Poète, militante et musicienne basée à Los Angeles, Aja Monet lançait récemment The Color of Rain (2026), approfondissant l’univers poétique et surréaliste esquissé sur son premier album paru en 2023 et nommé aux Grammy Awards.

Entourée de la géniale bassiste et productrice Meshell Ndegeocello, du batteur Justin Brown et d’un collectif de musicien·nes réunissant notamment Burniss Travis, Josh Johnson, Georgia Anne Muldrow, Novena Carmel et Ambrose Akinmusire, la poète livre quinze nouveaux titres à la croisée du spoken word, du jazz spirituel et de la soul, en ne négligeant pas le côté expérimental qui fait sa marque. Plus « musical » que ses parutions précédentes, The Color of Rain (2026) ne se contente pas de mettre en musique ses textes, il les prolonge et leur confère plus de profondeur expressive.

say it with your chest invite et hollyweird

Dès l’ouverture, say it with your chest invite à la prise de parole engagée. Les cuivres feutrés, les claviers et les percussions soutiennent une voix qui tient autant de l’incantation que de la poésie. Plus loin, hollyweird brosse un portrait sublimé de Los Angeles, entre showbusiness et saturation médiatique. La poète y déploie un flot d’images qui traduisent l’absurdité de notre époque et la difficulté de trouver un sens dans un monde où le vacarme médiatique perpétuel étouffe l’essentiel. Sous sa plume, les enjeux sociaux deviennent une expérience sensorielle, sans jamais sacrifier la musicalité.

for the Congo, skinfolk, melting clocks et every media minute

On retrouve le cœur du propos de l’album dans for the Congo, où des percussions et des chœurs hypnotisants portent une réflexion sur les rapports de domination, la violence et notre complicité collective. Plutôt que de se livrer à un discours militant traditionnel, Aja Monet privilégie l’émotion et le poids des mots, à travers la répétition et l’interpellation directe. À l’inverse, skinfolk célèbre la beauté et la résilience dans une ambiance douce et lumineuse, soutenue par la harpe et des harmonies chaleureuses. Entre ces deux extrêmes, melting clocks explore notre rapport au temps au fil d’une réflexion sur la mémoire, alors qu’every media minute traduit l’épuisement mental engendré par le flux incessant d’informations et d’images qui envahit notre quotidien.

I Came to the Poem et indigo

L’album révèle également une facette plus intime de l’artiste, notamment sur working class musicians, une des pièces les plus accessibles où Aja Monet évoque avec tendresse les sentiments de précarité, de persévérance et de solidarité du milieu artistique. I Came to the Poem, presque totalement dépouillée de musique, rappelle la puissance de sa voix et son attachement profond à la poésie. En fin de parcours, indigo clôt l’album sur une note lumineuse, où amour et esprit apparaissent comme autant de refuges face aux angoisses du monde d’aujourd’hui.

say it with your chest / elsewhere (avec Meshell Ndegeocello et Georgia Anne Muldrow) / withness / hollyweird / skinfolk / for the Congo / i came to the poem / to sister (avec Ganavya et Brandee Younger) / i know that i don’t know / working class musicians / love is a choosing (avec Mereba) / song of myself / melting clocks (avec Mick Jenkins et Vic Mensa) / every media minute / indigo

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La force et la virulence du message de The Color of Rain (2026) trouvent leur équilibre dans des moments de grâce qui invitent autant à s’indigner qu’à renouer avec sa propre sensibilité. À ne pas manquer, et à voir en spectacle le 4 juillet prochain au Studio TD dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal.

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Guitariste parmi les plus célébrés de sa génération, Julian Lage poursuit son parcours chez Blue Note avec Scenes From Above (2026), son cinquième album sur le mythique label.

Le guitariste s’entoure pour l’occasion d’une nouvelle formation incluant le bassiste Jorge Roeder, le claviériste John Medeski et le batteur Kenny Wollesen, auxquels se joint ponctuellement Patrick Warren au clavier et aux percussions. Conçu au fil de courts sprints de composition intensive et entièrement dédié à son père, Scenes From Above (2026) met de côté les élans post-bop de Speak to Me (2024) pour explorer un univers où se croisent jazz fusion, soul, musique de chambre et folklore américain.

Dès l’ouverture de Scenes From Above (2026) Opal installe une atmosphère lumineuse

Dès l’ouverture, Opal installe une atmosphère lumineuse et estivale. La guitare douce et lyrique de Julian Lage dialogue avec le clavier aérien de John Medeski, qui colore en retour chaque phrase musicale de nuances délicates. Red Elm prolonge cette ambiance avec sa ligne de basse hypnotique qui sert de point d’ancrage à un jazz empreint de soul. Le groupe privilégie ici la fluidité plutôt que la démonstration ostentatoire, laissant les textures se construire naturellement tout en mettant en valeur l’immense sens mélodique du guitariste.

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie

Talking Drum fait monter d’un cran le niveau d’énergie avec son côté funk qui rappelle par moments l’esthétique unique du trio Medeski Martin & Wood, avec les claviers à l’avant-plan. Havens propose une ambiance plus contemplative, enrichie par les interventions de Patrick Warren et une instrumentation étoffée. Entre groove discret, percussions et nappes de claviers, le morceau arbore une dimension quasi cérémoniale et spirituelle. Plus loin, Solid Air et Storyville ouvrent la porte à des climats plus atmosphériques et à davantage de spontanéité, flirtant par moments avec le psychédélisme et l’improvisation libre.

Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue

La dernière partie de l’album est sans doute la plus convaincante, à commencer par Ocala qui séduit par son élégance acoustique et ses subtils accents de calypso, alors que Night Shade mêle blues, gospel et envolées d’orgue. Enfin, Something More clôt l’album sous forme de communion musicale empreinte d’espoir aux accents country.

Scenes From Above (2026), un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière

Sans révolutionner le genre, Scenes From Above (2026) maintient son pouvoir de séduction au fil de neuf nouveaux titres qui parviennent à tirer le meilleur d’un groupe de musiciens aux profils bien différents. Julian Lage confirme une fois de plus son talent de bandleader et sa capacité à créer un espace d’écoute et de liberté collective, tout en opérant un virage stylistique prometteur dans l’évolution de sa carrière.

Il sera d’ailleurs au Festival International de Jazz de Montréal le 4 juillet en duo avec Christian McBride.

Opal / Red Elm / Talking Drum / Havens / Night Shade / Solid Air / Ocala / Storyville / Something More

Julian Lage – guitare et compositions
John Medeski – orgue, claviers et piano
Jorge Roeder – basse
Kenny Wollensen – batterie

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Bitches Blues (2026) marque la deuxième parution du trio Hedvig Mollestad Weejuns, un projet réunissant la guitariste norvégienne Hedvig Mollestad, le claviériste Ståle Storløkken et le batteur Ole Mofjell.

Bitches Blues (2026) – une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation

Là où le premier album privilégiait les structures ouvertes et l’improvisation libre, ce nouvel opus adopte une approche plus structurée, sans tourner le dos à l’expérimentation. On navigue entre jazz-rock, rock progressif et psychédélique, voire apocalyptique par moment, mais l’ensemble conserve une fraîcheur et une spontanéité remarquables grâce à une dynamique collective particulièrement organique. Plutôt que de mettre constamment la guitariste au premier plan, elle se fond complètement dans le dialogue et les textures denses de l’ensemble.

On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis

La pièce-titre Bitches Blues ouvre l’album avec une énergie brute et menaçante. On reconnaît tout de suite l’influence du classique de Miles Davis auquel le titre de l’album fait écho : guitares saturées, orgue massif et batterie s’entrechoquent librement avant que le morceau ne se cristallise progressivement autour d’un groove plus solide. Les références au jazz fusion et au prog-rock des années 1970 sont évidentes, mais la pièce conserve une dimension plus libre et imprévisible, en hésitation constante entre contrôle et débordement. Même lorsque la musique semble sur le point de basculer dans le chaos, le trio retient toujours son élan pour mieux reconstruire la tension ensuite.

Kompet Blir et For A Moment I Thought I Could Hear You, plus contemplatifs

Le cœur de l’album repose toutefois sur ses morceaux plus contemplatifs. Kompet Blir ralentit considérablement le rythme avec une pulsation lourde et hypnotique sur laquelle flottent des lignes d’orgue fantomatiques. Une ambiance nocturne et inquiétante se développe, rappelant parfois certaines dérives psychédéliques du rock progressif. For A Moment I Thought I Could Hear You pousse encore plus loin l’introspection avec une guitare délicate et des accords d’orgue mélancoliques, presque liturgiques. Limite poursuit dans cette direction minimaliste avec ses textures sombres et ses développements très lents. C’est véritablement dans ces moments que le trio démontre sa cohésion et sa capacité remarquable à construire des climats immersifs.

Dynamax – l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale

Ce minimalisme rend d’ailleurs les moments plus agressifs de l’album encore plus efficaces. Dynamax débute dans une atmosphère lourde et ambiguë, avant d’exploser avec ses riffs insistants, ses montées d’orgue et ses rythmes extrêmement physiques. Le morceau illustre parfaitement l’équilibre que le trio atteint ici entre rock et approche plus expérimentale.

Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif

Enfin, Recollection of Sorrow conclut l’album dans un registre beaucoup plus dépouillé et méditatif. La guitare flotte au-dessus d’une basse d’orgue grave et de cymbales ténues, créant une impression de tristesse plutôt qu’un véritable crescendo émotionnel. Bitches Blues (2026) réussit ainsi à transformer l’exubérance d’Hedvig Mollestad en une œuvre subtile, atmosphérique et collective. Sans conteste un de mes albums préférés de l’année jusqu’à maintenant.

Hedvig Mollestad – guitare
Ståle Storløkken – claviers, orgue et synthés
Ole Mofjell – batterie

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Bitches Blues / Kompet Blir / For A Moment I Thought I Could Hear You / Limite / Dynamax / Recollection Of Sorrow

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Quite Sane revenait en avril dernier avec le dernier volet de To Kill a Child of Troubled Times, ambitieux triptyque déployé sur trois EP (Prologue, Mythos, et Epilogue) parus entre septembre 2025 et avril 2026, récemment réunis dans une édition vinyle 180g destinée aux oreilles les plus exigeantes.

Bassiste, producteur et tête pensante du projet Quite Sane, Anthony Tidd s’est forgé une solide réputation, autant auprès de la scène jazz d’avant-garde que du hip-hop, notamment grâce à ses collaborations avec The Roots. Dans le sillage d’un premier album-concept, The Child of Troubled Times (2002), le bassiste réitère cet heureux mélange de spiritual jazz, spoken word, hip-hop et expérimentations héritées de l’esthétique M-BASE, chère à son mentor Steve Coleman.

