Deuxième volet du projet Side-Eye amorcé en 2021, Side-Eye III+ (2026) confirme la longévité de Pat Metheny, un monument de la guitare jazz qui, malgré les années, demeure d’une vivacité créative impressionnante et pleinement ancré dans son temps.

Side-Eye III+ – une sythèse ambitieuse entre l’héritage immédiatement reconnaissable de Pat Metheny et une palette sonore élargie

Misant sur la collaboration avec une nouvelle génération de musiciens, le projet voit Pat Metheny évoluer en trio aux côtés du claviériste Chris Fishman et du batteur Joe Dyson, ainsi qu’une quinzaine d’invités dont la harpiste Brandee Younger et un ensemble vocal dirigé par Mark Kibble. Publié sur sa propre étiquette Uniquity Music, l’album mise sur une synthèse ambitieuse entre l’héritage immédiatement reconnaissable du Pat Metheny Group, et une palette sonore élargie mêlant jazz, gospel, textures orchestrales et électros.

In On It, Don’t Look Down

Dès les premières mesures de In On It, la patte du guitariste s’impose avec des lignes de guitare aériennes et une dynamique rythmique fluide portée par Joe Dyson et le percussionniste Luis Conte. La pièce évolue par contrastes, alternant moments suspendus et montées d’intensité, tout comme Don’t Look Down qui prolonge cette esthétique proche des grandes heures du Pat Metheny Group. L’ensemble gagne même par moment une dimension quasi symphonique, où les textures vocales et électros créent une impression d’élévation continue, tout en conservant un ancrage évident dans l’univers du guitariste.

Make a New World, Urban and Western et SE-O

Mais le cœur de l’album repose sur un minutieux travail rythmique et textural, comme sur Make a New World avec ses longs développements où improvisation et écriture se répondent. À l’inverse, Urban and Western et SE-O tirent pleinement parti de l’énergie collective avec ses grooves bluesy, orgue Hammond et envolées gospel qui insufflent une énergie nouvelle au jeu du guitariste. Le batteur Joe Dyson s’y distingue particulièrement avec son jeu rythmique souple et réactif qui permet à la guitare de naviguer librement entre tension et relâchement.

Our Old Street, So Far So Good

Les moments plus introspectifs, comme Our Old Street ou So Far So Good, révèlent une autre facette du projet avec la guitare acoustique qui installe une atmosphère plus contemplative, subtilement enrichie par la harpe et les nappes vocales. Pourtant, malgré la richesse des différents timbres apportés par les musiciens invités, plusieurs instruments demeurent discrets dans l’ensemble, voire sous-exploités. Certains ou certaines verront d’ailleurs une contradiction entre cet élan collectif revendiqué par Side-Eye III+ (2026) et la présence dominante de Pat Metheny.

Malgré cela, l’album n’en reste pas moins extrêmement abouti, confirmant la vitalité d’un artiste toujours en quête de renouvellement, sans jamais renier son identité.

Pat Metheny – guitare
Chris Fishman – claviers
Joe Dyson – batterie
Daryl Johns – basse
Brandee Younger – harpe
Luis Conte – percussions
Vincent Peirani – accordéon

Ensemble vocal – direction Mark Kibble

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Pat Metheny – Side-Eye NYC (V1.IV)

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Paru le 6 mars dernier, le quatrième album solo du brillant bassiste et compositeur Carl Mayotte prolonge son ancrage dans le jazz fusion, tout en affirmant une palette musicale plus personnelle et définie. Porté par des arrangements léchés et des performances musicales de haut vol, Claude (2026) nous plonge dans un voyage intime et touchant, traversé par les thèmes du deuil et de la reconstruction. Un concert de lancement aura lieu @ Lion d’Or le 3 avril.

Claude (2026) – 7 nouveau titres

De retour d’une tournée dans l’Ouest canadien, qui sera bientôt prolongée au Québec et en Europe, le bassiste livre sept nouveaux titres où métriques irrégulières, harmonies complexes et solos vertigineux s’articulent avec une étonnante fluidité. Entouré de ses complices de toujours, Stéphane Chamberland (batterie), Damien-Jade Cyr (saxophones, claviers), Gabriel Cyr (guitare) et Francis Grégoire (claviers), le bassiste livre un album d’une grande sensibilité, entre ombre et lumière.

