1961)

Horace Parlan est né le 19 janvier 1931 à Pittsburgh, en Pennsylvanie. Alors qu’il n’a que 5 ans, il est frappé par la poliomyélite, maladie qui paralyse tout le côté droit de son corps. Bien qu’il en guérisse progressivement, il ne retrouvera jamais la pleine mobilité de son bras ni de sa jambe.

Ce handicap est paradoxalement ce qui lui a permis de développer un style rythmique si particulier. Il se distingue par une main gauche très présente et puissante, et une main droite moins agile, mais très syncopée. Les lignes, toujours concises, et les block-chords qui structurent les improvisations d’Horace Parlan confèrent toute la solidité à son jeu. Ses solos sur On The Spur Of The Moment et And That I Am So In Love en témoignent parfaitement.

Influencé par l’Église et le gospel

Horace se disait aussi très influencé par l’Église et le gospel. Lorsqu’il accompagne, il apporte toujours beaucoup de groove et de soul à la musique. J’ai toujours pensé que l’intention avec laquelle quelque chose est joué prévaut sur son contenu. Le jeu d’Horace Parlan, comme de nombreux autres musiciens, me conforte à cette idée.

Un de ses meilleurs albums

On The Spur Of The Moment est selon moi un de ses meilleurs albums. Horace accordait une grande importance à la complicité qui se crée entre les membres d’un groupe avec le temps, et cet album est le quatrième qu’il enregistre avec la même section rythmique : Al Harewood à la batterie et George Tucker à la contrebasse. À l’avant, on retrouve les frères Turrentine (l’aîné Tommy à la trompette et le cadet Stanley au saxophone ténor), qu’il connaît depuis son adolescence à Pittsburgh. Il y a une vraie cohésion entre les musiciens tout au long de l’album. Leur écoute mutuelle est palpable, et l’atmosphère générale de l’album dégage une sensation de détente et de complicité.

La sélection des morceaux est cohérente, les arrangements sont efficaces. Vous entendrez un thème de blues original, deux morceaux de Booker Ervin (dont Al’s Tune, une superbe composition) et trois compositions moins connues mais portées par de belles mélodies. Un détail surprenant à noter : à la fin de Skoo Chee, la voix d’un des musiciens se fait entendre, une surprise pour un album instrumental de cette époque.

Bobby Timmons – Born To Be Blue (Riverside, 1963)

D’après Bobby Timmons, qui considère cet album comme son meilleur en tant que leader, son intention pour Born To Be Blue était de créer une palette sonore variée. Pour cela, il utilise plusieurs éléments : D’abord, la présence de deux bassistes proposant chacun un son et un jeu bien distinct apporte une couleur et un feel différent à chaque morceau. Écoutez par exemple comment Ron Carter joue l’introduction et la coda de Namely You (Gene de Paul, Johnny Mercer) et comment Sam Jones double la main gauche de Bobby Timmons sur Malice Toward None (Tom Mcintosh).

Ensuite, le batteur Connie Kay alterne entre baguettes, balais, et même maillets sur Malice Towards None, ce qui apporte une texture exceptionnelle à ce qui est pour moi le meilleur morceau de l’album. Par ailleurs le pianiste fait preuve d’une grande expressivité et d’un jeu rempli d’émotion sur cette composition sombre.

Enfin, la variation des métriques est également présente. Bien que les pièces soient majoritairement jouées à quatre temps, Often Annie (Bobby Timmons), d’abord rubato, est joué à trois temps. Il en est de même pour le thème de Namely You.

Influences profondes et le blues

Malgré cette diversité dans les sons et les textures, le pianiste révèle pleinement ses influences profondes, notamment le blues, dont son jeu est imprégné tout au long de l’album. Il le fait de manière toujours imprévisible, intégrant des motifs mélodiques, rythmiques et harmoniques à son improvisation.

En 2008, le journaliste Marc Myers écrivait : « la contribution de Bobby Timmons au jazz en tant qu’accompagnateur, compositeur, leader et innovateur d’un nouveau son est largement ignorée et sous-estimée.»

Il est vrai que, bien que célèbre pour son travail aux côtés de Cannonball Adderley et ses enregistrements avec les Jazz Messenger, l’œuvre de Bobby Timmons reste encore trop méconnue. Cet album est un excellent point de départ !

Baptiste Lejeune : baptiste.beats@gmail.com

Baptiste Lejeune est un batteur franco-canadien qui a étudié le jazz et la musique classique au Conservatoire de Paris, à l’Université McGill à Montréal, et au Tribeca Jazz Institute, à New York. Il se produit régulièrement sur la scène montréalaise et québécoise, enseigne à l’École de Jazz de Montréal et collectionne les disques de jazz. Sa chronique de 3 albums vintage de jazz est mensuelle.

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