Entouré d’un impressionnant collectif avec Melissa Aldana, Miguel Zenon et…

Entouré d’un impressionnant collectif incluant Melissa Aldana, Miguel Zenón, Miles Okazaki, Paul Cornish et les voix de Kokayi, Queen Jo et Laurin Talese, Anthony Tidd livre une œuvre dense, politique, torturée, mais empreinte de beauté.

Prologue – Melissa Aldana, Laurin Talese, Anthony Tidd…

Le premier volet, Prologue (2025), impose immédiatement son climat tendu. No Child is an Island s’ouvre sur une introduction de basse rappelant la transe spirituelle de Coltrane, avant de bifurquer vers un dialogue engagé entre MC Kokayi et la chanteuse Laurin Talese, culminant dans un swing souple porté par un magnifique solo de Melissa Aldana.

Survival plonge ensuite dans un groove hip-hop syncopé où la basse massive d’Anthony Tidd soutient les interventions détendues de Miles Okazaki, évoquant parfois le funk-jazz décalé d’Esperanza Spalding. La seconde moitié de l’EP s’assombrit nettement avec They Are Always Our Children et A Mother’s Story, toutes deux reposant sur des motifs chromatiques anxiogènes et des rythmiques volontairement instables qui renforcent la charge dramatique.

Mythos – Queen Jo, Laurin Talese, Kokayi…

La musique prend une tournure plus narrative et labyrinthique avec le deuxième volet, Mythos. La première pièce A Father’s Story avance sur une pulsation lourde dominée par les harmonies vocales volontairement dissonantes des chanteuses Queen Jo et Laurin Talese, alors que la suite Shorty’s Story / Shorty’s Dilemma I et II constitue le véritable cœur de l’œuvre.

Kokayi y déroule le destin de Shorty, malheureux protagoniste du récit, à travers une suite progressive et foisonnante où les interventions instrumentales surgissent comme des émotions à fleur de peau. Les arrangements vocaux, particulièrement élaborés, multiplient les mélodies angulaires et les jeux de tension. Dans la dernière section, le dialogue entre les deux chanteuses fait lentement basculer la musique vers une forme de chaos contrôlé, aussi inquiétant que cathartique.

Epilogue – Miles Okazaki, Paul Cornish…

Epilogue conclut le triptyque avec une intensité plus retenue, mais tout aussi poignante. Les deux parties de Shorty’s Demise prolongent l’atmosphère funèbre des épisodes précédents à travers des harmonies lugubres et des rythmes tranchants, contrebalancés par les lignes aériennes du guitariste Miles Okazaki.

La pièce-titre apporte ensuite une éclaircie bienvenue grâce à une approche plus funky et lumineuse où Queen Jo et Laurin Talese brillent dans des arrangements vocaux plus lyriques. Enfin, They Were Always clôt ce périple sur une ballade somptueuse centrée autour du piano de Paul Cornish, constamment perturbé par des dissonances discrètes qui entretiennent le climat instable et empêchent toute résolution.

C’est précisément ce qui fait de To Kill a Child of Troubled Times une œuvre aussi totale et fascinante : une œuvre oppressante, exigeante dans la durée, mais très gratifiante pour quiconque accepte de se laisser aspirer dans son univers.

Quite Sane – To Kill a Child of Troubled Times – Prologue/Epilogue/Mythos

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Cette année encore, je vous propose une petite incursion au cœur d’un de mes festivals coups de cœur à Lyon. Compte rendu de mes deux soirées au Périscope pour l’édition 2026 du Festival Récif qui s’est déroulée du 14 au 18 avril dernier, où j’ai pu une fois de plus faire de très belles découvertes.

Le Festival Récif 2026 @ Périscope

C’est parmi les bâtiments futuristes et clinquants du quartier Confluence, à l’extrémité sud de la chic presqu’île lyonnaise, que je retrouve la petite salle du Périscope où se tient chaque année depuis 2023 le Festival Récif. On y arrive avec cette impression d’avoir trouvé un lieu à part, une salle underground discrète qui se dérobe à l’architecture futuriste du quartier, un peu comme les Foufounes électriques à Montréal qui tiennent le fort au milieu des façades modernes qui ont poussé tout autour.

Photo : Paul Bourdrel

Le Périscope explore les eaux profondes du jazz et des musiques improvisées

Installé dans les anciens locaux de Radio Nova, jadis réputée pour sa programmation éclectique, le Périscope explore depuis 2007 les eaux profondes du jazz et des musiques improvisées, offrant une vitrine essentielle aux artistes qui trouvent difficilement leur public en salle. La ville ne manque pourtant pas de salles consacrées à la note bleue, le Hot Club de Lyon se targuant même d’être le plus vieux club jazz d’Europe. Mais le Périscope fait bande à part, empruntant plus au charme brut des scènes rock et underground qu’à l’ambiance feutrée des caveaux jazz.

Un décor qui colle parfaitement au festival Récif 2026 avec sa programmation qui ziguezague entre métal, électro, jazz cubain, musique contemporaine, free jazz, néo-trad, rap underground, et j’en passe. Une bouffée d’air frais parmi une pléiade de festivals dont les têtes d’affiche donnent souvent une impression de déjà-vu. Rien contre Diana Krall, Grégory Porter ou Marcus Miller, mais il y a quelque chose de rafraîchissant à voir un festival miser sur les marges, les voix moins attendues.