Loretteville, Comment te dire adieu

L’album s’ouvre sur Loretteville, entrée en la matière rafraîchissante aux mélodies angulaires finement réparties entre guitare, saxophone et synthétiseurs, révélant les talents d’arrangeur du bassiste. La pièce bifurque vers un segment prog-rock aux distants accents de Tribal Tech, porté par un furieux solo de Damien-Jade Cyr, avant de se poser sur un superbe solo de basse. Comment te dire adieu prolonge cette émotion avec de très beaux enchaînements d’accords mêlant des influences jazz, pop et indie, le tout culminant sur un solo de guitare particulièrement bien senti.

Studio 56, London Underground, 4 novembre

Avec Studio 56, les musiciens installent une ambiance plus douce et tamisée, qui démarre sur un solo de basse mélancolique et monte peu à peu en intensité, jusqu’à un solo de guitare virtuose mais jamais excessif. London Underground revisite des codes plus classiques de la fusion, tout en conservant la patte de Carl Mayotte dans ses textures et ses dynamiques. La ballade 4 novembre apporte quant à elle un beau contraste en mi-parcours d’album, avec ses rythmes ternaires contemplatifs et aériens.

La leçon, Claude

Les deux dernières pièces de Claude (2026) explorent des couleurs quelque peu différentes, à commencer par La leçon qui rappelle l’affinité de Mayotte pour le registre latin, qu’il a déjà abordé sur Carnaval (2023), ainsi que sur TRE (2023) du guitariste Rodrigo Simoes. Enfin, la pièce éponyme clôt l’album en véritable ode au rock des années 1970, nourrie de l’énergie de Hendrix à travers de fantastiques envolées de guitare et d’orgue. Ce final à la fois puissant et chargé d’émotion scelle un album riche et parfaitement exécuté, confirmant l’évolution d’un artiste qu’on prend plaisir à entendre trouver sa voie, album après album.

Carl Mayotte – basse, guitare, effets, compositions
Gabriel Cyr – guitares
Francis Grégoire – claviers
Damien-Jade Cyr – saxophones, flûte et percussions auxiliaires
Stéphane Chamberland – batterie

Loretteville / Comme te dire adieu / Studio 56 / London Underground / 4 novembre / La leçon / Claude

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sur toutes les plateformes

Carl Mayotte lance Claude (2026) @ Lion d’Or (3 avril)

Cabaret Lion d’Or
1676, rue Ontario Est,
Montréal, QC

Vendredi 3 avril 2026 @ 20 h
ouverture des portes : 19 h
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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

Carl Mayotte lance Claude (2026) @ Lion d’Or (3 avril)

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Nouvel album du trompettiste et compositeur Rémi Cormier, Rich State of Mind (2026) confirme l’ascension d’une des voix les plus talentueuses de la relève jazz du Québec.

Connu pour son travail au sein de la redoutable machine à groove The Liquor Store, Rémi Cormier signe une deuxième parution dans la continuité stylistique de Glimpse (2023), excellent album qui lui avait d’ailleurs valu d’être sacré Révélation jazz Radio-Canada.

Toujours à la croisée du jazz et du hip-hop, mais sans jamais perdre sa touche personnelle, le jeune trompettiste s’est entouré d’un groupe solide avec Levi Dover à la basse, Theo Abellard au piano, Louis-Vincent Hamel à la batterie, Elli Miller-Maboungou aux percussions, Nick Di Giovanni à la guitare et Jennifer-Lee Dupuys au chant. La complicité entre les musiciens saute aux oreilles, chacun et chacune privilégiant le sens du collectif à la démonstration.

Jenny – feutrée et intimiste

L’album s’ouvre sur Jenny, installant d’emblée une atmosphère feutrée et intimiste, à travers laquelle la trompette de Rémi Cormier nous guide comme une lueur dans la brume. En arrière-plan, les nappes vocales de Jennifer-Lee Dupuys enveloppent délicatement la mélodie et ajoutent de la profondeur. Le saxophoniste invité Braxton Cook intervient ensuite avec un solo intense et lumineux, qui contraste par son énergie tout en s’intégrant parfaitement dans la continuité stylistique éthérée du morceau. Reciprocate prolonge cette ambiance, mais sur une rythmique plus animée qui élargit le spectre de la pièce. Le trompettiste y livre un solo particulièrement expressif qui brille par la fluidité du phrasé et son sens mélodique très cinématique.

Zami – un territoire plus groovy

Avec Zami, l’album bascule vers un territoire plus groovy, porté par un beat hip-hop souple et des textures vocales et synthétiques qui créent une impression simultanée de proximité et de grandeur, un jeu de textures qui souligne aussi la production particulièrement léchée signée par le trompettiste. Le guitariste Nick Di Giovanni signe un solo démonstratif, sans jamais devenir racoleur, dont le contrôle et le sens du phrasé confèrent un « swag » caractéristique de l’univers de Rémi Cormier. Le pianiste Theo Abellard prend ensuite le relais dans une énergie similaire, le tout marquant sans conteste un des meilleurs moments de l’album.

Linéage – avec David Binney

La pièce suivante, Linéage, change sensiblement la palette sonore avec ses pulsations électro et ses pads, évoquant par moments l’esthétique EDM. Après un joli passage à l’unisson entre la trompette et le saxophone, le second saxophoniste invité, David Binney, s’empare de l’espace pour y mettre le feu avec un solo qui se construit progressivement jusqu’à de vertigineuses envolées.

Une seconde moitié de Rich State of Mind (2026) révèle d’autres facettes de l’écriture

La seconde moitié du disque révèle d’autres facettes de l’écriture de Rémi Cormier. Morceau mid-tempo teinté de mélancolie, Volition met d’abord en lumière le bassiste Levi Dover dans un solo lyrique et parfaitement articulé, avant que la trompette ne fasse progressivement monter la tension avec élégance. Avec Comforting Lies, l’album fait un bref détour en terrain plus traditionnel, le batteur installant un swing solide qui sert d’assise aux lignes post-bop affirmées du pianiste et du trompettiste.

Après un bref et magnifique interlude interprété par le guitariste, Unbothered ramène l’énergie du groupe sur un groove lumineux, avant d’enchaîner avec Famli. Portée par des nappes de synthé ondoyantes et une rythmique ternaire hypnotique, la trompette y trace une conclusion sobre et majestueuse.

« If you take care of the music, it will take care of you. » Cette citation de Roy Hargrove qui introduit Famli semble parfaitement encapsuler l’impression que laisse Rich State of Mind (2026) après écoute. Si Rémi Cormier prend déjà grand soin de sa musique, celle-ci commence visiblement à le lui rendre.

Jenny (avec Braxton Cook) / Reciprocate / Zami / Linéage (avec David Binney) / Volition / Comforting Lies / Interlude / Unbothered / Famli

Rémi Cormier – trompette et compositions
Nick Di Giovanni – guitare
Jennifer-Lee Dupuys – voix
Theo Abellard – piano
Levi Dover – basse
Louis-Vincent Hamel – batterie
Elli Miller-Maboungou – percussions

réalisateurs : Rémi Cormier, Joey Reda
ingénieur du son : Joey Reda
mixage : Eric Plante
mastering : Le Lab Mastering

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Un concert de lancement aura lieu mardi le 21 avril @ Cabaret Chic Le Balcon

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Chaque deux semaines il nous propose un album.

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Formidable improvisateur qui défie les étiquettes, Tigran Hamasyan prolonge avec Manifeste (2026) une démarche artistique affranchie des carcans stylistiques. Pianiste virtuose et compositeur visionnaire, il entremêle jazz, rock progressif, musiques électroniques et traditions arméniennes au fil de quatorze nouveaux titres conçus comme une suite spirituelle.

Manifeste (2026) – une musique à vivre comme un rituel

Enregistré entre 2023 et 2025, Manifeste (2026) rassemble un large ensemble incluant section rythmique redoutable, chœur et instruments folkloriques, déployant une vaste palette de couleurs et de dynamiques propres à l’univers singulier du pianiste. Une musique à vivre comme un rituel, traversée par les thèmes de l’identité, de la mémoire et de la transformation intérieure.