Au-delà des étiquettes au Récif 2026

Après mon premier passage à Récif l’an dernier, marqué notamment par la découverte des incroyables Daoud et Otis Sandjö, c’est avec impatience que j’attendais de renouer avec le festival, qui proposait encore une fois une programmation très intriguante : entre le folk-soul d’Indawa, le jazz cubain de Manon Mullener, le djent jazzy de Zu et le rap expérimental de Grems, les organisateurs semblent faire feu de tout bois. Et c’est là tout l’intérêt de l’événement qui réussit à faire dialoguer des univers en apparence très éloignés, transformant ce jeu de contraste en véritable ligne directrice.

Une programmation sur cinq soirées

La programmation étalée sur cinq soirées thématiques contribue aussi à donner une cohérence à l’ensemble, en regroupant les artistes par affinités de genre, mais toujours conservant un effet de surprise.

Pour Raphaël Dumont, programmateur du festival Récif 2026, « ça reste avant tout un événement voué aux musiques curieuses, au-delà d’être un festival de jazz ».

Débarrassé des étiquettes, le jazz n’est donc plus seulement un genre, mais plutôt un continuum qui embrasse le large spectre des musiques improvisées, en droite ligne de ce que le Périscope défend à l’année.

Il y a quelque chose de beau à les voir tenir ce cap, surtout quand on pense aux petites salles chez nous qui ferment les unes après les autres depuis quelques années… Et cerise sur le gâteau, le public est au rendez-vous. Selon Raphaël Dumont, l’édition 2026 est un succès, avec plusieurs soirées à guichet fermé. Qui dit que les musiques actuelles sont seulement l’affaire de quelques mélomanes endurcis?

Nina Garcia (14/04)

Arrivé au Périscope la fleur au fusil, sans trop connaître les artistes au programme de cette première soirée, j’aperçois une guitare électrique trônant seule sur les planches de la petite scène de l’espace central, entourée de pédales d’effets. Tout de suite l’impression que la soirée s’annonce riche en surprises, ce que confirme quelques instants plus tard l’entrée en scène de la guitariste Nina Garcia. Exit les accords et mélodies traditionnellement associés à la guitare solo. La musicienne fait plutôt surgir un monde sonore brut et abrasif, quelque part entre minimalisme, noise et drone.

C’est fou tout ce qu’on peut tirer d’une guitare et de quelques pédales. Les effets ne sont jamais un simple gadget, prolongeant plutôt la palette sonore de l’instrument. Nina Garcia joue avec l’attaque, le feedback, les micros, les frottements, comme si chaque détail devenait matière musicale. On pense par moments à certains radicaux de la guitare expérimentale comme Marc Ribot et Fred Frith, en passant par les paysages abrasifs de Keiji Haino ou Oren Ambarchi. Un choix particulièrement audacieux pour ouvrir un festival de jazz, devant un public qui ne s’attendait visiblement pas à ce choc quantique.

De Mond (14/04)

La soirée se poursuit dans la grande salle du Périscope avec De Mond, un duo bruxellois formé de Stijn Wybouw (voix, effets, percussions) et Arno de Bock (effets, batterie), qui prolonge, à sa façon, l’atmosphère post-apocalyptique installée par Nina Garcia. Ici encore, on est loin du jazz traditionnel. La musique avance par boucles, feedbacks de voix, échos et montées rythmiques, comme une transe où tout menace constamment de déborder.

Le batteur impressionne particulièrement par son jeu libre et très souple, capable de maintenir une tension rythmique tout en donnant l’impression de flotter hors du tempo. Puis, à mi-parcours, le duo bifurque sur un rythme trap porté par de bon vieux samples de style 808, comme si la charpente musicale du set se mettait soudainement à groover. La finale arrive un peu abruptement, laissant l’impression d’un set volontairement instable.

Zu (14/04)

Le trio italien Zu prend ensuite le relais, parachevant la descente vers les derniers retranchements du jazz dans une déferlante de riffs massifs et de polyrythmies à réveiller les morts. Dès les premières minutes, le sax baryton de Luca Tommaso Mai prend des airs de corne de brume sortie des enfers, porté par les rythmes millimétrés du batteur Tomas Järmyr et la basse de Massimo Pupillo. Les musiciens naviguent à la croisée du rock psychédélique et du métal industriel, comme si Colin Stetson se retrouvait soudainement épaulé par Tool ou Rammstein. On perçoit également une filiation évidente avec les assauts math-metal des colosses suédois de Meshuggah et les climats sombres de Goblin, figure culte de la riche tradition prog-rock italienne, une filiation qui s’impose avec évidence. Bref, une première soirée aussi brutale qu’audacieuse.

photo : Noise Injection

Manon Mullener Trio (16/04)

Ma deuxième soirée au festival Récif 2026 prend un virage nettement plus traditionnel que la précédente. Après une première partie assurée par le duo Claire Besson à la guitare et Hugo Diaz au saxophone, que je manque malheureusement, j’arrive à temps pour le Manon Mullener Trio qui fait aussitôt basculer le Périscope dans une ambiance latine. Au terme d’un simple « one, two, one, two, three… » entonné par la pianiste, les corps s’animent, les sourires apparaissent et l’énergie contagieuse du trio envahit la salle, quelque part entre jazz cubain, hard bop et mélodies suisses, pays d’origine de la pianiste.

Le groupe enchaîne avec de belles ballades aux mélodies accrocheuses, toujours traversées par cette fibre latine en toile de fond. Un morceau aux airs de tango offre à l’excellent bassiste Rodrigo Aravena l’occasion de se lancer dans une improvisation libre et bien sentie, avant que le frère de la pianiste, Lucien Mullener, autre grand moteur du trio, ne prenne la balle au bond avec un furieux solo de batterie. La performance est somme toute chaleureuse et très virtuose, même si les musiciens semblent parfois retenir leur élan, là où l’on aurait aimé les voir souffler davantage sur les braises.

Fœhn (16/04)

Changement complet de registre avec le trio français Fœhn, alors que le piano cède la place à une flopée de synthés et que les sonorités acoustiques et électroniques commencent à s’entremêler. Le groupe navigue entre jazz, pop, drum and bass et textures plus cinématographiques, quelque part dans l’esprit d’un Bill Laurance aux accents french touch. La section rythmique composée du bassiste Cyril Billot et du batteur Kevin Borquéal excelle, ancrant les morceaux dans un groove souple, pendant que la très large palette sonore du claviériste Christophe Waldner ouvre de larges espaces mélodiques.

Le set connaît de très beaux moments de pure folie, mais aussi des passages plus suspendus, comme sur Winter in Yokohama, où l’ambiance ralentie révèle toute la qualité des interactions entre les musiciens. L’arrivée de la chanteuse Fleur Worku apporte un vrai supplément d’âme avec sa voix planante qui s’intègre parfaitement aux textures du groupe et nous transporte. Sur Find Your Way, plus animée, cette union fonctionne toujours aussi bien, confirmant que Fœhn gagne vraiment en ampleur dès qu’une voix vient se poser sur ses grandioses constructions instrumentales. Le groupe sait faire monter les tensions, construire des crescendos efficaces et doser intelligemment ses influences. À découvrir.

Un festival appelé à grandir

Ce sont malheureusement les deux seules soirées auxquelles j’ai pu assister cette année, même si d’excellents échos me sont revenus des deux dernières, qui mettaient notamment en scène le génial rappeur Grems et la jeune formation parisienne en pleine ascension AMG.

De quoi conclure une troisième édition fort réussie de Récif, même si Raphaël Dumont me confiait en entrevue que l’événement avait subi une petite cure minceur par rapport aux années précédentes.

« Le format est un peu réduit cette année, mais le squelette demeure le même ».

Le résultat : moins de concerts hors les murs, un plan de communication réduit, pas de conférences, et moins de gratuités. Un mal nécessaire dans un contexte de plus en plus difficile pour les petits festivals. « Tout est plus compliqué au niveau budgétaire depuis deux ans, et ça a tendance à être de pire en pire », ajoute le programmateur qui se demande comment préserver un festival qu’il juge moteur pour le Périscope, mais en gardant à l’esprit que le cœur de son activité demeure avant tout celui d’une salle de concert.

Mais tout n’est pas sombre à l’horizon de Récif qui reprend en quelque sorte, par son identité distincte et la force de sa programmation, le flambeau d’À Vault Jazz, le défunt festival qui a laissé un grand vide dans le paysage lyonnais suite à sa disparition en 2019. Raphaël Dumont rappelle aussi avec justesse que Récif demeure somme toute un festival relativement jeune, qui saura sans nul doute affiner encore davantage son identité au fil des prochaines années. Sur ce, avis aux mélomanes de passage à Lyon : n’hésitez pas une seule seconde à découvrir cette formidable vitrine des scènes jazz actuelles en France, comme ailleurs en Europe.

Festival Récif 2026

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Le Périscope de Lyon

photo d’entête d’article : Paul Bourdrel

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est un guitariste formé en musicologie à l’Université de Montréal. Son parcours reflète un intérêt profond pour le jazz, la musique contemporaine et les croisements entre musique et urbanité. Après plusieurs années passées à œuvrer dans le milieu culturel, il se consacre désormais à l’urbanisme, tout en continuant de prendre la scène au sein de divers ensembles. Vous pouvez le retrouver ici toutes les deux semaines dans ses critiques d’albums où il explore les nouvelles formes du jazz contemporain. Pour voir toutes ses chroniques, c’est ici

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Avec Franky Freedom II (2026), le batteur et producteur François Laliberté signe un deuxième album particulièrement ambitieux, proposant une fusion à la croisée du jazz contemporain et d’un large spectre de musiques électroniques. En concert de lancement le 29 mai @ la Sotterenea.

Entouré d’une pléiade de musicien·nes de très haut calibre : Robin Mullarkey, Evan Marien et Mark Lettieri

Entouré d’une pléiade de musicien·nes de très haut calibre, incluant Robin Mullarkey (Jacob Collier, Steven Wilson), Evan Marien (Tigran Hamasyan, Wayne Krantz) et Mark Lettieri (Snarky Puppy), le batteur évite habilement l’effet vitrine, la proposition musicale tenant avant tout par la cohérence de sa vision. Laliberté semble avoir trouvé la recette d’une fusion réussie, capable de traverser les genres sans tomber dans l’excès ni la démonstration gratuite.

FFII, D&B DTGF  – mélodies planantes, batterie furieusement funky

Après une courte intro vaguement holdsworthienne, FFII donne le coup d’envoi avec un condensé de tout ce que l’album a à offrir : mélodies planantes, batterie furieusement groovy, basse chirurgicale, synthés enveloppants. L’ensemble avance avec momentum et finesse, donnant immédiatement envie de monter le son. D&B DTGF prolonge cette lancée en accentuant le côté électro, avec des couleurs EDM, lo-fi, voire même dubstep par moments. Guillaume Carpentier s’en donne à cœur joie, livrant un solo de saxophone fougueux sur une trame rythmique survoltée et très détaillée, mettant en valeur la production particulièrement léchée.