Prelude for All Seekers condense déjà l’esthétique de l’album

L’ouverture, Prelude for All Seekers, condense déjà l’esthétique de l’album avec ses motifs répétitifs au piano et sa pulsation insistante, oscillant entre contemplation et déferlement rythmique. Yerevan Sunrise prolonge cette tension en jouant sur une mélodie fragmentée et portée par un balancement rythmique instable, avant que n’entre en scène une basse électrique massive. Le jeu du pianiste est tantôt percutant, tantôt chantant, tandis que ses sifflements et vocalises introduisent une dimension humaine et fragile, le tout s’inscrivant dans une quête éminemment introspective.

D’autres pièces affirment une atmosphère plus méditative, comme One Body, One Blood

D’autres pièces affirment une atmosphère plus méditative, comme One Body, One Blood avec ses nappes vocales hantées, presque liturgiques, qui évoluent vers une énergie plus vive sans jamais perdre en gravité. Seven Sorrows baigne dans une atmosphère sombre et suspendue, où textures électroniques et improvisation pianistique dialoguent avec élégance. Les pièces dédiées, comme Years Passing (For Akram) ou A Window from One Heart to Another (For Rumi), ouvrent quant à elles un espace plus intime avec leur instrumentation traditionnelle, tissant des ponts entre traditions arméniennes, mystique soufie et jazz contemporain.

Manifeste (2026) s’achève avec National Repentance Anthem

À l’inverse, Tigran Hamasyan assume également une esthétique plus abrasive sur des pièces comme Dardahan, Ultradance ou A Eye (The Digital Leviathan), où rythmiques complexes, basse et batterie quasi métal exacerbent la tension. L’album s’achève avec National Repentance Anthem, pièce solennelle portée par un chœur de chambre, où piano épuré et harmonies graves concluent l’album sur une note de recueillement.

Exigeant et très dense, Manifeste (2026) ne cède jamais à la facilité, mais offre à qui prend le temps une expérience profondément immersive et cathartique. Les inconditionnels seront en terrain connu, retrouvant tout le flair mélodique, la précision rythmique et l’écriture très progressive qui font la force de ce formidable pianiste.

Prelude For All Seekers / Yerevan Sunrise / Manifeste / One Body, One Blood / Seven Sorrows / Years Passing (For Akram) / Dardahan / War Time Poem / The Fire Child (Vahagn Is Born) / Ultradance / Per Mané (Eb Venice song) / Window From One Heart To Another (For Rumi) / A Eye (The Digital Leviathan) / National Repentance Anthem

Tigran Hamasyan – piano, synthés, basse synthé, voix, sifflage et programmation de batterie
Marc Karapetian – basse
Evan Marien – basse
Arthur Hnatek – batterie, électroniques et programmation de batterie
Arman Mnatsakanyan – batterie
Matt Garstka – batterie
Nate Wood – batterie

Yerevan State Chamber Choir – dirigé par Kristina Voskanyan

Daniel Melkonyan – trompette
Nick Llerandi – guitare
Artyom Manukyanon – violoncelle
Asta Mamikonyan – voix
Hamin Honari – daf (tambour à main)
Yessai Karapetian – blul (flute traditionnelle)

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Tigran Hamasyan – Red Hail (2021)

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Plus de dix ans après l’excellent Sylva (2015), la joyeuse bande menée par le bassiste Michael League renoue avec le Metropole Orkest pour Somni (2025), cette fois sous la direction du chef et arrangeur Jules Buckley.

Somni (2025), c’est le rêve

Particulièrement ambitieux, l’album enregistré en public à Utrecht en janvier 2025 explore le thème du rêve en réunissant au total près de soixante-quinze interprètes au sein d’une masse orchestrale imposante, mais jamais étouffante. Composés par Michael League lors d’une retraite au Japon et orchestrés avec Jules Buckley, les huit titres de Somni (2025) s’apparentent moins à un enchaînement de morceaux distincts qu’à un continuum musical où jazz, funk, écriture symphonique et groove contemporain se fondent dans une expérience immersive.