Like a Dream, Kyosai, For Ralph 

La voix de Mel Pacifico charme d’emblée sur Like a Dream, portée par la guitare funky et millimétrée de Mark Lettieri. L’ensemble flirte avec une future funk rêveuse, enrichie d’harmonies vocales soignées et d’un groove qui ne lâche jamais le morceau. Kyosai vient créer un contraste intéressant avec la guitare angulaire et nerveuse de Lorenzo Ceci, sur un rythme fortement syncopé, alors que la voix de Mel Pacifico s’y fond avec naturel. Puis For Ralph met le bassiste Gary Willis à l’avant-plan avec un son solo de basse sans frettes passant d’un lyrisme fluide et contemplatif à une finale explosive.

Closer, OUI, Popcorn, Moment

La dernière partie de l’album s’ouvre avec Closer, qui offre enfin à François Laliberté l’espace nécessaire pour ouvrir les vannes le temps d’un break de batterie ravageur, aussitôt relayé par un autre superbe solo de Gary Willis. Plus loin, OUI met de l’avant le saxophoniste Julien Fillion sur une pièce courte mais chargée à bloc, tout en creusant davantage le côté électro de l’album avec des textures plus lourdes et saturées. Popcorn emprunte ensuite une voie plus pop, portée avec aplomb par la voix puissante de Léonie Gray, avant que Moment ne vienne clore l’album sans grande pompe, presque en suspension.

Franky Freedom II – un régal du début à la fin

Un régal du début à la fin, Franky Freedom II (2026) impressionne autant par l’assurance que par la maturité de la vision de François Laliberté, sans compter les performances de très haut vol d’une impressionnante brochette d’artistes invités. Un album qui possède tout ce qu’il faut pour trouver son public bien au-delà du seul cercle des amateur·rices de jazz, ce qui est déjà en soi une réussite.

Dans la foulée des récents projets d’artistes comme Carl Mayotte, Julien Fillion et Rémi Cormier, voire Angine de Poitrine si on élargit quelque peu le scope, la scène musicale québécoise apparaît aujourd’hui en excellente posture sur le terrain créatif.

1. FFII (mettant en vedette Gary Willis) / Gary Willis (basse), Loik Martin (guitare), Guillaume Carpentier (saxophone)
2. D&B DTGF (mettant en vedette Guillaume Carpentier) / Robin Mullarkey (basse), Guillaume Carpentier (saxophone), Loik Martin (guitare).
3. Like a Dream (mettant en vedette Mark Lettieri et Mel Pacifico) / Mark Lettieri (guitare), Mel Pacifico (voix & co-écriture), Robin Mullarkey (basse).
4. Kyosai (mettant en vedette Mel Pacifico et Lorenzo Ceci) / Mel Pacifico (voix), Lorenzo Ceci (guitare), Robin Mullarkey (basse).
5. For Ralph (mettant en vedette Gary Willis) / Gary Willis (basse), Guillaume Carpentier (saxophone), Loik Martin (guitare).
6. Closer (mettant en vedette Evan Marien et Mel Pacifico) / Evan Marien (basse), Mel Pacifico (voix & co-écriture), Johan Modrin (guitare).
7. OUI (mettant en vedette Julien Fillion) / Julien Fillion (saxophone), Robin Mullarkey (basse).
8. Popcorn (mettant en vedette Léonie Gray) / Léonie Gray (voix & écriture), Johan Modrin (guitare), Robin Mullarkey (basse).
9. Cowabunga / Johan Modrin (guitare), Robin Mullarkey (basse).
10. Moment (mettant en vedette Mel Pacifico) / Mel Pacifico (voix & co-écriture), Robin Mullarkey (basse).

Franky Freedom II (2026)

François Laliberté – batterie, compositions / réalisation
Mel Pacifico – voix
Guillaume Carpentier – saxophone
Gabrielle Gélinas – basse
Loik Martin – guitare
Mark Lettieri – guitare (invité spécial)

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Franky Freedom II – concert de lancement : vendredi 29 mai 19 h 30 @ Sotterenea – 4848 St-Laurent

Un concert de lancement est prévu le 29 mai @ Sotterenea avec Mel Pacifico (voix), Guillaume Carpentier (sax), Gabrielle Gélinas (basse), Loik Martin (guitare) et son invité spécial Mark Lettieri (guitare). Ce concert sera d’ailleurs un plateau double avec Franky Freedom en 1e et le Mark Lettieri Group (Snarky Puppy) en 2e.

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Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Crédit photo : Oli Campeau

Louis Cole – Quality over Opinion (2022)

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Deuxième volet du projet Side-Eye amorcé en 2021, Side-Eye III+ (2026) confirme la longévité de Pat Metheny, un monument de la guitare jazz qui, malgré les années, demeure d’une vivacité créative impressionnante et pleinement ancré dans son temps.

Side-Eye III+ – une sythèse ambitieuse entre l’héritage immédiatement reconnaissable de Pat Metheny et une palette sonore élargie

Misant sur la collaboration avec une nouvelle génération de musiciens, le projet voit Pat Metheny évoluer en trio aux côtés du claviériste Chris Fishman et du batteur Joe Dyson, ainsi qu’une quinzaine d’invités dont la harpiste Brandee Younger et un ensemble vocal dirigé par Mark Kibble. Publié sur sa propre étiquette Uniquity Music, l’album mise sur une synthèse ambitieuse entre l’héritage immédiatement reconnaissable du Pat Metheny Group, et une palette sonore élargie mêlant jazz, gospel, textures orchestrales et électros.