Waves Upon Waves et As You Are But Not As You Were

L’ouverture Waves Upon Waves pose les bases de ce voyage onirique avec les cordes luxuriantes du Metropole Orkest, qui flottent au-dessus de claviers, de cuivres et de polyrythmies complexes. La musique hautement cinématographique de Snarky Puppy mise sur un art du contraste parfaitement maîtrisé et une écriture très structurée, tout en conservant l’énergie et la spontanéité de l’improvisation. Cette même logique se retrouve dans As You Are But Not As You Were, où un motif central circule entre marimbas, synthés, cordes et cuivres, évoquant la mécanique des rêves avec ses formes qui glissent et se métamorphosent constamment.

La face sombre de Somni (2025) avec Chimera et Recurrent

L’album révèle sa face sombre avec Chimera et Recurrent. Véritable cauchemar orchestral, la première accumule couches rythmiques, déflagrations de cuivres et distorsions électriques, jusqu’à un final vertigineux où quatre batteurs jouent simultanément en métriques différentes. Ce chaos est savamment contrôlé, flirtant avec la saturation totale sans jamais perdre le fil narratif. Pièce-fleuve de près de quatorze minutes, Recurrent transforme cette tension en jeu collectif avec son motif répété qui sert de plateforme d’envol à une succession de solos et d’échanges entre les musiciens, le tout culminant dans un impressionnant passage de relais entre les batteurs. C’est ici que Somni (2025) rappelle avec force combien le jazz live demeure une expérience physique, imprévisible et profondément collective.

Somni (2015) – sa plus grande force dans ses moments de retenue

Mais l’album trouve peut-être sa plus grande force dans ses moments de retenue. Between Worlds et Drift offrent des respirations méditatives, presque suspendues, où saxophone, piano, orgue et cordes dessinent des paysages nocturnes d’une grande beauté. Ces titres plus dépouillés révèlent un autre point fort : malgré l’ampleur de l’effectif, la musique sait se faire intime et introspective. L’album s’achève sur It Stays With You, une pièce émotive qui recompose toute la palette de l’album avant de s’éteindre doucement.

Un album qui porte bien son titre, en ne se contentant pas d’explorer la thématique du rêve, il en épouse la logique immersive, mouvante et incertaine. Comme toujours avec Snarky Puppy, c’est véritablement en concert que l’on prend la pleine mesure de l’expérience. Les musiciens seront en tournée européenne en juin et juillet, mais on peut toujours espérer qu’ils fassent un détour par le Festival International de jazz de Montréal cet été!

Waves Upon Waves / As You Are But Not As You Were / Chimera Between Worlds / Recurrent / Drift / Only Here and Nowhere Else / It Stays With You

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Coups de cœurs BIG du FIJM 2023 : Nate Smith, George Benson et Snarky Puppy

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Une fois n’est pas coutume, faisons un petit retour en arrière sur un excellent album qui nous était passé sous le nez. Paru l’été dernier, Strange Heavens (2025) de la contrebassiste et compositrice Linda May Han Oh marque un retour au format épuré du trio contrebasse-trompette-batterie, une formation qu’elle a déjà explorée sur son premier album, Entry (2009).

Linda May Han Oh, Ambrose Akinmusire et Tyshawn Sorey

Originaire de Malaisie et élevée en Australie, la musicienne aujourd’hui basée à New York s’est peu à peu imposée sur la scène jazz internationale, collaborant notamment avec Vijay Iyer, Terry Lyne Carrington, Pat Metheny ou encore Joe Lovano. Elle s’entoure ici du trompettiste Ambrose Akinmusire, autre partenaire musical de longue date, ainsi que du batteur Tyshawn Sorey. Ensemble, les musiciens proposent une œuvre dense, sensible et engagée, où la virtuosité de premier plan n’occulte en rien la symbiose qui les anime.

Strange Heavens évoque l’idée d’un au-delà incertain

Le titre Strange Heavens évoque l’idée d’un au-delà incertain, par opposition aux épreuves du quotidien. Sans adopter un ton ouvertement politique, l’album traduit néanmoins un sentiment diffus de malaise, ainsi qu’une volonté de guérison et de résilience. L’atmosphère tendue de Portal donne le ton, avec ses lignes de basse obstinées et ses rythmes nerveux, au-dessus desquels planent les mélodies lunaires du trompettiste. La pièce éponyme ralentit quant à elle le tempo, et fait place à des sonorités plus méditatives qui voient notamment la trompette passer d’un registre sombre à des couleurs lumineuses, symbolisant cet espoir qui émerge de l’adversité.

 Living Proof amène une énergie presque abrasive

Mais Strange Heavens (2025) n’est pas monochrome pour autant. Living Proof amène une énergie presque abrasive qui voit le trio broder un swing nerveux. The Sweetest Water brille par ses solos amples et expressifs, structurés en deux sections contrastantes. D’abord chaleureuse, l’atmosphère s’assombrit avec l’entrée de la trompette tourmentée d’Ambrose Akinmusire. Sur Noise Machinery, Tyshawn Sorey et Linda Oh installent un groove enivrant aux forts accents funk, alors que le trompettiste déploie un phrasé aérien et incisif. Un vrai délice où même dans les moments les plus intenses, la transparence des lignes de chacun et l’écoute mutuelle restent exemplaires.

Le pointe culminant : la suite Home, Paperbirds, Folk Song et Work Song

Le point culminant de l’album se révèle dans une suite de 4 pièces inspirée du roman graphique The Arrival de Shaun Tan. Dans cette suite les pièces comme Paperbirds et Folk Song offrent des instants d’une rare délicatesse, entre lyrisme et textures feutrées. L’album se conclut sur deux reprises, soit Skin de Geri Allen, anguleuse et vibrante, et Just Waiting de Melba Liston, méditative et chaleureuse, toutes deux portées par une contrebasse boisée et des balais délicats. De bout en bout, le trio maintient une cohésion exceptionnelle, livrant une performance à la fois intime, audacieuse et parfaitement maîtrisée.

Portal / Strange Heavens / Living Proof / Acapella / The Sweetest Water / Noise Machinery / Home / Paperbirds / Folk Song / Work Song / Skin / Just Waiting

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Linda May Han Oh – basse/contrebasse
Ambrose Akinmusire – trompette
Tyshawn Sorey – batterie

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Les bons plans au FIJM 2025 (26 juin au 5 juillet)

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Avec By All Means (2025), Aaron Parks signe un retour au jazz acoustique plus traditionnel, un virage signalé dès la pochette de l’album avec sa typographie évoquant les grandes heures du catalogue Blue Note des années 1960.

Après les explorations hybrides de Little Big III (2024), le pianiste et compositeur réunit son trio de longue date avec Ben Street à la contrebasse et Billy Hart à la batterie, auquel s’ajoute le saxophoniste Ben Solomon. Le résultat un quartet au service de compositions élégantes, certes plus prévisibles que celles auxquelles Aaron Parks nous a habitué dans ses récents albums, mais on se plaît à découvrir ce côté à la fois swingé et lyrique du musicien.

A Way – une atmosphère suspendue

L’album s’ouvre sur A Way, une ballade très libre aux subtils accents de Duke Ellington. Le jeu de balais de Billy Hart, la contrebasse souple et les textures de piano feutrées installent une atmosphère suspendue, presque méditative. Le saxophone rond et chaleureux de Ben Solomon plane au-dessus avec une expressivité marquée par une économie de moyens, sans flafla, conférant au morceau une tension émotionnelle immédiate.

Parks Lope offre un autoportrait musical aux allures post-bop

Plus animée, Parks Lope offre un autoportrait musical aux allures post-bop, porté par une pulsation légèrement instable et un swing feutré. Les phrases anguleuses du piano évoquent parfois celles de Thelonious Monk, tandis que le saxophone de Ben Solomon adopte une approche encore une fois mesurée, loin de toute démonstration. Composition d’adolescence du pianiste, Anywhere Together fait quant à elle surgir une énergie plus directe, notamment avec ses échanges vifs entre la section rythmique et les solistes, témoignant de la prise de maturité manifeste d’Aaron Parks.

Les ballades occupent une place centrale sur By All Means (2025), comme la lumineuse For María José dédiée à l’épouse du pianiste, qui se déploie sur une rythmique très apaisée, tandis que Little River avance tout en douceur comme une valse berçante. Sur Dense Phantasy, Aaron Parks mêle les brumes de Bill Evans et de Duke Ellington dans un dialogue intimiste, presque murmuré, avec le saxophone de Ben Solomon. L’album s’achève sur Raincoat, ballade impressionniste qui nous laisse sur une rêverie douce et chaleureuse.