In On It, Don’t Look Down

Dès les premières mesures de In On It, la patte du guitariste s’impose avec des lignes de guitare aériennes et une dynamique rythmique fluide portée par Joe Dyson et le percussionniste Luis Conte. La pièce évolue par contrastes, alternant moments suspendus et montées d’intensité, tout comme Don’t Look Down qui prolonge cette esthétique proche des grandes heures du Pat Metheny Group. L’ensemble gagne même par moment une dimension quasi symphonique, où les textures vocales et électros créent une impression d’élévation continue, tout en conservant un ancrage évident dans l’univers du guitariste.

Make a New World, Urban and Western et SE-O

Mais le cœur de l’album repose sur un minutieux travail rythmique et textural, comme sur Make a New World avec ses longs développements où improvisation et écriture se répondent. À l’inverse, Urban and Western et SE-O tirent pleinement parti de l’énergie collective avec ses grooves bluesy, orgue Hammond et envolées gospel qui insufflent une énergie nouvelle au jeu du guitariste. Le batteur Joe Dyson s’y distingue particulièrement avec son jeu rythmique souple et réactif qui permet à la guitare de naviguer librement entre tension et relâchement.

Our Old Street, So Far So Good

Les moments plus introspectifs, comme Our Old Street ou So Far So Good, révèlent une autre facette du projet avec la guitare acoustique qui installe une atmosphère plus contemplative, subtilement enrichie par la harpe et les nappes vocales. Pourtant, malgré la richesse des différents timbres apportés par les musiciens invités, plusieurs instruments demeurent discrets dans l’ensemble, voire sous-exploités. Certains ou certaines verront d’ailleurs une contradiction entre cet élan collectif revendiqué par Side-Eye III+ (2026) et la présence dominante de Pat Metheny.

Malgré cela, l’album n’en reste pas moins extrêmement abouti, confirmant la vitalité d’un artiste toujours en quête de renouvellement, sans jamais renier son identité.

Pat Metheny – guitare
Chris Fishman – claviers
Joe Dyson – batterie
Daryl Johns – basse
Brandee Younger – harpe
Luis Conte – percussions
Vincent Peirani – accordéon

Ensemble vocal – direction Mark Kibble

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Pat Metheny – Side-Eye NYC (V1.IV)

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Paru le 6 mars dernier, le quatrième album solo du brillant bassiste et compositeur Carl Mayotte prolonge son ancrage dans le jazz fusion, tout en affirmant une palette musicale plus personnelle et définie. Porté par des arrangements léchés et des performances musicales de haut vol, Claude (2026) nous plonge dans un voyage intime et touchant, traversé par les thèmes du deuil et de la reconstruction. Un concert de lancement aura lieu @ Lion d’Or le 3 avril.

Claude (2026) – 7 nouveau titres

De retour d’une tournée dans l’Ouest canadien, qui sera bientôt prolongée au Québec et en Europe, le bassiste livre sept nouveaux titres où métriques irrégulières, harmonies complexes et solos vertigineux s’articulent avec une étonnante fluidité. Entouré de ses complices de toujours, Stéphane Chamberland (batterie), Damien-Jade Cyr (saxophones, claviers), Gabriel Cyr (guitare) et Francis Grégoire (claviers), le bassiste livre un album d’une grande sensibilité, entre ombre et lumière.

Loretteville, Comment te dire adieu

L’album s’ouvre sur Loretteville, entrée en la matière rafraîchissante aux mélodies angulaires finement réparties entre guitare, saxophone et synthétiseurs, révélant les talents d’arrangeur du bassiste. La pièce bifurque vers un segment prog-rock aux distants accents de Tribal Tech, porté par un furieux solo de Damien-Jade Cyr, avant de se poser sur un superbe solo de basse. Comment te dire adieu prolonge cette émotion avec de très beaux enchaînements d’accords mêlant des influences jazz, pop et indie, le tout culminant sur un solo de guitare particulièrement bien senti.

Studio 56, London Underground, 4 novembre

Avec Studio 56, les musiciens installent une ambiance plus douce et tamisée, qui démarre sur un solo de basse mélancolique et monte peu à peu en intensité, jusqu’à un solo de guitare virtuose mais jamais excessif. London Underground revisite des codes plus classiques de la fusion, tout en conservant la patte de Carl Mayotte dans ses textures et ses dynamiques. La ballade 4 novembre apporte quant à elle un beau contraste en mi-parcours d’album, avec ses rythmes ternaires contemplatifs et aériens.

La leçon, Claude

Les deux dernières pièces de Claude (2026) explorent des couleurs quelque peu différentes, à commencer par La leçon qui rappelle l’affinité de Mayotte pour le registre latin, qu’il a déjà abordé sur Carnaval (2023), ainsi que sur TRE (2023) du guitariste Rodrigo Simoes. Enfin, la pièce éponyme clôt l’album en véritable ode au rock des années 1970, nourrie de l’énergie de Hendrix à travers de fantastiques envolées de guitare et d’orgue. Ce final à la fois puissant et chargé d’émotion scelle un album riche et parfaitement exécuté, confirmant l’évolution d’un artiste qu’on prend plaisir à entendre trouver sa voie, album après album.