Loin d’être un manifeste, By All Means (2025) s’impose davantage comme un retour aux sources à la fois sensible, sincère et profondément humain.

A Way / Parks Lope / For María José / Dense Phantasy / Anywhere Together / Little River / Raincoat

Blue Note
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Aaron Parks – piano
Ben Salomon – saxophone
Ben Street – basse
Billy Hart – batterie

Photo : Isaac Namias

Little Big III sur l’étiquette Blue Note

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Il est également impliqué au Centre de musique canadienne du QC. Chaque semaine il nous propose un bon plan et chaque deux semaines un album.

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Avec Hapax, Ataraxie et Animus/Anima, le pianiste et compositeur Simon Côté-Lapointe lance simultanément trois albums doubles totalisant près de six heures de musique enregistrée lors d’un blitz créatif à l’été 2025. Ce triptyque monumental et entièrement consacré au piano solo aborde l’instrument comme un terrain de recherche, où chaque pièce se déploie en variations libres, qu’il s’agisse d’improvisations totalement libres ou de relectures spontanées de classiques de répertoire. Le lancement aura lieu sur YouTube mercredi le 14 janvier de 20 h à 21 h.

Plus qu’un simple exercice de style, Simon Côté-Lapointe propose un véritable laboratoire ouvert sur l’art de l’improvisation qui explore le temps, les styles et les rouages intimes de la création spontanée. Armé d’une vaste banque de partitions issues d’un répertoire qu’il connaît intimement, il se lance, pendant cinq jours dans une aventure musicale libre et intuitive, en cherchant à dépasser le carcan formel de l’interprétation jazz traditionnelle pour mettre en lumière le processus même de l’improvisation.

Hapax vol. 1 & 2 (2025)

Le pianiste réussit au fil des deux volumes à mettre en lumière la spontanéité et la fragilité du geste improvisé. Rien n’est rejouable parfaitement à l’identique, et c’est précisément ce côté instinctif qui fait la force d’une musique conçue comme un espace de traces, où chaque note affirme son caractère irréversible.

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Ataraxie vol. 1 & 2 (2025)

Là encore, on retrouve plusieurs versions de mêmes pièces, dont trois prises de Komm su¨ßer Tod de Bach qui, sans différences spectaculaires, laissent chaque interprétation suivre son chemin. Les mélodies sont abordées selon une logique classique, les laissant émerger, disparaître et revenir autrement, comme pour le thème mémorable de l’adagio de la Symphonie no 7 en mi majeur de Bruckner qui se pare de multiples variations et respirations.

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Animus/Anima vol. 1 & 2 (2025)

Le degré de liberté est encore accru sur certains morceaux, comme Danny Boy et Night and Night, qui prennent la forme de longues explorations, parfois proches de l’improvisation libre. Animus/Anima interroge ainsi la notion même de standard qui n’est plus un modèle à reproduire, mais un terrain de jeu aux possibilités toujours renouvelées. L’originalité du projet tient en grande partie à cette démarche peu commune sur album : Simon Côté-Lapointe adopte l’approche des concerts de jazz où chaque standard renaît à chaque interprétation, au lieu d’être figé dans une version unique comme c’est souvent le cas sur album.

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Une œuvre ouverte qui brouille les frontières entre écriture et improvisation

Le lancement sera l’occasion d’en savoir plus sur la démarche derrière ce projet. Il aura lieu en ligne, mercredi le 14 janvier 2026 de 20 h à 21 h, accessible via YouTube
– Pour écouter des extraits et acheter les albums en prévente visitez : https://hecto.bandcamp.com/music
– Pour en savoir plus, consultez : https://simoncotelapointe.com/musique/piano-solo/

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Taxon Lazare groove son premier album au Quai des brumes et sur Bandcamp (2 nov)

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Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Il est également impliqué à la Coopérative des professeurs de musique. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

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L’année commence en force avec Le buffet (2025), quatrième offrande aussi loufoque qu’irrésistible du bassiste et compositeur Hugo Blouin. Après avoir mis en musique la commission Charbonneau sur Charbonneau ou les valeurs à’ bonne place volumes 1 (2018) et 2 (2022) et l’univers du hockey sur Sport national (2023), le musicien montréalais explore cette fois les conversations autour de la bouffe avec un ensemble de haut vol formé d’Eugénie Jobin Tremblay (chant), Marianne Trudel (piano), John Hollenbeck (batterie) et Aurélien Tomasi (vents).

Au fil des dix nouvelles pièces de Le buffet (2025), Hugo Blouin exalte nos jasettes culinaires et obsessions gourmandes au son d’un jazz exubérant et plein d’esprit.

Soupe pragmatique, Un Art du Temps et La Sauce

Soupe pragmatique met la table avec son humour perché, ses éclats vocaux, son piano funky et ses vents espiègles, le tout tenu avec aplomb par le bassiste. Plus loin, Un Art du Temps explore des accents latins aérés et effervescents, alors que La Sauce s’amuse à tirer la recette vers un jazz plus classique, mais jamais prétentieux, où l’on sent que le groupe prend véritablement et collectivement son pied. Preuve que la mayonnaise prend, l’écoute est sans effort et le sourire nous vient spontanément.

Du jazz sérieux et Plantée de chemin

On retrouve également l’humour décalé du bassiste sur Du jazz sérieux, des textes loufoques jusqu’au solo de balloune gonflable (brillamment exécuté) de la trompettiste invitée Émilie Fortin. Les textes chantés par Eugénie Jobin Tremblay embrassent pleinement la langue d’ici, la tordant et la chantant, toujours de manière très théâtrale. À travers ces détours, Hugo Blouin revendique un jazz qui refuse la prétention, comme sur Plantée de chemin où le groupe prend visiblement plaisir à faire déraper chaque convention au moment où on la croit établie.

Après tu manges et Pain-beurre-chocolat – l’humour d’Hugo n’est pas sans rappeler Frank Zappa

Pourtant, Le buffet (2025) n’est pas qu’une rigolade à prendre au cinquième degré. Il dévoile aussi de tendres bouchées, comme la ballade Après tu manges ou Pain-beurre-chocolat, souvenir sucré-salé chargé d’émotion sur fond de jazz feutré. À la fois absurde et satirique, l’humour musical de Hugo Blouin n’est pas sans rappeler celui de Frank Zappa, qui se plaisait à déconstruire les codes musicaux tout en livrant une performance impeccable. De même, le bassiste nous rappelle que la musique nourrit tout autant le cœur et l’esprit qu’elle peut dilater la rate.

Véritable festin pour qui aime un jazz aventureux, conceptuel, mais étonnamment accessible, Le buffet (2025) nous plonge dans un univers décalé à souhait, d’où l’on ressort le sourire aux lèvres avec l’envie de se resservir.

Soupe pragmatique / La patate au sucre / Plantée de chemin / Après tu manges / Un art du temps / La sauce / Pain-beurre-chocolat / Du jazz sérieux / Le baril géant / Un camion pizza

Hugo Blouin – Le buffet (2025)

John Hollenbeck – batterie
Marianne Trudel – piano
Hugo Blouin – contrebasse, voix
Eugénie Jobin Tremblay – voix
Aurélien Tomasi – saxophones, voix

plus :

Marion Rampal – voix
Charlotte Layec – voix
Sylvaine Arnaud – voix
Alissa Cheung – violon
Émilie Fortin – trompette

Crédit photo : Camille Gladu-Drouin

Arnaud G. Veydarier : arnaudgveydarier@gmail.com /  Facebook / twitter

Arnaud G. Veydarier est guitariste, a étudié la musicologie à l’Université de Montréal et nourrit un intérêt prononcé pour le jazz, la musique contemporaine et les liens entre musique et développement urbain. Il est également impliqué à la Coopérative des professeurs de musique. Pour voir tout ses bons plans et chroniques d’albums, c’est ici

Opus 2025 Jazz : Hugo Blouin (Sport national), Marianne Trudel (Time Poem : La joie de l’éphémère) et +

Hugo Blouin récidive avec Attaboy et une nomination au GAMIQ

Hugo Blouin – Sport national (2023)

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