Carl Mayotte – basse, guitare, effets, compositions
Gabriel Cyr – guitares
Francis Grégoire – claviers
Damien-Jade Cyr – saxophones, flûte et percussions auxiliaires
Stéphane Chamberland – batterie

Loretteville / Comme te dire adieu / Studio 56 / London Underground / 4 novembre / La leçon / Claude

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Carl Mayotte lance Claude (2026) @ Lion d’Or (3 avril)

Cabaret Lion d’Or
1676, rue Ontario Est,
Montréal, QC

Vendredi 3 avril 2026 @ 20 h
ouverture des portes : 19 h
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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Carl Mayotte lance Claude (2026) @ Lion d’Or (3 avril)

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Nouvel album du trompettiste et compositeur Rémi Cormier, Rich State of Mind (2026) confirme l’ascension d’une des voix les plus talentueuses de la relève jazz du Québec.

Connu pour son travail au sein de la redoutable machine à groove The Liquor Store, Rémi Cormier signe une deuxième parution dans la continuité stylistique de Glimpse (2023), excellent album qui lui avait d’ailleurs valu d’être sacré Révélation jazz Radio-Canada.

Toujours à la croisée du jazz et du hip-hop, mais sans jamais perdre sa touche personnelle, le jeune trompettiste s’est entouré d’un groupe solide avec Levi Dover à la basse, Theo Abellard au piano, Louis-Vincent Hamel à la batterie, Elli Miller-Maboungou aux percussions, Nick Di Giovanni à la guitare et Jennifer-Lee Dupuys au chant. La complicité entre les musiciens saute aux oreilles, chacun et chacune privilégiant le sens du collectif à la démonstration.

Jenny – feutrée et intimiste

L’album s’ouvre sur Jenny, installant d’emblée une atmosphère feutrée et intimiste, à travers laquelle la trompette de Rémi Cormier nous guide comme une lueur dans la brume. En arrière-plan, les nappes vocales de Jennifer-Lee Dupuys enveloppent délicatement la mélodie et ajoutent de la profondeur. Le saxophoniste invité Braxton Cook intervient ensuite avec un solo intense et lumineux, qui contraste par son énergie tout en s’intégrant parfaitement dans la continuité stylistique éthérée du morceau. Reciprocate prolonge cette ambiance, mais sur une rythmique plus animée qui élargit le spectre de la pièce. Le trompettiste y livre un solo particulièrement expressif qui brille par la fluidité du phrasé et son sens mélodique très cinématique.

Zami – un territoire plus groovy

Avec Zami, l’album bascule vers un territoire plus groovy, porté par un beat hip-hop souple et des textures vocales et synthétiques qui créent une impression simultanée de proximité et de grandeur, un jeu de textures qui souligne aussi la production particulièrement léchée signée par le trompettiste. Le guitariste Nick Di Giovanni signe un solo démonstratif, sans jamais devenir racoleur, dont le contrôle et le sens du phrasé confèrent un « swag » caractéristique de l’univers de Rémi Cormier. Le pianiste Theo Abellard prend ensuite le relais dans une énergie similaire, le tout marquant sans conteste un des meilleurs moments de l’album.

Linéage – avec David Binney

La pièce suivante, Linéage, change sensiblement la palette sonore avec ses pulsations électro et ses pads, évoquant par moments l’esthétique EDM. Après un joli passage à l’unisson entre la trompette et le saxophone, le second saxophoniste invité, David Binney, s’empare de l’espace pour y mettre le feu avec un solo qui se construit progressivement jusqu’à de vertigineuses envolées.

Une seconde moitié de Rich State of Mind (2026) révèle d’autres facettes de l’écriture

La seconde moitié du disque révèle d’autres facettes de l’écriture de Rémi Cormier. Morceau mid-tempo teinté de mélancolie, Volition met d’abord en lumière le bassiste Levi Dover dans un solo lyrique et parfaitement articulé, avant que la trompette ne fasse progressivement monter la tension avec élégance. Avec Comforting Lies, l’album fait un bref détour en terrain plus traditionnel, le batteur installant un swing solide qui sert d’assise aux lignes post-bop affirmées du pianiste et du trompettiste.

Après un bref et magnifique interlude interprété par le guitariste, Unbothered ramène l’énergie du groupe sur un groove lumineux, avant d’enchaîner avec Famli. Portée par des nappes de synthé ondoyantes et une rythmique ternaire hypnotique, la trompette y trace une conclusion sobre et majestueuse.

« If you take care of the music, it will take care of you. » Cette citation de Roy Hargrove qui introduit Famli semble parfaitement encapsuler l’impression que laisse Rich State of Mind (2026) après écoute. Si Rémi Cormier prend déjà grand soin de sa musique, celle-ci commence visiblement à le lui rendre.

Jenny (avec Braxton Cook) / Reciprocate / Zami / Linéage (avec David Binney) / Volition / Comforting Lies / Interlude / Unbothered / Famli

Rémi Cormier – trompette et compositions
Nick Di Giovanni – guitare
Jennifer-Lee Dupuys – voix
Theo Abellard – piano
Levi Dover – basse
Louis-Vincent Hamel – batterie
Elli Miller-Maboungou – percussions

réalisateurs : Rémi Cormier, Joey Reda
ingénieur du son : Joey Reda
mixage : Eric Plante
mastering : Le Lab Mastering

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Un concert de lancement aura lieu mardi le 21 avril @ Cabaret Chic Le Balcon

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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